A lo largo de seis interesantes EPs, hemos podido seguir la evolución musical del proyecto de música electrónica Vexillary, que le ha llevado a abrazar su parte más oscura. Tras haber reseñado sus últimos trabajos, es hoy el propio Reza Seirafi quién, en esta larga entrevista, nos explica la composición, estructura y propiedades de la materia que forma su música. El 31 de octubre podremos disfrutar de su esperado primer disco Full Frontal Lunacy que será publicado en casete y versión digital.
Foto de portada: Tuek
Foto: Nick Starichenko, effects by Tuek
—¿Cuándo empiezas a interesarte por la música electrónica?
—Hasta cierto punto siempre me ha gustado la música electrónica, pero verdaderamente me obsesioné con ella durante el auge de Warp Records. Más o menos a finales de los noventa, Aphex Twin, Autechre, y otros artistas de ese sello estaban varias ligas por delante en el género en términos de técnica y futurismo. Así que prendieron en mí la chispa para aprender cómo se creaba esta clase de música.
Afortunadamente, había un programa de música electrónica en mi universidad en el que tomé clases de grabación básica para las que tuve que hacer una corta canción electrónica en casete como prueba final. No tardé más de unas horas experimentando con sintetizadores y secuenciadores para darme cuenta de que tenía una verdadera pasión por ello.
Acabé la universidad con varios éxitos académicos, pero ese casete, con este bizarro tema de dark ambient que hice, me dejó la mayor impresión. Desde entonces, solo fue cuestión de tiempo que juntara algo de equipo y desde entonces ya no he mirado hacia atrás.
—¿Por qué elegiste un nombre como Vexillary? ¿Te veías como el portador de la bandera de la música electrónica?
—Utilizaba un alias diferente al comienzo, pero antes de que mi primer EP fuese publicado, me entró el pánico y pensé que el tema del nombre debía pensármelo de verdad antes de que se me ligara a él. Recuerdo tener un fuerte resfriado justo unos días antes de que la portada estuviera terminada. Cogí el diccionario y leí casi cada palabra que había. Se me ocurrieron un par muy buenos y algunos interesantes juegos de palabras, pero casi todo lo que valía la pena considerar estaba cogido de una forma u otra.
Entonces tropecé con Vexillary, leí el significado (portador de la bandera/vexillum en latín). No me importó lo que significaba, pero me gustó el aspecto de la palabra. Sonaba y parecía realmente relacionado con la brujería y no estaba tomada. Hay además un significado matemático y una aplicación de la palabra que me intrigaron dado el material IDM que me gustaba por entonces. Lo compartí con el sello justo a tiempo para el diseño final y aquí estamos, casi una década después, todavía usándolo.
Foto: Nick Starichenko
—En tu primer EP, Taste Masking, se pueden escuchar algunas influencias del drum ‘n’ bass especialmente en “Extinct Genus Mammuthus”. ¿Estabas inspirado por este estilo? ¿Cómo de importante ha sido la escena de drum ‘n’ bass en América? ¿Sabes? aquí en Europa nos llega principalmente el d ‘n’ b de Inglaterra y no conocemos el americano.
—Definitivamente diría que la bass music en general ha tenido y continúa teniendo un impacto en mí. Siempre me han gustado las bandas en directo y los conciertos, pero después de las actuaciones quería continuar escuchando música y no volver a casa, así que terminaba en fiestas de Techno o Drum ‘n’ Bass dependiendo de la noche.
Alrededor del 2010, la bass music tenía muy buena salud y en Nueva York, a comienzos de la semana, había un montón de fiestas de D’n’B, que duraban hasta bastante tarde, lo que iba perfecto con el estilo de vida que tenía por aquellos días. Las fiestas de Dub War de los viernes eran las más excitantes y raramente me perdí alguna durante esa época, y casi vi a todos los innovadores del uk bass actuando. Recuerdo estar en la parte trasera de la habitación mirando fijamente el equipo de sonido e intentando averiguar cuantas capas de bajo había en cada tema.
Aunque los Estados Unidos tienen su buena parte de fantásticos productores y sellos de bass music, estaba principalmente interesado en el material inglés que mencionas. Del lado del DnB, cualquier cosa de sellos como Metalheadz y Renegade Hardware era suficiente para mí y el primer material más dub de Hyperdub también se encontraba entres mis favoritos.
Finalmente, solo he hecho dos temas “DnB” como experimentos y “Extinct Genus Mammuthus” es uno de ellos. Todavía estoy experimentando a medio camino con beats de DnB beats, siendo “Annihilation” de mi anterior EP, el último ejemplo de ello. La influencia dub es más común en mis trabajos, pero en el disco que va a ser publicado, ha sido puesta a un lado. Tengo el sentimiento de que volveré a ello a lo grande en el futuro, ya lo veremos.
—¿Por qué tardaste tanto en publicar tu segundo EP? Este EP iba a ser un álbum completo ¿verdad? ¿Qué sucedió?
—Esa es una historia interesante, frustrante para mí en ese momento, pero a pesar de todo muy educativa. Justo después del primer EP, se me ocurrió el concepto de Chemica Divina, un disco sobre cómo nuestras vidas están influenciadas por la química. Esta era una dirección inspiradora que condujo a una variedad de temas interesantes con los que en poco tiempo tuve un álbum.
Aunque los temas estaban todos unidos con este tema unificador, había demasiados tempos y estilos diferentes bajo el mismo techo. Se podría decir que faltaba un enfoque musical, lo que en retrospectiva me resulta bastante evidente. Finalmente, Blaq Records eligió publicarlo como un EP con solo dos de los temas y unas cuantas remezclas.
Definitivamente creo que esta fue la elección adecuada pero todo esto terminó dejándome durante unos cuantos años con unos cuantos temas sin publicar (unos cuantos de ellos, creados entre principios y mediados del 2010, todavía están en mi página de SoundCloud).
En la parte positiva, esta experiencia me dio una verdadera educación en el tema de hacer discos y cómo los temas deben funcionar en conjunto y reaccionar uno con el otro cuando están juntos en un LP. Volviendo al presente y a mi primer disco largo, Full Frontal Lunacy, que va a ser publicado en unos meses, estoy feliz de compartir que es un disco más potente gracias a lo que he aprendido durante la época del Chemica Divina.
Los temas originales que acabaron en el EP, de todas formas, funcionan juntos realmente bien. Fueron creados uno tras el otro usando muchos sonidos comunes. Uno de los sonidos principales es limpio y frio, no muy distinto de lo que puedes escuchar en los discos de Autechre.
—En Chemica Divina veo más influencias de la IDM, y antes comentabas que Autechre era una de tus influencias. ¿En qué forma crees que han repercutido en tu trabajo?
—Para mí, Autechre, ocupan un lugar muy interesante en mi lista de influencias. Primero, porque siempre han tenido un lado techno que está en el corazón de sus beats (aunque fuertemente procesado y mutado más allá del reconocimiento, pero que está ahí) pero también porque eran/son reyes de la abstracción. Son la versión electrónica de Rothko o Pollock, donde no importa cómo de abstracto llegan a ser sus temas, ya que no pierden el significado. Y finalmente, parecen una versión futurista de la música oscura clásica, incluso Coil incluso se refirieron a ellos como una versión moderna/puesta al día de lo que habían hecho.
—Tu música se fue oscureciendo con CrossFire. Dentro de las referencias oscuras, además de Coil nombras a Skinny Puppy. ¿Fueron estas bandas importantes en tu vida? ¿Qué te interesaban de ellas?
—Las bandas de electrónica oscura como Coil, Skinny Puppy y otras en la misma vena pertenecientes al grupo original o a la segunda remesa de bandas industriales fueron las primeras y principales influencias para mí. De hecho, uno de mis primeros temas es básicamente un descendiente directo del dark ambient de Coil de mediados de los noventa. La verdad es que cuando me estaba poniendo más seriamente con el tema de publicar música me parecía importante alejarme de las cosas/sonidos que más me gustaban.
Pensé, en mis comienzos, que tenía algo nuevo que ofrecer en otras direcciones, y es por eso que los dos primeros EPs son tan diferentes de CrossFire y de lo que vino después. Tenía mucho respecto por esa clase de bandas como para copiarlos e intentar crear una pobre imitación, así que me mantuve alejado. Pero mi oscura alma finalmente encontró una forma de sacar ese sonido.
Con el EP CrossFire, traje algunas de mis influencias de la bass music, techno e IDM a la música oscura y el resultado me pareció fresco y sonaba como mi propia versión del género oscuro. Se puede decir que empecé a encontrar mi propio sonido con ese EP y desde entonces el crecimiento ha sido en esa misma dirección.
—Esta fue la primera vez que trabajaste con voces. ¿Cómo cambió tu forma de trabajar con esto?
—El EP CrossFire me dio una voz de más de una forma. Las partes vocales se colaron simplemente porque tenía más que decir y me apetecía expresarlo. Empecé con algunas partes vocales en el último tema de ese EP, pero no fue lo suficiente para darme la confianza para hacer más. No me considero un “vocalista” en el sentido tradicional, pero durante los años he aprendido a usar mi voz como parte de ciertos temas como si fuera un auténtico elemento musical.
El gran empujón en la producción e inclusión de voces fue tener a Dictatress cantando en “Heart Attack”. Estar en la misma habitación que una cantante de verdad y tenerla clavando sus partes es un sentimiento especial. Esa colaboración puso los fundamentos para tener más vocalistas en el álbum que va a ser publicado. Además de WARTERAUM que contribuyó en el single “Scent of Torture”, Angela La Strange, procedente de Italia, aparece en el tema “The Descent”.
Las sesiones de Full Frontal Lunacy fueron bastante inspiradoras en todos los aspectos y eso incluye letras y voces. En total, cinco de los ocho temas del disco tienen ambos elementos, lo le da a cada canción una personalidad única.
Foto: Nick Starichenko
—He leído en una entrevista que te gusta Foetus. Tristemente no tenemos muchas oportunidades de hablar sobre él. ¿Cómo empezaste a interesarte por su música?
—Jim Thirlwell es uno de los artistas más subestimados de nuestro tiempo. Partiendo de ser un innovador de la primera música industrial ha llegado incluso a ser compositor de bandas sonoras. Ha hecho de todo y de alguna forma se mantiene tremendamente humildad sobre ello. He tenido la suerte de encontrármelo en conciertos y en tiendas de discos en Nueva York y siempre ha sido una persona muy accesible y abierta a hablar de música. De alguna forma siempre acabamos hablando de rock progresivo, pero debería dejar eso para otra vez.
Me interesé por su trabajo cuando empecé a escuchar música industrial, ya que sus discos eran de lo más destacados. Es muy bueno incluyendo diferentes estilos de forma inesperada y eso siempre me ha gustado. Obviamente, su música es muy diferente de la mía, pero estaba muy inspirado en el espíritu detrás de sus discos. Hizo sus trabajos más complejos casi en solitario en un tiempo en el que el material de estudio era bastante más difícil de operar que las herramientas que tenemos a mano hoy. Definitivamente, uno de los proyectos que me inspiraron para hacer mis propias cosas. No había excusas válidas tras enterarme de lo que había logrado hacer por su cuenta.
—Noté cierta mejora en la composición en The Brutalist. ¿Fue algo en lo que te fijaste especialmente para este EP?
—Es interesante que te dieras cuenta de eso. No quiero ponerme demasiado técnico con la teoría musical, pero ese disco fue la primera vez que empecé a trabajar en escalas de música predefinidas. Todavía hay sorpresas en el tema que da título al EP pero todo está hecho de forma más metódica.
Hasta ese disco todo lo conectaba más o menos de oído. Haciendo riffs no relacionados y esperando que funcionasen juntos. Es una locura que continuase tanto tiempo de esa forma visto que acaparaba mucho tiempo. Pero con The Brutalist estudié mucho más la música y los resultados se pueden ver. Mi mente realmente trabaja de una forma caótica, así que centrarme en un grupo más pequeño de notas por canción es una limitación bienvenida. Y desde entonces, se ha convertido en una parte clave de mi técnica compositiva, una que sin duda ha ayudado mucho más al aspecto compositivo del proyecto.
—SurViolence está basado en lo que le ocurrió a Snowden. ¿Qué intentas transmitir con tu música? ¿Crees que la música puede cambiar la sociedad o al menos hacerla pensar?
—Creo que el crear música sin una clara historia o concepto es perfectamente válido, pero para mí no es suficiente. La etapa del concepto del disco ayuda a crear un propósito y momentum tras el proyecto y cada tema se convierte en un personaje dentro de una historia más grande que está siendo contada. El concepto detrás de SurViolence era sobre la clase de cosas de las que Snowden estaba/está avisándonos.
Conozco a gente que no son del tipo conspiratorio, pero que todavía cubren sus cámaras porque creen que están siendo observados todo el tiempo. Uno no puede escapar de la paranoia y las implicaciones sociales de la cultura de la vigilancia, así que se convirtió en la fuerza motriz detrás de ese disco.
No estoy seguro de que la música mantenga la posición de poder que una vez tuvo para inspirar cambios, pero definitivamente puede hacer que la gente piense. El arte, en general, puede hacer que la gente vea cosas de una forma diferente al poner un espejo enfrente de la sociedad. Es divertido que no tienes que irte muy lejos para encontrar y estar inspirado en algunos conceptos bastante salvajes. Las cosas más locas están ocurriendo justo enfrente de nuestros ojos, simplemente tendemos a mirar a otro lado. Mi material lo pone bajo el microscopio.
Foto: Andrii Didyk
—En algún lugar leí que, en principio, solo quería hacer cinco EPs. ¿Por qué?
—Después de publicar mi primer EP, 5 sonaban como un logro enorme. Pero bastante pronto llegué a ese escenario y me di cuenta de que realmente solo estoy comenzando. Acabo de terminar mi primer largo y en este momento, tres de ellos parecen un número satisfactorio, pero estoy seguro de que haré muchos más.
Piensa en general, el rápido consumo de música de los últimos años está empujando a los artistas a publicar más música. La gente publica ahora cinco EPs en menos de dos años, así que creo que eso dice bastante sobre la forma de pensar y publicar música ahora comparado con cómo se hacía hace diez años.
El desafío es editarse a uno mismo y publicar el mejor material y subrayar las declaraciones de intenciones.
—El primer single del nuevo disco, “Scent of Torture” es más darkwave. ¿Es un género que te interesa en estos momentos?
—Me he estado metiendo en la Darkwave en los últimos años, pero no vi a mi proyecto dentro de ese género hasta que el single “The Geneticist” y sus remezclas se publicaron. La prensa empezó a etiquetarme como Darkwave, lo que me sorprendió ya que yo pensaba que estaba intentado otra cosa.
Pero la inspiración tras “Scent of Torture” fue de hecho darkwave con un toque de techno. Recuerdo ver el set de Ellen Alien para HOR Berlin que tocó el año pasado en el que soltó un tema de Figure Study de hace ocho años, junto con un beat techno y simplemente funcionó. En ese mismo minuto en el que lo escuché, quise hacer un tema como ese y así nació “Scent of Torture”. Esto dice mucho de la posición de influencia que los DJs tienen, como todos los grandes artistas, ayudándonos a ver las cosas de formas diferentes. Por supuestos que BPitch Control y sus producciones originales han estado en una posición de influencia durante un buen tiempo, pero es increíble cuando los Djs echan un vistazo fuera de las últimas modas e inyectan nueva vida a diferentes estilos musicales.
Tengo que acreditar a WARTERAUM por traer la atmósfera Darkwave y clavarlo con las voces. Escribí ese tema para una voz femenina y pensé que sería más provocativo desde ese punto de vista. Habiendo trabajado con Dictatress en el pasado, simplemente asumí que ella estaría también en este tema, pero una vez que hice la canción, no di con ella. No tardé en pensar: ´-“maldición, ¿quién va a hacer esto?” No soy la clase de productor con un archivo de cantantes a las que contactar. Pero luego recordé haber conocido a Misha AKA WARTERAUM en un fórum de productores hace cierto tiempo. Le escribí un mensaje desesperado pidiéndole que lo hiciera y afortunadamente aceptó incluso antes de escuchar el tema. Y no puedo estar más feliz con la forma en la que salieron las cosas. Le estoy profundamente agradecido. Animo a tus lectores a que le echen también un vistazo a su material, para descubrir su auténtica grandeza synth pop.
Foto: Nick Starichenko, effects by Tuek
—Este tema fue inspirado por tu trabajo en la industria del perfume, y sabiendo además que tienes estudios en química. ¿Cómo crees que esto ha influido en tu trabajo?
—El trabajo en laboratorios y mis estudios en ciencia dieron forma a la forma que tengo de encarar cada proyecto de mi vida. Hay una forma de pensar científica que nunca me abandonará. Empiezo conceptualizando (teorizando), experimentando y analizando el resultado una y otra vez hasta que estoy preparado para llegar a una conclusión y mi proceso de creación musical no difiere mucho de esto.
La estructura del diseño de colonias y la producción musical comparten muchos atributos también. Las dos son lenguajes altamente sensibles al tiempo que necesitan y al adecuado balance para que funcionen. No es una sorpresa que los ingredientes de un perfume son comúnmente llamados “notas”. El bajo y las bajas frecuencias son similares a las notas inferiores de un perfume, las notas medianas y los ritmos ocupan un lugar parecido a las notas altas de los perfumes -la primera cosa que capta la atención como las voces y partes principales pero cabalgando sobre una cama de bajas frecuencias/ingredientes.
—Encuentro un nuevo elemento en tu música, especialmente en la primera mezcla. Los europeos lo llamaríamos New Beat, pero he leído también que ahora estabas interesado en ” el reciente apetito de la cultura de club por BPMs más rápidos. Entonces, según tú, ¿cómo llamarías a este nuevo sonido?
—Creo que hay dos elementos en juego aquí, uno es el BPM y el ritmo del tema y el otro es la mezcla de estilos. En términos de BPMs, parece que todo es ahora un poco más rápido. Probablemente es más evidente en estos momentos en el techno donde hay cosas que son virtualmente indistinguibles del trance de los noventa o incluso del hardcore.
Siendo la obsesión un tema común del disco, tenía sentido el crear un sentimiento obsesivo y de agresión gracias al ritmo más rápido de los temas. Así que le di la bienvenida al estilo de techno de más de 140 bpms como uno de los ingredientes para el sonido del disco ya que era una de las mejores formas de expresar esas atmósferas agresivas.
Es interesante que te fijes en las atmósferas New Beat también. Es más o menos una coincidencia. Si no estoy equivocado, la definición tradicional de New Beat tiene una mezcla de house y EBM y es probablemente cierto en la remezcla original de “Scent of Torture” con su mezcla de líneas de bajo EBM y beats de música de baile más tradicional.
—El segundo single de tu próximo disco se llama Burnt Leather y junto al tema original, volvemos a encontrar una remezcla realizada por ti. Como con el tema anterior, “Scent of Torture”, prefiero la remezcla. ¿Cómo enfocas los remixes de tus propios temas?
—Era probablemente uno de los pocos artistas electrónicos que han sido remezclados varias veces (7 veces para ser exacto) pero que nunca ha hecho una remezcla. Eso fue hasta que hice las remezclas de “Scent of Torture” y “Burnt Leather”. Sabía que serían los primeros singles del disco y no quería publicarlos en solitario, así que pensé que una remezcla única daría al single un sentimiento de independencia y le daría al oyente algo a lo que volver.
Estaba realmente ansioso cuando las afronté y no tenía demasiado tiempo. Comencé con “Scent of Torture”, bajé el tempo, quité las partes principales, añadí un acorde propulsor y nuevas líneas principales para tener un efecto mucho más deprimido. Me sorprendió que simplemente unos pocos cambios llevaron a una atmósfera totalmente diferente y me gustó tanto el resultado que elegí hacer el vídeo para esta versión remix.
Me puse con “Burnt Leather” al día siguiente. Remplacé la línea de bajo con una mucho más simple, repetí las voces principales, añadí una progresión de acordes simple y un par de nuevas líneas principales para tener una toma más energética. Y de nuevo acabé con algo totalmente diferente, incluso si mantenía la misma carcasa que el original. Me gustó esta versión mucho más y de hecho aparece en el disco en vez de la original y de nuevo he hecho el vídeo para la versión remix.
Me encantaría hacer remezclas, tanto para mi material como para el de otros gracias a lo bien que salieron estas dos. El objetivo de mi próxima remezcla es hacer algo bastante diferente del original y ver hacia donde se dirige.
—¿Qué nos puedes contar de tu próximo álbum, Full Frontal Lunacy?
—Tuve el título en mi cabeza durante un tiempo y pensé que sería solo el nombre de un tema. La primera canción que hice tras el EP SurViolence fue “Burnt Leather” y ocurrió que encajaba con el tema general de locura. Luego continué con un tema llamado “Absinthe Minded” que exploraba más profundamente la misma dirección. Pronto me di cuenta de que estaba realizando un álbum sin haberlo verdaderamente planeado.
Al llegar al invierno de 2020/2021 no había mucho cambio en término de restricciones de la pandemia y empecé a sentir la claustrofobia del aislamiento en la montaña. No hace falta decir que tenía el fondo perfecto para crear un disco que explorara la muerte mental.
Siguieron unos meses de grabación muy enfocados. Permanecí en la zona, trabajando hasta bien tarde y a menudo en sesiones propulsadas por la cafeína para estar en el estado obsesivo necesario para llegar a la intensidad sugerida en el título del disco. Este fue, de largo, el periodo de grabación más eficiente que he tenido jamás y habiendo aprendido de la época de Chemica Divina, supe lo que iba a costar hacer un disco de la manera adecuada.
Los ocho temas resultantes documentan el fallecimiento del protagonista desde que tontea con la locura hasta llegar al punto de colapso nervioso completo. Hay también alusiones a la locura general de la sociedad, así que, como siempre, hay unas cuantas capas de significado. Estoy más que entusiasmado de compartir esto como un todo, es el mejor conjunto de música que he creado y anuncia una nueva etapa a lo grande de mi proyecto.
Foto: Andrii Didyk
—Tras grabar seis EPs, ¿fue grabar un disco completo un gran reto?
—Es un gran proyecto al que tardé en acostumbrarme. El mayor desafío consistió en enfocarme y escuchar adonde quería ir la música más que en forzarla. Afortunadamente, el concepto del disco permitía muchas ideas, enfoques y sonidos
Fue una época sorprendentemente inspirada incluso sí no trabajé de una forma sana y me llegué a obsesionar con el disco y su proceso creativo. Me llegué a obsesionar tanto con el disco que terminé creando mi propio sello (con:trace) para poder vigilar todo el proceso y para publicarlo sin ninguna interferencia.
Otro reto fue el de no excitarme demasiado con el trabajo y evitar la tentación de parar a medio camino para publicarlo como otro EP. Definitivamente sacaré más EPs después de este disco, pero las ideas y propuestas mayores estarán reservadas para el formato largo.
—¿Cómo crees que ha evolucionado tu música con este disco?
—Este disco es, sin duda, la cima del proyecto Vexillary hasta este momento. Cada pequeña cosa que he aprendido de mis primeros discos fue tomada en consideración y elegí el camino más duro para asegurarme de que es lo mejor que podría salir.
Sónicamente, hay una mayor confianza en el equipo analógico que ha dado al álbum una atmósfera cálida y a veces ruidosa. Me ceñí a las mismas herramientas, géneros y tempos muy similares para añadir continuidad. El disco es una saludable mezcla de darkwave, techno, e industrial. Se inclina a un lado u otro dependiendo de las necesidades de cada tema.
Por ejemplo, las partes más agresiva de la historia, están contadas a través de temas techno, como la canción titular y “Maniac”. Y cuando tenía que expresar un sentimiento de pérdida, no hay mejor acercamiento que los fríos sonidos industriales usados en temas como “The Descent”.
Echando la mirada atrás al proceso de grabación, todas las decisiones fueron metódicamente pensadas para transmitir la mejor historia posible y finalmente acabó con una versión evolucionada del sonido oscuro al que llegué con el EP CrossFire hace unos años.
—En el aspecto visual de tu trabajo, has colaborado con Luqman Ashaari y Svitlana Zhytnia. ¿Cómo visualizas tu música?
—Hay un muy fuerte aspecto visual en mi música, al ser parcialmente inspirada por bandas sonoras. Durante un tiempo, pedía ser emparejada con visuales. Tras unos cuantos pasos en falsos en la parte de la creación de vídeos, finalmente tuve un descanso cuando Luqman ofreció su arte digital original como ingrediente para el vídeo musical de “Maritime Panic”. Afortunadamente, me tropecé con el trabajo del videoartista Svitlana en ese momento y trabajamos juntos para editar el primer vídeo.
Tengo que decir que, desde “Maritime Panic”, el proyecto en conjunto me ha dado muchas alegrías y he llegado a producir diez vídeos en poco más de un año (contando los vídeos para “Burnt Leather” y “Full Frontal Lunacy” que van a ser publicados en poco tiempo). Ahora veo el aspecto visual del proyecto como una parte importante de mi trabajo y espero continuar para evolucionar y darle un empujón a la parte visual mientras la música progresa. También tengo que dar crédito a dith_idsgn que es un videoartista al que me he dirigido para mis vídeos con un aspecto más austero.
Es fantástico estar en una posición en la que se te ocurren ideas y puedes ver cómo cobran vida gracias a las manos del experto adecuado. Creo que disfruto experimentando con diferentes estilos visuales para contar una historia única con cada single/vídeo de la misma forma que hago con los diferentes estilos musicales de mi sonido.
—¿Hay alguna posibilidad de que te veamos tocar en directo en el futuro?
—Sí.
