This Eternal Decay comenzó como un proyecto paralelo en el que coincidían miembros de varias bandas italianas, pero pronto se consolidó como una formación con identidad propia. A lo largo de cinco intensos álbumes, sus tres músicos —cuatro hasta la salida de Pasquale Vico— han demostrado una extraordinaria capacidad para moverse entre géneros: del sonido con influencias industriales de sus inicios a la darkwave que han perfeccionado en sus trabajos más recientes. Hemos hablado con Riccardo Sabetti, vocalista de este trío que ha supuesto un soplo de aire fresco en medio de esta eterna decadencia. El próximo año tendremos dos oportunidades para verlos en directo: primero, en febrero, en el festival Niebla Sónica y, después, en junio, en Dark City Fest.
Foto de portada: Vanessa Litardi
Foto: Stryga
—Riccardo, empezaste This Eternal Decay como proyecto en solitario, ¿verdad? ¿Cuál era tu objetivo en aquel momento y cuándo se convirtió en una “superbanda” con otros miembros de la escena italiana?
—Sí, así es. This Eternal Decay empezó en 2018 como mi proyecto en solitario. En aquel momento quería crear un espacio musical en el que pudiera reunir todas las influencias que me habían marcado a lo largo de los años, desde el post-punk y la darkwave hasta el industrial y la música electrónica, sin estar atado a la identidad o al sonido de mi banda anterior, Spiral69. La idea era tener total libertad creativa y explorar una dimensión más oscura, más personal y más experimental a la hora de componer canciones.
Sin embargo, el proyecto empezó a convertirse en una banda casi de inmediato, cuando Andrea Freda (Spiritual Front) se unió a mí poco después de sus inicios. En 2021, Alessio Schiavi (Avant-Garde) también pasó a formar parte del proyecto, dándole aún más forma a su identidad musical. No lo llamaría necesariamente una superbanda, pero creo que lo interesante es que cada uno de nosotros viene de un trasfondo musical distinto, y eso aporta experiencias y sensibilidades diferentes a la mezcla. Hoy, This Eternal Decay es mucho más que mi proyecto original en solitario: es una identidad creativa colectiva, aunque mantiene la visión y la dirección artística con la que todo empezó.
—En una entrevista, uno de vosotros dijo que intentabais “experimentar de una forma completamente opuesta a cómo trabajamos en nuestros otros proyectos”. ¿Cómo conseguisteis encontrar un enfoque distinto al de vuestras otras bandas?
—Creo que la clave fue liberarnos de cualquier expectativa, tanto nuestras como venidas de fuera. No queríamos repetir lo que ya estábamos haciendo en nuestros otros proyectos, ni seguir una dirección predefinida.
Con This Eternal Decay nos dimos la libertad de explorar territorios distintos, de mezclar influencias que podían parecer alejadas entre sí, y de abrazar un proceso creativo más instintivo y menos estructurado. Como venimos de trasfondos musicales diferentes, cada uno aportaba una sensibilidad distinta. En lugar de buscar un terreno común desde el principio, dejamos que esas diferencias coexistieran e interactuaran. A veces las ideas más interesantes surgían precisamente de ese contraste.
En cierto modo, This Eternal Decay se convirtió en un espacio donde podíamos salir de nuestras identidades musicales habituales, arriesgarnos y redescubrir el placer de hacer música sin demasiados límites.
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—En Spiral69, banda de la que hablabas al comienzo, ya tocabas con Andrea Freda. ¿Cuál es el estado de esta formación actuálmente? Spiral69 publicó un nuevo disco hace un par de años, ¿puedes contarnos algo sobre él?
—Spiral69 está oficialmente disuelta por el momento. Después de muchos años juntos, llegó un punto en el que nos pareció correcto que cada uno siguiera caminos distintos y explorara nuevas direcciones musicales. El último disco, publicado hace un par de años, fue un capítulo importante en la historia de la banda y una forma de cerrar ese recorrido de manera significativa. Sigo estando muy orgulloso de lo que creamos con Spiral69, y esos años, sin duda, han marcado al músico que soy hoy.
En cuanto al futuro, ¿quién sabe? Nunca me gusta decir nunca jamás. Puede que algunas historias no estén del todo cerradas.
—Volviendo a This Eternal Decay, la banda ha cambiado de estilo con cada disco: primero industrial, luego synth pop, luego post punk, darkwave… ¿Cómo mantenéis la esencia de la banda con cada nueva dirección?
—Creo que la esencia de This Eternal Decay nunca ha estado ligada a un género concreto, sino más bien a una cierta actitud emocional y a una manera de acercarse a la música. Siempre nos ha interesado explorar sonidos, texturas y atmósferas distintas, sin poner límites a nuestro alrededor. Cada disco refleja un momento diferente de nuestra evolución personal y artística, y no queremos repetirnos solo por ser reconocibles.
Lo que permanece constante es el núcleo emocional: melancolía, oscuridad, intensidad y un cierto enfoque cinematográfico a la hora de componer. Los géneros no son más que los idiomas que usamos para expresar esos sentimientos. En cierto sentido, cambiar es nuestra manera de ser fieles a nosotros mismos. El sonido puede evolucionar, pero la identidad detrás de él sigue siendo la misma.
—En I Choose an Eternity of This, vuestro primer disco, la influencia de NIN es palpable. Riccardo, elegiste The Fragile como uno de tus discos favoritos. ¿Cómo ha influido ese disco en el sonido de la primera etapa de la banda?
—Creo que The Fragile tuvo una enorme influencia en cómo encaré la composición y el diseño sonoro durante los primeros días de This Eternal Decay. Lo que siempre me fascinó de ese disco fue su capacidad para combinar agresividad, electrónica y texturas industriales con momentos increíblemente emotivos e íntimos. Me demostró que la música electrónica podía ser oscura e inquietante sin perder su lado humano, y que los sonidos distorsionados, el ruido y los arreglos poco convencionales podían convivir con melodías preciosas y atmósferas profundamente melancólicas.
No diría que quisiéramos sonar como Nine Inch Nails, sino más bien que The Fragile me dio la libertad de experimentar y de pensar la música como algo cinematográfico, dinámico y emocionalmente complejo. Ese enfoque, sin duda, marcó el ADN de nuestro primer disco.
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—Vuestro segundo disco, Silence, tiene más influencia del dark/cold-wave de los 80 mezclada con los elementos industriales anteriores. ¿Qué es lo que te resulta interesante de la música de los 80?
—Lo que me fascina de la música de los 80 es su capacidad para combinar atmósfera, emoción y experimentación de una manera muy particular. Había algo increíblemente poderoso en los sonidos de esa época: la frialdad de los sintetizadores, los ritmos hipnóticos, las melodías melancólicas y ese enfoque casi cinematográfico a la hora de componer. Siempre me han atraído las bandas que conseguían crear algo oscuro e introspectivo sin dejar de ser melódicas y emocionalmente directas. Bandas como New Order, The Chameleons, Joy Division y los primeros Killing Joke han tenido una influencia importante en mi formación musical.
Con Silence quisimos explorar esa estética sin limitarnos a mirar hacia atrás. Intentamos tomar esos elementos y fusionarlos con nuestras raíces industriales, dándoles una identidad más contemporánea y personal. Para mí, lo interesante no es recrear el pasado, sino usar su lenguaje para expresar algo que pertenece al presente.
—El tema principal del disco era la soledad interior en un mundo cada vez más conectado digitalmente. ¿Crees que esto todavía se puede detener, o irá a peor? Teniendo un hijo de 3 años, me sorprende lo pronto que los bebés empiezan a usar tablets y teléfonos, y lo desconectados que llegan a estar de los demás.
—Sinceramente, creo que es un fenómeno muy difícil de detener, porque la tecnología se ha vuelto una parte tan integral de nuestra vida cotidiana que casi hemos dejado de cuestionar su presencia. La paradoja es que nunca habíamos tenido tantas formas de comunicarnos, y sin embargo la conexión humana genuina parece cada vez más frágil. Estamos constantemente expuestos a las vidas, pensamientos e imágenes de otras personas, pero eso no significa necesariamente que nos acerquemos más los unos a los otros. A veces pienso que simplemente estamos sustituyendo la experiencia de vivir por la experiencia de ver la vida suceder a través de una pantalla.
No creo que la tecnología en sí sea el enemigo. Es cómo la usamos, y quizá, más importante aún, qué le permitimos sustituir. Me preocupan especialmente los niños que crecen en este entorno, porque puede que nunca lleguen a conocer un mundo sin esa presencia digital constante. ¿Se puede detener? Probablemente no. Pero creo que todavía podemos elegir cuánto espacio le damos en nuestras vidas. Y quizá ahí es donde empieza todo: aprender a estar presentes de nuevo, a escuchar, a mirar a alguien a los ojos, a experimentar el aburrimiento, el silencio e incluso la soledad sin intentar escapar de ellos de inmediato. Al final, creo que de eso tratan realmente nuestros discos: de la necesidad de sentir algo real en un mundo que cada vez más parece existir detrás de una pantalla.
—En Silence habéis incluido una colaboración con Alex, de Then Comes Silence. En este disco, en el siguiente, e incluso en el último, hay un par de músicos invitados. ¿Qué es lo que te gusta de colaborar con otras personas en tus propios discos?
—Siempre he creído que la música se vuelve más interesante cuando dejas que otras personas aporten algo de sí mismas. Aunque normalmente tengo una visión muy clara de lo que quiero lograr con un disco, me encanta la idea de abrir esa visión a perspectivas, personalidades y enfoques creativos distintos.
Las colaboraciones no consisten solo en añadir una voz o un instrumento diferente a una canción. Se trata de introducir un elemento inesperado, algo a lo que quizá no hubieras llegado tú solo. A veces otro artista puede llevar una canción a un lugar que no habías imaginado, y eso es lo que hace que el proceso resulte emocionante.
También creo que hay algo precioso en la conexión humana que hay detrás. La música es un proceso muy personal y a veces solitario, así que compartir esa experiencia con artistas a los que admiras y respetas la hace aún más significativa. Alex es un gran ejemplo de eso. Aprecio mucho lo que aporta a la música, tanto a nivel artístico como personal.
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—Nocturnæ, vuestra tercera obra, se centró en reconstruir la idea de la vida después de la pandemia de Covid, ¿verdad? ¿Cómo vivió la banda aquellos días?
—Sí, exactamente. Nocturnæ se concibió en un momento en el que el mundo intentaba lentamente volver a la normalidad, pero no queríamos simplemente documentar el periodo post-pandémico. Queríamos explorar las secuelas emocionales de aquellos años: el aislamiento, la incertidumbre, la pérdida de conexión humana y esa extraña sensación de tener que aprender de nuevo a vivir juntos.
Para nosotros, aquellos días fueron una mezcla de frustración, introspección y urgencia creativa. La música se convirtió en una forma de procesar todo lo que habíamos vivido, tanto a nivel individual como colectivo. En cierto modo, Nocturnae refleja esa sensación suspendida entre la oscuridad y las ganas de seguir adelante. Se trataba de encontrar un nuevo sentido de conexión y de redescubrir qué significa estar vivos, juntos, después de una experiencia tan sin precedentes.
—En Absolution, y también en Spettro os acercáis a la darkwave. Hoy en día hay muchas bandas en este género: ¿fue difícil ser creativos o aportar un enfoque nuevo?
—Creo que la clave siempre ha sido evitar seguir tendencias y, sobre todo, mantenernos fieles a nuestra propia visión artística. La darkwave es un género con una identidad muy marcada, y es normal que haya muchas bandas explorando territorios parecidos. Pero nunca me ha interesado especialmente reinventar el género solo por ser diferente.
Con Absolution y Spettro estaba explorando un sonido darkwave más tradicional. Con This Eternal Decay quise llevar esos límites más allá, reuniendo influencias distintas, desde el post-punk y el industrial hasta el synthpop y la música electrónica. Para mí, la originalidad no viene necesariamente de inventar algo completamente nuevo, sino de combinar elementos conocidos de una forma que refleje tu propia personalidad y tus propias experiencias. Al final, lo más importante es sonar a ti mismo.
—Absolution fue descrito como “once baladas de sintetizadores sobre asesinatos que abordan el amor como un sentimiento de crecimiento y destrucción al mismo tiempo”. ¿Esas historias de amor son siempre autobiográficas? Riccardo, ¿te resulta difícil hablar de tus propias relaciones?
—No necesariamente. Creo que cada historia que escribo lleva algo personal, aunque no sea directamente autobiográfica. A veces parto de mis propias experiencias, a veces de cosas que he visto, imaginado, o simplemente sentido a través de las historias de otras personas.
Para mí, escribir canciones es una forma de procesar emociones y convertirlas en algo que puede existir más allá de mi propia experiencia. El amor es especialmente fascinante porque puede ser increíblemente bonito y profundamente destructivo a la vez. Puede hacerte crecer, pero también puede dejar expuestas tus partes más frágiles. No me resulta difícil hablar de mis relaciones a través de la música. De hecho, creo que la música me da una libertad que la vida cotidiana no siempre permite. Puedo ser brutalmente sincero, incluso sobre cosas que probablemente me costaría decir en una conversación normal. Pero una vez que una canción sale al mundo, ya no me pertenece del todo. Cada uno puede encontrar su propia historia en ella.
Foto: Elena Giaccheri
—Spettro fue un disco muy personal sobre una época muy caótica de tu vida, Riccardo. Estabas pasando por un mal momento como has dicho en alguna entrevista, ¿puedes contarnos más sobre eso?
—Sí, totalmente. Spettro fue probablemente uno de los discos más autobiográficos que he escrito nunca. Estaba pasando por un periodo complicado en mi vida, sobre todo a nivel emocional y personal. Había relaciones, decepciones, sentimientos sin resolver y situaciones a las que entonces no conseguía encontrarles sentido.
Creo que estaba intentando dar sentido al caos que me rodeaba a través de la música. Escribir se convirtió en una manera de lidiar con cosas que no era capaz de expresar en la vida cotidiana. Algunas canciones eran casi como fotografías de momentos concretos, mientras que otras hablaban más de los sentimientos que esas experiencias dejaban atrás. Mirando atrás, puedo ver cuánto de mí mismo puse en ese disco. No siempre fue fácil exponer esa parte vulnerable, pero creo que eso es también lo que hizo de Spettro un disco tan honesto. A veces necesitas convertir tus momentos más oscuros en algo tangible solo para poder dejarlos atrás.
—Aunque ya hemos escuchado algunas canciones de vuestro nuevo disco, Amigdala, ¿cómo lo describirías en general?
—Creo que Amigdala es probablemente nuestro disco más personal e intenso emocionalmente hasta la fecha. Es un viaje a través de recuerdos, dolor, deseo, pérdida y todo lo que queda enterrado en lo más profundo de nosotros. El disco tuvo una gestación muy larga y compleja de casi dos años. Se escribió, hicimos los arreglos y se grabó durante dos años increíblemente intensos de gira, así que en cierto modo creció junto a nuestras experiencias en la carretera. Eso también influyó en el sonido final del disco.
Quisimos abordar todo el disco de una manera más orgánica, dejándolo respirar. Toda la batería se tocó completamente en directo, y el bajo y las guitarras también se grabaron de principio a fin. No hay loops. Es un enfoque de producción menos electrónico, mucho más cercano a cómo sonamos realmente en el escenario. Creo que fue una decisión muy consciente. La escena está realmente saturada de bandas que tocan con portátiles, y sentimos la necesidad de crear algo que sonara vivo, visceral y honesto. Queríamos capturar la energía de músicos reales tocando juntos, con todas las imperfecciones y elementos humanos que eso conlleva.
El título hace referencia a la amígdala, la parte del cerebro responsable de procesar las emociones y los recuerdos emocionales. Ese concepto se convirtió en el hilo que conecta los 15 temas. En cierto modo, Amigdala trata de cómo llevamos nuestro pasado dentro de nosotros, incluso cuando creemos haberlo dejado atrás.
—Para este disco habéis estado sacando singles cada dos o tres meses. ¿Cuál es la ventaja de usar este método en lugar de publicar el disco completo con quizá un par de singles antes?
—Creo que la principal ventaja es que nos permite darle a cada canción su propio espacio e identidad, en lugar de que todo el disco compita por la atención de golpe.
En el panorama musical actual, donde salen novedades todos los días y la capacidad de atención de la gente está cada vez más fragmentada, publicar singles durante un periodo más largo nos ayuda a mantener la conexión con nuestro público y le da a cada canción la oportunidad de llegar a nuevos oyentes.
También nos permite explorar distintos aspectos del disco, tanto a nivel musical como visual, a través de vídeos y material gráfico individuales y campañas promocionales.
Con AMIGDALA queríamos que el disco se sintiera como un viaje y no solo como una colección de canciones publicadas en un solo día. Cada single representa un capítulo emocional distinto, que va revelando poco a poco la atmósfera y los temas del disco. Por supuesto, hay algo especial en escuchar un disco completo por primera vez, pero creemos que este enfoque hace que el lanzamiento final cobre aún más sentido.
Foto: Elena Giaccheri
—El primer single, “Kiss Me I Am Dying”, ha tenido mucho éxito. ¿Por qué crees que ha gustado tanto a la gente? ¿Es porque es más bailable?
—Creo que probablemente es una combinación de varios elementos. “Kiss Me I’m Dying” tiene una estructura muy inmediata y pegadiza, con un impulso rítmico fuerte que la hace más bailable, quizá incluso más accesible que algunas de nuestras canciones anteriores. Pero no creo que sea la única razón.
Hay un contraste entre su arreglo musical energético, casi eufórico, y su núcleo emocional más oscuro y melancólico. Creo que es ese contraste con el que la gente conecta: puedes bailarla, pero al mismo tiempo hay algo bastante inquietante y agridulce debajo de la superficie. Quizá eso es lo que hace que la canción funcione tan bien. Es un ejemplo perfecto de lo que nos gusta llamar nuestro propio enfoque del darkwave: oscuridad que se puede bailar.
—¿Cómo surgió la colaboración con la banda española Darkways en “Me, Myself and I”?
—La colaboración surgió de forma bastante natural. Llevábamos tiempo siguiendo a Darkways y apreciábamos mucho su sonido e identidad artística. Sentíamos que había una conexión fuerte entre nuestros mundos musicales, así que decidimos contactar con ellos y explorar la posibilidad de trabajar juntos.
Cuando empezamos a trabajar en “Me, Myself and I”, todo encajó. Nos encantó la idea de juntar dos perspectivas e identidades vocales distintas en la misma canción, creando algo que iba más allá de contar con un artista invitado. El resultado fue una colaboración genuina, tanto a nivel musical como creativo, y estamos muy contentos de cómo quedó.
—This Eternal Decay han sido remezclados por nuestros amigos de Ductape y Aux Animaux. ¿Qué tipo de artistas os gustan para los remixes? ¿Hay algún artista al que le gustaría que remezclara vuestras canciones?
—Nos encantan los artistas capaces de tomar una canción y reinterpretarla por completo, aportando su propia identidad y visión en lugar de simplemente cambiarle el sonido. Nos atraen especialmente los sonidos electrónicos, industriales, EBM y los más oscuros basados en sintetizadores, pero siempre estamos abiertos a enfoques inesperados y a mundos musicales distintos.
Desde luego, hay artistas con los que nos encantaría colaborar de esta manera. Nombres como Boy Harsher, Kontravoid, IAMX o Agent Side Grinder serían opciones fascinantes. Pero, sinceramente, nos emociona igual la idea de descubrir artistas nuevos a través del proceso de remix.
—Habéis grabado varios versiones, de Depeche Mode a The Chameleons, pero me gustaría preguntarte por vuestra versión del “Twin Peaks Theme” de Angelo Badalamenti. ¿Por qué elegisteis esta canción? ¿Has escuchado el disco de Xiu Xiu Plays the Music of Twin Peaks?
—No he escuchado el disco de versiones de la banda sonora de Twin Peaks de Xiu Xiu, pero soy un gran fan de Angelo Badalamenti y de toda la atmósfera e imaginario de Twin Peaks. De hecho, quienes hayan asistido a nuestros conciertos quizá se hayan dado cuenta de que siempre abrimos nuestros directos con una cinta de “Laura Palmer’s Theme”, tocada al piano. Y cuando abandonamos el escenario al final del show, suena nuestra propia versión del “Twin Peaks Theme”, también en cinta.
La música de Badalamenti siempre ha tenido un lugar especial en mi imaginación. Hay algo increíblemente inquietante, melancólico y cinematográfico en sus composiciones, y creo que eso resuena perfectamente con el mundo emocional de This Eternal Decay. Nos pareció natural rendir homenaje a ese universo.
Foto: Stryga
—Ahora que formáis parte de Fantaxtik Bookings, imagino que será más fácil veros en directo en España. Habéis dicho que era difícil crecer a nivel internacional sin un gran equipo o una discográfica importante detrás. ¿Se está poniendo más fácil la situación ahora?
—Totalmente. Tener a Fantaxtik Bookings con nosotros es, sin duda, un paso importante, especialmente de cara a desarrollar nuestra presencia en España y a construir conexiones más fuertes con la escena local. Durante muchos años hemos hecho casi todo de forma independiente, desde el booking y la promoción hasta el management y la comunicación. Ha sido gratificante, pero también bastante complicado, sobre todo a la hora de intentar expandirnos a nuevos territorios sin el apoyo de una estructura más grande.
Ahora sentimos que tenemos una base más sólida y a las personas adecuadas trabajando con nosotros. Por supuesto, todavía queda mucho trabajo por hacer, pero tener una agencia de booking dedicada marca una diferencia real. Tenemos muchas ganas de tocar más regularmente en España, llegar a nuevos públicos y construir algo duradero allí.
—Vivimos en Italia durante unos años, así que tenemos curiosidad: ¿cómo va la escena oscura allí ahora mismo?
—La escena oscura italiana sigue viva, aunque está bastante fragmentada. Hay muy buenas bandas, promotores y pequeños sellos independientes que mantienen las cosas en marcha, pero la escena es relativamente underground y el circuito de directos puede ser complicado. Aun así, hay un público muy apasionado, especialmente en ciudades como Roma, Milán, Bolonia y Turín. Creo que todavía hay mucho margen de crecimiento, y siempre es emocionante ver surgir proyectos nuevos y ver cómo se desarrollan conexiones internacionales.
Llevamos ya bastante tiempo formando parte de esta escena, y hacemos todo lo posible por mantenerla viva y llevar el darkwave italiano más allá de nuestras fronteras.
—El año que viene tendremos la oportunidad de veros dos veces en España, primero en el festival Niebla Sónica y después en el Dark City Fest. ¿Qué pueden esperar nuestros lectores de esos conciertos? La banda ha dicho que el directo es vuestra mayor fortaleza, ¿verdad?
—Sinceramente, creo que la banda nunca ha sonado tan bien como ahora. Quizá sea el resultado de los innumerables conciertos que hemos dado en los últimos años, pero también de la respuesta cada vez más fuerte y cálida que recibimos del público. Ese tipo de energía te empuja a darlo todo, a desafiarte constantemente y a llevar lo mejor de ti mismo al escenario.
Para estos próximos conciertos en España, la gente puede esperar sets muy directos y potentes, pensados para hacerte bailar, pero también para hacerte sentir algo profundamente. Son dos ocasiones muy especiales e increíblemente importantes para nosotros, y queremos aprovecharlas al máximo.
Vamos a dar el 300% de nosotros mismos. ¡Nada menos!
