Con su imposible mezcla de electrónica, punk y rock, sus escandalosas pintas y, claro, su misil de amor, Sigue Sigue Sputnik entraron en nuestras vidas en aquellos coloridos ochenta. Hoy, con tantas banda con sonido inspirado en esa época, es necesario tener presente a los pioneros. Hablamos con Martin Degville, cantante y continuador de la leyenda Sputnik. Al final de la entrevista nos afirma que nunca da un mal concierto: es verdad, lo comprobamos el año pasado en Milán, un poco después en el W-Fest y ahora estamos deseando verlo a finales de abril en el DarkMad.
—La historia cuenta que conociste a Tony James en tu tienda YAYA, ¿verdad? Tu negocio fue muy importante durante los primeros años de la banda. ¿Nos puedes contar algo de la atmósfera del lugar?
—Sí, la tienda era un centro de mucha actividad, designábamos ropa para particulares, hombre, mujer o travestis, sonaba música rock a todo trapo: Bowie, Roxy, Marc Bolan, Suicide, Elvis, Punk, Velvet Underground. Teníamos a muchos famosos y otros músicos que venían a comprar nuestros salvajes modelos como Johnny Thunders, Blondie, The Banshees, Adam Ant o Duran Duran, por nombrar solo unos pocos, trabajamos en el estilo de mucha gente. Tony solía venir a la tienda cada sábado por la tarde con Magenta Devine, la que finalmente se convirtió en nuestra agente de prensa para SSS. Fue también allí que conocí a nuestro guitarrista Neal X. Solíamos pasar el rato juntos y de esa forma fue como, finalmente, acabé conviertiendome en el cantante y guerrero de estilo de SSS.
—¿Cómo era vivir con Boy George y la atmósfera del Rum Runner Club?
—Vivir con George era una locura, estuvimos de fiesta sin parar durante muchos años en Birmingham. El Rum Runner y Barbarellas eran las discotecas sórdidas a las que ir. Fueron unos días realmente salvajes para todos, podíamos ser libres y ser nosotros mismos y ser creativos con el arte, la moda y la música. Fue verdaderamente una gran era en la que crecer.
—Fuiste muy importante en la creación de la imagen de Sigue Sigue Sputnik, ¿verdad?
—Sí, la imagen era muy importante para la banda, yo y Yana Ya Ya, que se convirtió en la sexta miembro de la banda diseñamos este estilo de ciencia ficción glam total que iba con la personalidad y las necesidades de cada miembro. Nada estuvo planeado y para nosotros cuanto más escandaloso mejor, nunca usamos estilistas y la compañía discográfica nunca nos molestó con la imagen, de hecho, creo que nunca nos entendieron y nos dejaron a nuestro aire, el objetivo era escandalizar y verdaderamente escandalizamos.
—¿Cuáles eran tus influencias como cantante? ¿Elvis? ¿Alan Vega?
—Elvis, Sinatra, Alan Vega, Iggy Pop, Bowie, Ferry, para mí era más sobre la entrega y el estilo de voz lo que me interesaba, no me interesaba en vocalistas con grandes poderes técnicos, me parecían aburridos. Alguien chillando obscenidades a través de un micro era mucho más mi rollo.
—¿Cómo fue el proceso de escribir “Love Missile F1-11?” Escribiste el tema con Neal X usando algunas ideas de Tony James, ¿verdad?
—Sí, “Love Missile” fue escrito con un sintetizador Pro One con una caja de ritmos 808. Creo que a Tony se le ocurrió el título y yo escribí la letra y la melodía, a Nil se le ocurrió el riff. Más o menos así fue.
—He leído que durante la primera gira hubo mucha violencia, especialmente en el concierto donde ocurrió el accidente con Ray Mayhew (le tiró una botella a 
alguien del público). ¿Por qué crees que la audiencia se comportó así?
—La primera gira dio mucho miedo, había cierta parte del público que no estaba interesada en la banda, pero venía a los conciertos a crear el caos, era algo parecido a un partido de futbol con aficionados del equipo contrario. Al final tuvimos que cancelar algunos conciertos por culpa de las amenazas de muerte, pero esto solo le dio más fuel al ataque de la prensa. Creo que la gente, en general, no entendió el significado de ULTRA VIOLENCE que son las palabras que dice una voz al comienzo de “Love Missile”.
—¿Cómo fue trabajar con Giorgio Moroder? A la banda no le gustaron las primeras mezclas de “21st Century Boy”, ¿verdad?
—Fue muy divertido trabajar con Giorgio, grabamos el disco completo en un estudio de Londres con él, su programador y una caja de ritmos Lynn. Luego mezclamos todo en su estudio en Los Ángeles. “21st Century Boy” fue nuestro segundo single publicado y aunque sonaba fabulosamente, yo hubiera querido que tuviese un toque de rock más duro.
—¿Qué parte del ahora clásico diseño del primer disco fue creado por la banda?
—Hicimos una gira por Japón y robamos muchas ideas de todos los mangas de Akira y las revistas de transformers. Solo estar en Tokio era como una escena de mi película favorita, Blade Runner. Por otra parte, teníamos también nuestros diseñadores para traer todo de vuelta al Reino Unido.
—¿Cómo fue trabajar con Peter Waterman en vuestro single, Success de 1988? ¿Crees que fue un error trabajar con él como productor?
—Fue la peor decisión que tomamos. Queríamos que fuese una mezcla de sonido entre nosotros, The Beastie Boys y The Beatles, pero lo que tuvimos fue una versión pastelosa de la línea de bajo del “I Feel Love” de Giorgio que acabamos quitando y lo despedimos. Solo quedó el ingeniero de sonido para terminar el tema. Odio ese suave synth pop chicle que produjeron en masa. Mis propios remixes de Success son mucho mejores y más directos.
—Hoy en día ¿qué piensas de Dress for Excess, el segundo disco de la banda?
—Las canciones de ese disco eran excelentes, pero le faltaba un tema común como en Flaunt it, tampoco ayudó que tuviéramos diferentes productores y remezcladores en el disco porque perdió continuidad y dirección.
—La banda era famosa por las fiestas que se corría. ¿Alguna buena historia que recuerdes de esos días?
—Sí, estábamos de fiestas sin parar. Lo encuentro todo muy difuso o demasiado grosero para contárselo a tus lectores.
—La primera separación de Sigue Sigue Sputnik fue en 1989, Tony James dijo que fue porque os quedasteis si dinero, ¿qué dices al respecto?
—Nunca nos quedamos sin pasta, porque nos financiaba la compañía discográfica. De todas, formas toda la estructura del personal cambió y fue elegido un nuevo director que nos odiaba y que nos despidió enseguida, incluso aunque todavía teníamos enormes ventas de discos. Se disculpó muchos años después…
—Tu primer proyecto en solitario fue con Mick Rossi, el disco World War 4. ¿Cómo fue la grabación del disco? Al principio iba a ser un EP, pero terminó siendo un disco completo. ¿Qué pasó con el segundo album que estaba planeado?
—Sí, fue genial el trabajar con Mick porque es un buen amigo y tocaba como uno de mis héroes, el Mark Ronson de los primeros días de Bowie. Las canciones para ese disco estaban realmente escritas y se suponía que se usarían para el siguiente disco de Sputnik, lo que nunca pasó, por supuesto. Lo grabamos en dos semanas y no tuvo continuación.
—Volviste con Sigue Sigue Sputnik para un nuevo disco, Piratespace en el 2001. ¿Cómo fue trabajar con ellos de nuevo?
—Por un tiempo, fue como en los viejos tiempos, con nuevas ideas y, por supuesto, la nueva tecnología disponible para la producción de sonido. Queríamos dar un paso adelante y crear un sonido más grande de rock con cultura sin perder el sonido de los Sputnik del pasado.
—Tu último disco con Sigue Sigue Sputnik fue Blak Elvis Vs. The Kings of Electronic Rock and Roll del2002. ¿Quién tuvo la idea de hacer un disco de versiones de canciones cantadas por Elvis?
—Fue un sello japonés que nos contactó y nos pidieron versiones electrónicas de nuestras canciones favoritas de Elvis. Dios, era pura felicidad porque teníamos control y libertad y podíamos volver a nuestras raíces de nuevo. Además, todas las canciones eran alucinantes en su propia forma y han mantenido el paso del tiempo. Nos lo pasamos muy bien haciendo el disco y todavía me gusta. Suena todavía muy moderno y original.
—¿Por qué abandonaste Sigue Sigue Sputnik de nuevo en el 2003?
—Hicimos una gira y creo que nos dimos cuenta de que habíamos seguido con nuestras vidas y cada uno tenía diferentes necesidades y formas de vida de las que encargarse. Así que surgieron las discusiones y la cosa se puso fea.
—¿Qué nos puedes contar de Sputnik 2 – The future project? Solo grabaste el EP Smart1 en el 2004, ¿verdad?
—Estaba semi retirado pero la música había sido parte de mi vida juvenil y tenía, y todavía tengo esta necesidad de estar un paso por delante y crear nuevos sonidos y estilos. Decidí escribir un gran número de nuevas canciones y usar Sputnik 2 – The future como plataforma para revivir y reinventarme.
—¿Qué nos puede contar de tu colaboración con los hermanos Lluch en Sci-Fi Superstars? Habéis publicado dos discos, ¿verdad?
—Oh, son gente fantástica con la que trabajar. Provienen de un ambient Rockabilly y me contactaron para grabar una versión de “21st Century Boy” en este estilo, así que volé a España y la hicimos. Luego decidimos escribir un nuevo album juntos combinando los dos estilos. Siempre me gusta la idea de trabajar con nueva gente con ideas frescas. Estamos en contacto y a menudo damos conciertos juntos, quizás hagamos un nuevo disco pronto…
—En el 2011 publicaste un álbum limitado llamado Revisited con nuevas grabaciones de viejos temas de SSS. ¿Cómo elegiste los temas para rehacerlos?
—Quería explorar una versión más hardcore de todas las canciones que escribí en Flaunt It y llevarlas a otro nivel. La disponibilidad de nuevos sintetizadores y las posibilidades de recrear música hoy son infinitas y están bastante lejos de nuestro alcance. El poder utilizar todo esto, dio lugar a un proyecto muy excitante, y así, Flaunt It Re Visited fue grabado. Después solo necesitamos a remixers que mostrasen interés en remezclar y producir algunas versiones extraordinarias.
—Como SSSE has publicado un disco con nuevas canciones, Electronic DNA, en el 2013. ¿Cómo se lo presentarías a viejos fans de SSS que aún no lo han escuchado?
—Miré hacia atrás, a mi pasado y decidí escribir un nuevo disco de rock and roll electrónico sin adulterar, con riffs basados en sintetizadores monstruosos, guitarras pesadas espaciales, loops de batería atronadores, voces fantásticas y grandes temas que provocan energía y rabia y amor y suenan como nada más en la tierra. De hecho, define lo que soy, pero de nuevo, siempre estoy cambiando. EDNA será publicado en Japón en el 2019 y estaré girando para promoverlo y también he sido invitado a las olimpiadas del 2020 donde tocaré temas de ese disco y de mis trabajos pasados.
—¿Cómo va a ser tu concierto en el W-Fest?
—¡¡¡Martin Degville SIEMPRE da un buen espectáculo!!!! Nos vemos allí para un concierto espectacular. La hora de la fiesta.
