La pregunta “¿qué banda que tocaba con instrumentos de juguetes fue influyente en el desarrollo del techno?” solo tiene una repuesta posible: Crash Course in Science. La banda de minimal synth, proveniente de Filadelfia, se construyeron sus propios instrumentos para sonar distinto y a la vez sonar al futuro. Es posible que bailaras su “Carboard Lamb” pensando que era lo último en electroclash, sin saber que el tema databa de 1981. Estarán tocando en el Ombra Festival este mismo domingo en una de esas actuaciones que no deberías perderte.
Foto: Phil Maier
—Crash Course in Science siempre han llamado la atención por hacer música con instrumentos de juguetes. ¿Era simplemente lo que teníais a mano o es que queríais sonar diferente?
—En los primeros días de la banda, los instrumentos de juguetes se usaban más o menos por necesidad.
Antes de nada, daros las gracias por contactarnos para hacer una entrevista. Al comienzo teníamos una batería real, una guitarra y un teclado de juguete que finalmente fue alterado para hacer sonidos adicionales. Nos enfocamos en sonidos que ayudasen a representar un mundo creado.
—Provenir de la facultad de Bellas Artes, ¿creéis que marcó vuestro enfoque hacia la música? Ya hacíais experimentos con grabadoras de cintas e instrumentos de juguetes allí, ¿verdad?
—Tener un origen relacionado con la facultad de Bellas Artes influenció definitivamente nuestro enfoque hacia la música. Los aspectos y estados cinematográficos del arte se prestan a la exploración musical. Michael creó sus primeras grabaciones cuando era un adolescente con instrumentación muy cruda, usando varios radiocasetes, guitarras acústicas, sirenas y un piano roto y una batería de juguetes entre otras cosas.
—Según vosotros, ¿a qué pensáis que se debe este interés actual en las bandas clásicas de minimal?
—El estilo es rico en contexto y experimentación. Hay una atracción hacia la época, al sonido y la actitud de la minimal wave clásica. El estilo tiene resistencia.
—Siendo de Filadelfia y estando interesados en la música funk, (en una entrevista habéis dicho que el Dance to the Music de Sly and the Family Stone era uno de vuestros discos favoritos), ¿estabais interesados en el sonido Filadelfia? ¿O simplemente fue un alivio cuando llegó la new wave/punk?
—Nos encantaba el soul de Philly y cómo puso los cimientos para la música disco. Estábamos estudiando Bellas Artes en Filadelfia durante parte de ese periodo así que esa música nos rodeaba en todo momento. Durante esa época, fue publicado el primer disco de The Ramones y lo encontramos realmente inspirador. Así que durante los años en la facultad de Bellas Artes había muchas influencias musicales.
Foto: Phil Maier
—¿Teníais afinidad con alguna otra banda de la zona? ¿Quizás con The Stick Men?
—Nos gustaban King of Siam, Bunnydrums, Executive Slacks, Experimental Products y los Stick Men. Mallory y Dale colaboraron con el guitarrista de los Stick Men, Pete Baker en el proyecto Flaming Bango Bangos. Bob Bell, guitarrista de King of Siam, solía improvisar con nosotros. En los comienzos, compartíamos el sitio en el que ensayábamos con ellos, que era un sótano de una librería en la South Street de Filadelfia.
—¿Cuándo empezasteis a construir sintetizadores caseros? ¿Teníais alguna especie de modelo al hacerlo?
—Inicialmente usábamos instrumentos de juguete comprados en una tienda pero cuanto más componíamos y grabábamos con ellos más necesitábamos que fuesen más versátiles. Dale comenzó a alterar los juguetes añadieron potenciómetros e interruptores adicionales. Esto incrementó el vocabulario de los instrumentos, una práctica ahora conocida como “circuit bending”. Al usar la carcasa del teclado de juguete como estuche empezamos a construir un sintetizador casero dentro de él. Cada sintetizador casero tiene carcasa de color, tipo “la naranja,” ”la azul,” “la gris,” “el blanca,” y así. Cada sintetizador tiene su propia personalidad.
—Dale, has dicho que había un montón de inspiración visual tras tus ideas musicales. ¿Cómo explicarías esto?
—El arte visual puede ser creado a partir de texturas y patrones y construido con “colores”. Hay un montón de similitudes al crear una pieza de arte que satisface el ojo y crear una composición musical que satisface el oído. Los patrones y texturas pueden tener capas en las dos disciplinas.
—Hay un gran cambio de vuestro primer single a vuestra segunda referencia, el EP, Signals From Pier Thirteen. Es más oscuro y electrónico. ¿El cambio fue planeado? ¿Quizás por un cambio en el equipo?
—El EP Signals from Pier Thirteen fue para nosotros una progresión natural del primer disco. El disco de Signals es donde nuestras personalidades musicales se juntaron. Incluso aunque la instrumentación permaneció cruda, estábamos usando equipo adicional. No fue escrito para ser un música de baile, simplemente captura la música que estábamos haciendo en ese tiempo.
—En Brighton donde viví un par de había un par de embarcaderos. En uno habían construido una feria mientras que el otro permanecía abandonado tras un incendio. Era este último el que realmente atraía mi atención, quizás porque parecía una derrota del hombre frente a la naturaleza. ¿Qué os parecía tan interesante del que se encontraban en el rio Delaware y que sirvió para nombrar a vuestro más famoso EP?
—Pier 13 era un lugar no muy lejos del sitio donde ensayábamos. Aparece en las fotos de la portada del disco. Era realmente un muelle abandonado donde se encontraba una máquina cargadora de carbón, que se encontraba en el rio Delaware que parece que estuvo activo durante la primera mitad del siglo XX. Nos inspiraba conducir por lugares industriales pocos conocidos. Un día simplemente acabamos ahí. El Pier 13 fue una gran influencia. Era un muelle abandonado con enormes máquinas silenciosas, formas, fantasmas y escombros. Solíamos visitarlo a menudo. Al amanecer era el mejor momento.
—Este EP fue una influencia tanto para la música industrial como para el techno. ¿Notasteis la influencia en los años posteriores?
—Estamos agradecidos por la forma en la que el disco fue acogido. Como artista, la cosa más halagadora que puede pasar es que otras personas encuentren inspirador tu trabajo.
—¿Cómo fue abrir para Phillip Glass? ¿Cómo reaccionó su público a vuestro concierto?
—Abrir para Philip Glass fue una experiencia alucinante, especialmente para esa época de la banda. En esa gira en particular, nos dijeron que él quería tocar con bandas de punk/new wave. Tener nuestros instrumentos caseros sonando a través de su sistema de sonido fue alucinante. Le gustó nuestro concierto y parecía genuinamente interesado en lo que estábamos haciendo.
En el flyer del concierto aparecíamos en una fuente muy pequeña así que creo que fuimos una sorpresa para la audiencia. Vi que algunos miembros de la audiencia en las primeras filas se escondían bajo sus abrigos cuando abrimos con “Crashing Song”. El concierto suscitó un poco de controversia en el público pero diría que la actuación fue bien recibida.
Los instrumentos caseros eran a veces impredecibles. En el concierto en el que abrimos para Phillip Glass uno de nuestros instrumentos o unidad de efectos empezó a pillar la estación de radio FM cercana y entre los temas se podía escuchar el “Born to Run” de Bruce Springsteen y el “Roundabout” de Yes. Al empezar a tocar el sonido de la radio se ahogaba bajo nuestra música. Fue percibido como una parte planeada del espectáculo. Llegamos a apreciar este feliz accidente.
—¿Por qué Near Marineland no fue publicado en su momento?
—Los temas de Near Marineland fueron grabados poco después de que fuesen escritos. En aquellos días solíamos tocar esos temas y crecieron y cambiaron un poco al sonar en directo. Tuvimos un cambio de mánager durante esa época. Hubo un par más de sesiones de estudio después de las de Marineland y pensamos en combinar el material. Por una razón u otra, el álbum permaneció en la estantería. Cuando nos contactó Vinyl On Demand para publicar el box set, fue el momento perfecto para mezclar y producir el disco porque sabíamos que teníamos una salida y sello para la referencia.
—Dale, Has dicho que durante esos días habéis compuesto mucho material. Incluso suficiente para un disco. ¿Alguna posibilidad de que este material vea la luz? ¿Cómo describirías este “posible álbum”?
— Hay muchas grabaciones y fases de Crash Course in Science. Experimentamos con diferentes tipos de instrumentación y durante los años escribimos un montón de material. Además de nuestras grabaciones de estudio, tenemos cintas bien grabadas de la mayoría de nuestros ensayos y conciertos. Las cintas de ensayos contienen material espontáneo que me gustará ver publicado en algún momento. Puede que incluyamos algo de este material como bonus tracks en una próxima referencia.
—Durante esos años que la banda no estaba activa, ¿llegasteis a escuchar vuestros temas en clubs?
—Sí, ocasionalmente escuchamos nuestros temas en clubs.
—¿Cómo fueron vuestras vidas hasta el 2009?
—Nos enfocamos en nuestras carreras y continuamos a crear material gráfico y música individualmente.
—¿Por que la banda se volvió a reunir en el 2009? Querían que actuarais en un festival, ¿n0?
—Sí, nos lo pidieron del Bimfest en Amberes en el 2009 y una vez que empezamos a trabajar juntos de nuevo continuamos haciéndolo.
—¿Cómo enfocasteis nuestro trabajo en el disco realizado tras la reunión Situational Awareness? ¿Queríais mantener cierta similitud con el sonido del pasado o estabais buscando hacer algo diferente?
—Los temas de Situational Awareness fueron escritos después de que empezásemos a trabajar juntos de nuevo. Continuamos a utilizar el equipo hecho en casa pero experimentamos con diferentes percusiones, métodos de trabajo y sonidos.
KMZ en directo.
—Michael, en los ochenta fuiste parte de KMZ con Ken Montgomery, ¿verdad? ¿Qué nos puedes contar de esto? Además también eras parte de Disturbed Form Theater, ¿no?
—KMZ fue una colaboración entre Michael y Ken Montgomery. Eran vecinos en el East Village a comienzos de los 80s y tocaron en NYC en el Pyramid club, en Filadelfia y en Berlín. Tras encontrar puntos en común empezaron a trabajar en música juntos en el apartamento de Ken y luego comenzaron a tocar en directo. Michael además hizo las bandas sonoras y las proyecciones de diapositivas para el Disturbed Form Theater, un grupo de arte escénico con el colaborador, bailarín y diseñador de escenarios Greg Reeves. Estaban inspirados en el diseño teatral de las Bauhaus y el teatro de danza de Alwin Nikolais. Las bandas sonoras industriales eran crudas y utilizaban sintetizadores caseros, loops de casete y percusión adicionales.
—En cambio, Dale y Mallory tuvieron un par de proyectos paralelos Green Ghost y The Flaming Bango Bangos. Ahora es vuestro turno de hablarnos de esto.
—Mientras Michael estaba activo en NYC con Disturbed Form y KMZ, Mallory and Dale crearon Green Ghost. Era una banda con un lado teatral que utilizaba escenarios e iluminación inquietante. Como mencioné antes Mallory y Dale colaboraron en el proyecto Flaming Bango Bangos con el guitarrista de los Stick Men Pete Baker. Fue un proyecto salvaje con Mallory de vocalista, Dale en la parte electrónica y la guitarra fragmentada tocada por Pete Baker.
—Other Side es el debut en solitario de Michael Zodorozny. ¿Que nos podéis contar de esto?
—Michael compone y escribe otro material además de su trabajo con Crash Course in Science. El material creado para el LP Other Side explora temas que son crudos y más personales y que parecen encajar mejor en un disco en solitario. El álbum fue grabado en el estudio casero de Michael y producido por Matia Simovich en el Infinite Powers Studio de L.A. Other Side ha sido publicado por el sello Electronic
Emergencies.
—El productor de los primeros discos, John Wicks, es ahora un miembro de la banda. ¿Viene de gira con vosotros? ¿Creéis que ha cambiado vuestra forma de trabajar?
—John gira con nosotros como músico y nos ayudó a concebir los aspectos técnicos de nuestro espectáculo en directo. Su trabajo como productor has sido importante durante la grabación y también en las actuaciones en directo.
—¿Qué podemos esperar del futuro de la banda?
—Continuaremos creando música y arte y explorando las posibilidades de ambos.
—Y ¿qué podemos esperar de vuestro concierto en el Ombra?
—Podéis esperar un concierto ruidoso y energético de Crash Course in Science.
