Terence Fixmer, además de ser la mitad del dúo Fixmer/McCarthy es uno de los pioneros de la Techno Body Music, sin duda, uno de los estilos de música que más nos gusta bailar en El Garaje. El productor francés ha creado algunos de los mayores himnos de un género que, hoy en día está más de moda que nunca, sin renunciar a componer discos en los que exploraba otros territorios. Su actuación en el festival barcelonés Ombra será una de las citas imprescindibles del domingo.
—¿Cómo te empezaste a interesar en la música electrónica? En varias ocasiones has mencionado la influencia que supuso vivir cerca de la frontera con Bélgica que te ayudó a conocer la EBM.
—Cuando era un adolescente siempre estuve atraído por la música hecha con sintetizadores. Me gustaba mucho la música de Depeche Mode, Human League, etc… Era un fan de la New Wave y no estaba interesado en ningún otro tipo de música. Vivía en Tourcoing, una pequeña ciudad en la frontera con Bélgica. De allí vinieron muchas bandas con una música nueva que se definía como Electronic Body Music (EBM).
Cuando escuché a Front 242, me di cuenta de que esa era la música y el estilo que realmente me gustaban. Luego, a partir de ahí, conocí a muchas nuevas bandas como A Split-Second, Klinik, Absolute Body Control, The Neon Judgement, etc… Esas bandas eran realmente lo que me gustaba, me encantaba el sonido, la atmósfera y las sensaciones que transmitían. A partir de ahí empecé a comprar sus casetes y vinilos. Fue mi punto de inicio.
—Has comentado alguna vez que viviste el comienzo del techno. ¿Cuál fue la primera escena que conociste? ¿Techno europeo o americano? ¿Cuáles fueron esos primeros artistas que te interesaron?
—Entonces, a partir de la EBM, lentamente, empezó a haber un cambio en la música que venía de Bélgica. Era un poco más repetitiva, lenta, con un poco menos de partes cantadas y menos orientada a la canción, con un ritmo más 4/4… Este nuevo estilo se llamó New Beat. De inmediato empecé a seguir este nuevo movimiento, con su estilo de vestir y su baile especial. Era un adolescente y, en esos momentos, supuso algo realmente especial para mí. Era un movimiento de verdad. El New Beat se convirtió en algo muy grande en Bélgica. Para mí, era simplemente una modernización de la EBM, que prestaba más atención a la parte electrónica y tomaba una dirección más pistera.
Y de nuevo hubo otra evolución, con preminencia del bombo, más sintetizadores e incluso menos voces, y lo llamamos techno. 😉 La energía, el sonido… era algo tan nuevo, único que caí completamente enamorado de ese sonido, ese nuevo movimiento musical. ¡Descubrí que tenía una nueva pasión! Ya que vivía cerca de la frontera belga, me empecé a interesar por sellos como R&S, Diki Records, Music Man, Dance Opera, Antler, etc..
¡R&S era El Sello! Cada lanzamiento era alucinante. Pero no tiene mucho sentido definir el techno como europeo o americano, es simplemente un conjunto de personas que aman esta música. En R&S que, como digo, era un sello belga realmente importante, había mucho artista americano. Yo era un gran fan de Joey Beltram. Cada uno de sus discos resultaba ser algo único para la pista de baile. “Dominator” fue extremadamente especial cuando se publicó ya que el sonido era muy novedoso. Nunca había escuchando un sonido así antes. En ese momento, era como escuchar sonidos de otro planeta. 🙂 Hoy en día no encuentro sonidos que nunca hay escuchado antes.
Así entré en la música techno, de R&S a + 8, de Industrial Strength a Music Man.
©maximeflipo
—Un poco más tarde, organizaste algunas fiestas como Cosmos y Space en la sala Pyramide. ¿Qué música se pinchaba allí? ¿Llegaste a trabajar de DJ en esos eventos?
—Cuando era estudiante, cerca de mi instituto, había un club especial, que era conocido porque se había construido con forma de pirámide.
Organicé esas fiestas Cosmos y Space e invité a algunos amigos DJs a pinchar allí. Yo no pinchaba, me ocupaba más bien de la organización. En esa época, lo importante no era tener un gran nombre en el flyer, sino promover un nuevo sonido, el del techno. Así que, en los flyers, simplemente poníamos “Techno Music”.
Los DJs todavía no eran superestrellas, priorizábamos el estilo de música porque era nuevo, especial. Una cosa graciosa es que mucha gente pensó que el techno no duraría porque era música repetitiva, aburrida… 🙂 Y yo pensaba que eso era imposible ya que estaba seguro de que había mucha más gente como yo que amarían el techno durante toda su vida. 🙂
—Estuviste involucrado en el Another World de Cyborg, ¿verdad? ¿Nos puedes contar algo más de esto? Fue publicado en 1993 y en los créditos aparece Bruno Quartier. Con él también publicaste material como Human Rebirth y Alpha Process. ¿Era una colaboración o eran temas producidos por ti?
—Era más bien una colaboración. Aparezco en los créditos del vinilo, pero en este lanzamiento estaba más bien asistiendo a Bruno Quartier. Él era el compositor. En esa época, Bruno Quartier era para mí como un mentor. Solíamos ir todo el tiempo a los club de techno de la frontera belga (At the Villa, Boccacio). Yo todavía estaba estudiando y él era mayor que yo y ya tenía algún sintetizador, así que aprendí a usarlos gracias a él. Era un músico muy melódico, pero a mí me interesaban más las atmósferas, buscaba el sonido adecuado. Hicimos algunas colaboraciones, pero llegué a un punto en el que necesitaba expresarme artísticamente solo.
Entonces Bruno se empezó a interesar con la música trance. Yo ya estaba interesado en un techno más crudo, buscando un sonido, una secuencia y una energía especial. Bruno es el responsable del gran éxito trance del 95 BBE: “Seven Days and one Week”. Por mi parte, me puse a hacer mi propio techno, expresión mía al 100%.
—Ese año te fuiste a vivir a Rotterdam a estudiar, Económicas creo. Leí que produjiste algunos temas allí usando diferentes AKAs, pero no he encontrado ninguna información de esto. ¿Puedes contarnos algo más del tema?
—Me fui a Rotterdam para mis estudios en Economía. Vivía cerca de un club llamado Parkzicht, en el que la música era principalmente hardcore gabber. Este movimiento gabber me impresionó, era muy famoso en los Países Bajos. Así que quise publicar material de este estilo en Midtown Records. Conocí a Paul Elstak, el propietario que, después de escuchar mi música, me dijo que no era lo suficientemente dura. 🙂
Realmente el gabber no era lo mío. 🙂
—Conociste a Emmanuel Top en la escuela y fuiste parte de su sello Attack Records, ¿verdad? ¿Cómo os habéis influido el uno al otro?
—Emmanuel Top y yo nos conocemos desde que teníamos once años. Estaba en el mismo colegio y clase que yo. Así que nos conocemos bastante bien. 🙂
Ya que vivíamos en la misma ciudad, hemos pasado por la misma educación electrónica con la EBM y el New Beat belga y ambos vivimos el comienzo del techno en Bélgica y fuimos a los mismos clubs de la frontera (Skyline, At the Villa). Compartimos la misma pasión.
Mientras que él ya se estaba convirtiendo en un gran artista de la escena techno, publicado música con Bruno Sanchioni en Diki Records como Plexus, Bazz etc… yo todavía estaba empezando. Tenía que terminar antes mis estudios. 🙂 Tras terminarlos y pasar por el ejército, Emmanuel me pidió que trabajara para su sello Attack Records. Acepté y me encargué del prensado, distribución etc durante un año y también de la banda B.B.E (Bruno Quartier, Bruno Sanchioni y Emmanuel Top), ya que su tema fue un enorme éxito mundial.
Al mismo tiempo, ya estaba haciendo techno y buscando un sonido propio y en 1998 decidí crear mi sello, al comienzo simplemente como hobby.
Emmanuel ha tenido, obviamente, una gran influencia en mí. Fui muchas veces al estudio a escuchar su música antes de que fuese publicada, para dar mi opinión, etc, y siempre me encantó su diseño de sonido y la tensión, la historia que construía en su música.
Y eso es algo que también intento tener, un buen diseño de sonido y una atmósfera única, una marca propia.
—Algunas webs consideran Scanner y su Back to Hell como tu primer lanzamiento. ¿Quizás es el primero que hiciste completamente solo? Se podría catalogar al single como hardcore, ¿es algo que te interesaba en esa época?
—Bueno, continuaré la historia de mi periodo en Rotterdam. 🙂 NO era los suficientemente duro para publicar en Midtown Records, así que fui a un club llamado Cherry Moon en Bélgica y conocí a Yves de Ruyter, el DJ residente. En esa época, todo era más simple. Le conté que tenía una cinta con un tema chulo que había grabado y le pregunté si tenía tiempo de escucharlo. Así que ¡nos fuimos a su coche para escuchar mi casete en su reproductor! El coche tenía un equipo de sonido alucinante. 🙂 Era algo que nos gustaba mucho en esa época, escuchar nuestra música a todo volumen para que todo el mundo pudiese escuchar el bajo y así mostrarles a todos que eras un fan del techno. 🙂
A Yves le encantó el tema, y rápidamente cogió mi cinta y la pinchó en el club Cherry Moon directamente del reproductor. Después de esto, me preguntó si quería publicarlo en Bonzai Records, y me presentó a The Fly.
Estaba muy emocionado porque Bonzai era muy famoso en Bélgica e Yves de Ruyter ya era una estrella con su lanzamiento en el sello.
Entonces, llamé a mi disco Scanner: Back to Hell. No era hardcore, pero lo definieron en la época como “Trance core”. Aunque la cara B sí era, más o menos, hardcore. 🙂
Después de ese lanzamiento, recibí una llamada de un sello inglés porque ya había otro Scanner con discos publicados. No lo sabía ya que por entonces no había internet. ;))
Así que fue mi primer y último lanzamiento como Scanner. 🙂
—Gemini 9 fue tu primer lanzamiento “techno”. ¿Por qué usaste un nombre diferente y no el tuyo? ¿No tenías la suficiente confianza o pensabas que todavía no habías encontrado tu
estilo?
—Realmente no tenía mucha confianza. No me sentía seguro poniendo mi nombre, así que creé un seudónimo. Fue una especie de lanzamiento de prueba, fue mi primer disco en Planete Rouge.
Los comentarios fueron realmente buenos, especialmente sobre el tema “Alarm”, y me dio confianza para continuar con mi sello.
—Con Electrostatic conseguiste capturar el sentimiento del momento. ¿Por qué crees que logró tal éxito? ¿Crees que estabas en el lugar y momento justo?
—La primera música techno que escuché fue como una historia, así que le tienes que poner alma, algo que cautive a la gente en la pista de baile. Después me encantó la atmósfera de la EBM, me gustaba la especial energía que podías encontrar en algunos temas EBM de 242, DAF, Nitzer EBB, así que quería crear temas de techno con la energía y la oscuridad de las atmósferas de la EBM, pero enfocados al club. Así nació Electrostatic. En esa época nadie hablaba de techno EBM, pero después de mi disco, el término TBM (Techno Body Music) apareció en Groove Magazine en una reseña para describir mi EP. Así que fue como el comienzo de un estilo de techno.
Algunos meses después de publicar Electrostatic en mi sello, Dj Hell me contactó para publicarlo de nuevo poco después en Gigolo, y mi música encajó en ese revival del sonido de los 80s que trajo el electroclash etc…
Pero según yo, estaba haciendo solo techno.
—Fuiste el creador del género Techno Body Music como comentas pero, ¿qué ha supuesto este género para ti?
—Claro, tras Electrostatic, hice los EPs Electric Vision y Body Pressure y después el álbum Muscle Machine en el 2001, que es el primer disco del género Techno Body Music. Realmente abrió un nuevo camino en temas de sonido.
Después comencé el proyecto con Douglas McCarthy (el cantante de Nitzer Ebb) llamado Fixmer/McCarthy, y fuimos oficialmente la primera banda de TBM. 🙂 Tocábamos en festivales como el Wave Gothic Treffen o I Love Techno, con públicos y estilos totalmente opuestos, pero les gustábamos a ambos mundos. Así que fuimos una especie de puente entre los mundos de la EBM, el techno, el electro y el gótico.
—Antes hablabas de cómo te contactó DJ Hell, ¿cómo de importante para tu carrera fue conocer al famoso DJ alemán y remezclarlo? ¿Crees que te ayudó a alcanzar a un público más amplio?
—Para mí, fue realmente importante porque yo era simplemente un chico francés que vivía en una pequeña ciudad al norte de Francia y que había mandado una copia de mi vinilo Electrostatic, que acababa de publicar en Planete Rouge a Dj Hell, Sven Vath y Westbam.
Sven Vath me mandó un fax ¡comentando que le había encantado el EP! ¡Y Hell me llamó! (mi número estaba en la funda del disco). Estaba realmente impresionado porque para mí, Hell era un gran DJ alemán de techno. Además, quería volver a publicar mi EP en su nuevo sello International Deejay Gigolo.
Y entonces Electrostatic se convirtió en un gran éxito en la escena techno gracias al lanzamiento en Gigolo. Más tarde publiqué más EPs en el sello que fueron exitosos (Electric Vision, Body Pressure).
Así que sí, Hell hizo que las cosas cambiarán para mí. Más tarde, llegó el momento en el que Hell me pidió que remezclara su tema “This is for You” para el sello Disko B. Esa fue mi primera remezcla. 🙂
—Muscle Machine fue grabado en Berlín, donde estabas viviendo en esa época, ¿verdad? Fue publicado por el sello de DJ Hell, International Deejay Gigolos del que hablabas antes. ¿Crees que vivir en Berlín te influenció en la composición del disco? ¿Te influyó la escena techno de la ciudad?
—Me fui a vivir a Berlín más o menos por el 98/99. Realmente Berlín no influyó en mi música. Podría haber estado en Ibiza o en la Antártida y habría hecho el mismo disco, la misma música. Fue simplemente mi propia expresión. Simplemente estaba en mi ADN musical.:-)
—Cuándo estabas grabando los discos con McCarthy, ¿llegaste a tener miedo de acercarte demasiado al sonido de Nitzer Ebb? Es decir, son unas de tus influencias y la voz de McCarthy es bastante peculiar y reconocible. Aunque, claro, el resultado fue evidentemente bastante diferente a la música de los pioneros de la EBM.
—No, no tenía miedo de acercarme demasiado. Era fan de los primeros dos discos de Nitzer Ebb, especialmente de That Total Age. Me encanta la voz de Douglas cuando chilla.
Nitzer Ebb, por esa época, habían publicado su último disco en el 95, y la banda ya no seguía junta. Después de haber remezclado a Nitzer Ebb para Mute más o menos por el 2002 , me pasaron el contacto de Douglas. Solo quería escuchar esa voz de nuevo, pero en una dirección más enfocada a la pista de baile, más techno con sonidos crudos, con la energía y atmósferas que teníamos en la EBM.
Cuando publiqué mi disco Mucle Machine, hubo una reseña en una revista inglesa que lo comparaba con la energía de Nitzer Ebb. Cuando Douglas escuchó mi música, la entendió. Congeniamos bien y ese fue el punto de partida. 😉
—¿Es difícil grabar un disco con uno de tus ídolos?
—Al comienzo era extraño, especialmente ya que tenía todos sus discos y había escuchado a Nitzer Ebb durante horas. Pero tras un rato, Douglas se convertía en una persona normal y quizás porque en esa época yo estaba girando un montón, ya estaba más habituado a conocer artistas.
La cosa más extraña cuando produje los temas “Destroy” y “Freefall”, fue escuchar su voz cantando de nuevo sobre música que yo había creado y obteniendo el resultado que quería con la energía y esa forma de gritar que tanto me gustaban en Nitzer Ebb. El primer concierto de Fixmer/McCarthy fue en Razzmatazz en Barcelona y fue realmente especial, pero para mí también un poco extraño. Era raro estar sobre el escenario con él, haciendo nuestro propio proyecto musical y verlo cantando y gritando. 🙂
—A comienzo de los 10s te centraste en hacer un techno más hipnótico, siendo el álbum Comedy of Menace un buen ejemplo. ¿Quisiste dejar el sonido más EBM para tu proyecto con McCarthy?
—Siempre me he definido como techno, como he dicho antes. Con Fixmer/McCarthy, eso era realmente EBM Techno. Más tarde me cansé un poco del EBM Techno y quería ser visto de una forma más abierta. Siempre me ha gustado el techno en el que sientes una atmósfera y me gusta también que sea oscuro. Entonces hice Comedy Of Menace para Electric Deluxe, dejando el sonido más EBM para Fixmer/McCarthy. En cambio, quería hacer un sonido más oscuro e hipnótico, aunque manteniendo la orientación bailable.
—En cambio, tu siguiente disco Depth Charged era más oscuro e introspectivo, aunque aun
realmente hipnótico. Además, comentaste que querías hacer un álbum que, por una vez, no estuviera orientado a la pista de baile. ¿Te cuesta más hacer un disco para bailar o para escuchar en casa?
—Sí, Depth Charged fue un álbum más hipnótico y mental. Era música más bien hecha para el cerebro que para el músculo. 😉
En cuanto a mí, no encuentro más difícil hacer un disco para escuchar en casa. Creo que un tema para la pista de baile es más difícil especialmente si quieres que tu música sea única y también bailable.
—Una vez dijiste que compones sin tener ninguna idea concreta. Que simplemente te pones a tocar tus sintetizadores de la misma forma que harías con juguetes, intentando cosas diferentes sin una dirección fija. ¿Trabajas así también con los discos o sueles tener una idea de lo que quieres expresar?
—Bueno, suelo tener una dirección en mente. Ya sea hipnótico, para la pista de baile, temas con energía o más oscuros… Pero no sé a dónde me llevará… Tengo una dirección en la cabeza, pero con el sonido que acabo de crear me doy cuenta, por ejemplo, de que tengo que ir en otra dirección. Así que el accidente a menudo me lleva en una dirección que escucho en mi cabeza. Claro que sé las sensaciones que quiero transmitir cuando hago un disco.
—Con Through the Cortex te acercaste al techno industrial. Por entonces comentaste que querías hacer una banda sonora para una película de ciencia ficción. ¿Fue este enfoque distinto una causa para cambiar tu forma de componer? ¿Te gustaría hacer una banda sonora para una película?
—En Through the Cortex, quería crear más bien una banda sonora pero siempre manteniendo el contexto de club, ya que incluso en los clubs me gusta crear una atmósfera. No quiero simplemente un tema eficiente para la pista. Hay demasiados temas así. Me gusta que cuando escuches un tema, te aporte algo, algunas imágenes a tu imaginación, que de personalidad, una identidad.
Claro que me gustaría hacer una banda sonora para una película, ya hay música mía que ha sido usada así antes. Pero podría imaginar mi música mucho mejor en una película de ciencia ficción que en una romántica. 😉
—Has dicho que te gusta hacer música para la pista con un poco de locura. ¿A qué te refieres con estas palabras?
—Con locura quiero decir algo inesperado, no lógico o inquietante, único. El tema debe tener un alma.
—Hace ya unas cuantas décadas, creaste tu propio sello Planete Rouge. ¿Hay algún lanzamiento que te haya gustado más que el resto? ¿O alguno que según tú no haya conseguido la atención merecida?
—Es una pregunta difícil ya que siempre he publicado temas que me gustan. Pero en general, diría que os fijaseis en las caras B, no en los temas obvios o instantáneos que ponen los DJs.
Normalmente la cara B son más especiales, más profundas. Hay algo distinto en ellas, te permiten hacer algo diferente, trabajas de otra manera e intentas otras emociones.
Los temas son menos famosos, pero eso no significa que menos buenos.
—Shifting Signals, publicado el año pasado, fue otro valiente paso, con temas como. “Synthetic Mind” realmente diferentes de todo lo que has hecho en tus comienzos. Comentaste que te habías inspirado en Alien y la época en la que la viste. ¿Imaginaste música para escenas concretas? ¿Nos puedes contar algo más de la composición del disco?
—En Shifting Signals, simplemente me liberé. Ya que fue publicado por Mute, sabía que podía salir de mi rango musical normal. No pienso en crear solo temas bailables. En algunas composiciones he sido más profundo, en otras he tomado un enfoque más crudo y también he hecho música más melódica y bonita (al menos para mí) en algunos temas.
Una parte del álbum fue compuesto durante el confinamiento por Covid. Cuando digo que me inspiró el film Alien, me refiero más al espacio, el infinito, lo desconocido (no sobre la parte de película de terror y la criatura).
—En el 2003, seleccionaste el recopilatorio Aktion Mekanik. En él podíamos encontrar a la banda Crash Course in Science, a los que pudimos ver el año pasado en el Ombra. ¿Cómo los descubriste? ¿Eran famosos en tu juventud?
—Realmente, los temas de Crash Course In Science, “Flying Turns” y “Carboard Lamb” eran bastante populares en Bélgica en la época del New Beat. Más tarde, cuando hice mi recopilatorio Action Mekanik para Music Man, en el que mostraba todas mis influencias, era obvio que deberían estar incluidos. Me di cuenta, para mi sorpresa, tras el lanzamiento de Aktion Mekanik, ¡que muchos DJs nunca los habían escuchado! Entonces me puse en contacto con CCIS y reedité su material en Planete Rouge, con remezclas de Vitalic y David Caretta, y creé un pequeño sello llamado From Jupiter Records (solo tuvo dos lanzamientos), y volví a editar ahí Flying Turns, tema del que hice una remezcla con Danton Eeprom.
—En tu carreras has hecho unas cuantas remezclas, como la que comentas y también de artistas tan distintos como Indochine o Depeche Mode, Yann Tiersen, The Neon Judgement o DJ Hell. ¿Qué enfoque le das a tus remezclas?
—Cuando hago una remezcla, intento conseguir un sonido que encuentre interesante y luego, casi siempre, baso mi remezcla en ese sonido. Por supuesto, me gusta que una remezcla suene como una remezcla, que se pueda reconocer el original pero que también se note la diferencia y el trabajo realizado. Normalmente me gusta que haya voces en ellas.
No soy fan de los remixes que suenan como un tema nuevo.
—En el 2020, produjiste música para Thomas Cohen y su nueva banda SYLPH. ¿Nos puedes contar algo más de esto?
—Daniel Miller de Mute me habló de Thomas Cohen, y me sugirió que podría ser interesante que yo produjese algunos temas para el nuevo proyecto de Thomas, SYLPH. Daniel me puso en contacto con Thomas, y comencé a mandarle algunos bocetos, algunas ideas y luego hicimos “Braid” y “Chain of Love”.
Thomas tiene una voz realmente bonita. Verdaderamente disfruto trabajando con él.
—Después de un directo con Phase Fatale, empezaste a colaborar con él bajo el nombre de Vague Mécanique. Supongo que fue natural trabajar con él ya que has elogiado repetidamente su trabajo. ¿Vamos a tener noticias de este proyecto?
—Ya hicimos un tema justos llamado “Cigarette Glow”, que aparece en un recopilatorio aniversario de Ostgut. Después, hicimos ese stream para arte en el que tocábamos juntos. Nos lo pasamos muy bien y posteriormente hicimos muchas actuaciones bajo el nombre de Vague Mécanique. Creo que en algún momento grabaremos un EP como Vague Mécanique, y volveremos a tocar con este nombre. Siempre es divertido.
—Tienes planeado publicar un nuevo disco en Mute, ¿nos puedes avanzar algo más de él?
—Sí, el disco está listo y planeamos publicarlo en junio del 2024. Está más orientado a la pista, pero es realmente crudo en cuanto a diseño de sonido. Vamos a sacar tres EPs del disco que serán publicados en enero, marzo y abril a través de Novamute.
—¿Qué podemos esperar de tu live en el Ombra Festival?
—Mi universo sonoro, simplemente: sonidos oscuros e hipnóticos, techno y EBM.
