Entrevista a Soror Dolorosa

—Al comienzo de tu carrera, tocabas la batería en algunas bandas francesas de Black Metal como Celestia, Fornication, Nuit Noire, y Peste Noire. ¿Cómo crees que esta experiencia ha influido en la música que haces con Soror Dolorosa?

—Con el Black Metal tuve mi primera experiencia en el mundo de la música y como la mayoría de las cosas en la vida, lo primero que experimentamos es una guía constante para la trayectoria a seguir. Hervé, el bajita de Soror Dolorosa, me vio tocar por primera vez en un concierto de Nuit Noire y Fornication en 1999. Luego vino a buscarme y compartimos una primera bebida juntos. Le entusiasmó el concierto y me propuso directamente tocar con él en un proyecto de deathrock. Este fue el primer impulso del comienzo de Soror Dolorosa y ese momento fue la creación real de la banda. En esos momentos, yo no tocaba nada más que Black Metal y le dije riendo: vale compañero, puedo intentarlo, pero tendré que ralentizar el tempo ¡y no meter doble bombo en todas partes! Así es cómo empecé a tocar la batería en una banda gótica y rápidamente descubrí muchos otros aspectos de tocar la batería en bandas, como no hacer tempos histéricos todo el tiempo y, en cambio, dejar que la música fluya de una forma más natural o bailable. También descubrí la enorme escena post-punk, de rock gótico y new wave que todavía me influye al hacer nuevas canciones de Soror Dolorosa. El Black Metal influenció todos los aspectos de vida pero es, quizás, sobre el escenario cuando canto en los conciertos que esa influencia aparece de una forma más eficiente. Hay una especie de violencia y tensión que es inherente al Black Metal que Soror Dolorosa tienen sobre el escenario. No creo que haya otra banda gótica que tenga esta violencia visceral y oscura en su interior así que, quizás, esa es una marca que mi pasado ha dejado en el proyecto hasta ahora.

—Soror Dolorosa se formó en el 2001 contigo y Franck, Hervé y Christophe, procedentes estos tres de la banda Funeraell. ¿Nos puedes contar algo de esta formación? ¿Qué clase de banda era Funeraell? Realmente no he podido encontrar nada de información sobre ella.

—Funeraell era una banda de deathrock muy influida por los viejos discos de Christian Death, Shadows Project y Corpus Delicti. Los vi tocar una vez en directo en un bar gótico en Toulouse, alrededor de 1999 y por esa época no estaba muy interesado en la música gótica que, por otra parte, no conocía demasiado bien. La banda grabó unas cuantas demos que nunca fueron publicadas o distribuidas oficialmente y creo que ni siquiera los miembros de Funeraell la tienen hoy en día. Quizás podríamos decir que se han perdido en el abismo del tiempo y las vicisitudes de la vida. Recuerdo que tenía una casete de 90 minutos que ponía a menudo en mi viejo coche, que Hervé me dio diciendo: ¡aquí están todas las canciones de Funeraell! Desafortunadamente, Toulouse no era una ciudad muy segura y mi coche fue robado varias veces por perdedores que estaban buscando dinero o gafas de sol para venderlas después por unos cuantos francos… así es cómo mi casete de Funeraell acabó en un montón de basura olvidada o destruida en algún lugar que nadie conoce.

—El nombre de la banda, Soror Dolorosa proviene de una novela del simbolista flamenco Georges Rodenbach. ¿Cómo crees que ese nombre encaja en la música que hacéis?

—El nombre fue elegido por Hervé que leyó Bruges La Morte hace años y se quedó con el término de Soror Dolorosa. En el libro, describe la entidad de la persona querida perdida que, aunque desaparece al morir, permanece para siempre en la mente del amante. Además, resume el concepto del luto eterno frente a la belleza de las cosas puras de la vida cuando han desaparecido. Supongo que la gente que ha amado realmente en la vida y luego perdido puede entender fácilmente lo que esto significa. Este dolor es la raíz de lo que expresamos en la letra. En la novela, el fantasma de la pareja muerta también aparece en los reflejos de los ríos neblinosos del norte de Venecia y el héroe califica a la ciudad como su hermana en dolor, su Soror Dolorosa. Este es un hito en la literatura decadente y tenemos una profunda fascinación por este estilo artístico porque está solamente relacionado con la pura verdad, ligeramente envuelta en una capa estética transparente.

—Fue Hervé quien te hizo conocer a bandas post-punk como The Chameleons y Joy Division y supongo que fue entonces cuando decidiste hacer esa clase de música. ¿Qué te llamó la atención de esas bandas?

—Creo que lo que realmente me voló la cabeza al escuchar Closer de Joy Division por primera vez, fue la frialdad extrema mezclada con una sensibilidad infinita. El post-punk y la New wave de los 80s en Inglaterra son los herederos directos de los artistas simbolistas y de los poetas románticos del siglo XVIII y XIX. Desde que era un niño, siempre he estado fascinado por esas épocas porque creo que el arte de entonces, en cuanto a poesía, pintura, escultura y arquitectura, alcanzó lo puntos más altos, creando brillantes misterios relevantes. Me da respuestas a mis preguntas íntimas y cada día llena mi cerebro con una inspiración interminable. Creo que la escena de los ochenta es lo mejor que nos ha aportado la época actual y siento una especie de energía similar cuando compongo canciones y toco en directo con Soror Dolorosa. Es difícil describirlo, pero me da la impresión cuando hago mi música, que esa época todavía no ha terminado y es un gran torrente de placer y fuerza.

—Has comentado que la única banda francesa que te ha influido ha sido Norma Loy. ¿Qué encuentras tan especial en esta clásica banda de coldwave?

—Creo que Norma Loy tenía algo especial en sus temas y estaban inspirados por algo muy personal. Fueron pioneros del género en Francia, aunque no son muy conocidos ahora. Me encantan las bandas que no se preocuparon de la parte empresarial de la música pero que crearon obras maestras para muy pocos. Hervé me pasó una casete al comienzo de Soror Dolorosa y me dio: escucha “Tragic Venus” ¡es pura magia!

—¿Cómo fueron los primeros años de la banda cuando todavía eras el batería? Grabasteis un par de demos, ¿verdad? ¿Cómo era la música? ¿Más deathrock?

—Al comienzo, la banda hacía un deathrock muy oscuro, aparecíamos como almas decadentes andróginas e ignoradas. La música era meramente atmosférica, triste y abrasiva. Dimos algunos conciertos y ganamos un concurso musical que nos proporcionó nuestra primera experiencia en estudio. Grabamos cinco temas en un día y el resultado fue interesante. Después dimos muchos conciertos y conocimos al talentoso guitarrista que tuvimos durante esos días Emey, que compuso y grabó las canciones de Severance y Blind Scenes y también compuso los temas de No More Heroes. Desafortunadamente, abandonó la banda por razones personales en el momento de las sesiones de estudio de No More Heroes. En esa época, empezamos a trabajar con máquinas con Emey que era un compositor y productor musical habilidoso.

—Más tarde, en el 2005, la banda se separó. ¿Por qué?

—En esa época, teníamos otro cantante en la banda y esta persona era muy difícil de tratar, a veces estallaba en histéricas crisis por nada y arruinaba la reputación de la banda por todas partes. Tuvimos un concierto en Paris para el solsticio de verano y al final de la actuación, esta persona acabó en la basura, esa fue su after party. Tuvimos una pelea en la calle y yo, personalmente puse a esa persona en un contenedor de basura porque intentó atacar a mi novia de la época. Así fue como nos separamos por primera vez en la historia de la banda. Después de casi un año de separación, volvimos a reunir la banda con Hervé, Emey y conmigo a las voces, nos reunimos alrededor de la bonita melodía de “Autumn Wounds”. A mis ojos, este es el auténtico comienzo de Soror Dolorosa porque no se edificó sobre las ruinas de una banda anterior y estaba generando algo completamente nuevo de forma natural dando lugar a una expresión artística.

—¿Y por qué decidisteis reformar la banda solo un par de años después? Fue entonces cuando decidiste cantar y Soror Dolorosa se convirtió en una banda de rock gótico, ¿verdad?

—Al final de la primera época, antes de terminar el concierto me adelantaba para cantar junto primer cantante. La idea de coger el micrófono en SD me vino en ese momento. Después de la separación, tenía la sensación de que podía hacer algo interesante cantando en Soror Dolorosa, ya que tenía una profunda sensación de que tendría algo que decir. Si buscamos una razón más persona, tuve un gran cambio sentimental en mi vida en esos momentos y creo que Soror es lo que me ayudó a afrontar esas dificultades.

—Siempre has comentado que el sonido de la banda se basa, principalmente, en el bajo, que lo toca otro miembro fundador, Hervé. ¿Cómo describirías su sonido?

—Hervé lleva tocando su Fender Precision ya unos treinta años. Este instrumento es como una tercera mano para él, una forma directa de expresar sus sentimientos y componer melodías. Hervé escribe a menudo líneas de bajo melódicas que funcionan de fundamentos de los temas. Ahora, en la banda hemos acabado un poco con este proceso y las nuevas composiciones son más un trabajo común o una investigación personal de nuestro nuevo y talentoso guitarrista y productor, Jean-Baptiste Marquet. El sonido ligeramente inexpresivo de Hervé dio vida a la mayoría de las composiciones que hemos publicado hasta ahora y forjado el sonido de la banda contra viento y marea. Creo que con Hervé tengo una forma parecida de expresarme. Ninguno tuvimos formación musical y simplemente dejamos que nuestro instinto hable al componer música. Creo que por eso la banda todavía existe, después de estos altibajos, es porque sentimos la música de la misma forma, vibramos con las mismas notas y como el yin y yang complementamos el compendio de las entidades opuestas que son necesarias en la creación artística. La luz va unida a las sombras como las corrientes frías a menudo con el calor y la luna alcanza una belleza transcendental al bañarse en los rayos del sol. Soror Dolorosa es una entidad dual que se identifica con las mismas reglas.

—Finalmente, el primer EP, titulado Severance fue publicado en el 2009. ¿Habéis compuesto los temas justo para este lanzamiento o eran parte del material que ya teníais escrito?

—Al comienzo, no teníamos planeado publicar nada y solo estábamos componiendo temas y explorando lo que teníamos en la mente. Afortunadamente para nosotros, teníamos un amigo cercano, Artess, la mente maestra de las bandas Lysart y Le Mauvais oeil. Poseía un buen estudio casero y nos propuso grabar esos temas. Hicimos las sesiones de estudio y después nos llevamos las pistas a casa para hacer nuestra mezcla, con Emey, nuestro guitarrista, de ingeniero. Después de seis meses trabajando en los temas acabamos con Severance y firmamos un acuerdo con Todestrieb Records en Inglaterra que se ofreció a publicarlo. Ese fue el auténtico comienzo de nuestra historia oficial como una banda de la escena underground.

—Tú te dedicas a escribir las letras, ¿cuánto de tu experiencial personal pusiste en Blind Scenes, vuestro primer disco?

—Blind Scenes es un álbum muy deprimido y nostálgico. Es un poco tradicional y minimalista en los arreglos. Considero ese disco el más personal en cuanto a letras, especialmente en temas como “Low End”. Las letras de ese disco relatan la profunda consciencia del momento en el que tocas fondo, y comprendes lo que necesitas que se cambie para lograr una posible evolución, para alcanzar otro estado mental. No quiero hablar abiertamente de mis experiencias personales ni mostrar mi vida privada a través de las letras, así que uso imágenes como una forma de comunicar esos sentimientos y hacer las cosas comprensibles cuando escuchas todas las palabras. No hay un artilugio constante en mi forma de cantar, cada canción tiene su propio tema y mi voz sigue naturalmente esas líneas. A veces susurro, a veces grito y la mayor parte del tiempo quiero decir cosas que no pueden quedarse en palabra escrita, sino que se tienen que expresar con honestidad y pasión. Blind Scenes fue mi primera experiencia en grabar mi voz con un productor y es bastante difícil cuando estás en un proceso psicológico muy intenso. En esos momentos, es realmente bueno tener a alguien que te comprende y te aprecia más que tú por ese desafío.

—Has comentado que la banda tomó forma al componer “Autumn Wounds” en el 2007. ¿Qué significa este tema para la banda?

—La letra de “Autumn Wounds” fue escrita hace años por Hervé, primero en la forma de poema escrito en francés. Recuerdo perfectamente cuando Emey y Hervé me tocaron en voz baja de noche esos arpegios y la letra, instantáneamente se tradujo en mi cabeza mientras la leía en el papel y se depositó naturalmente sobre las notas. Hervé siempre escribía poemas, la mayor parte del tiempo en inglés y tenía esta costumbre de pasármelos durante la noche cuando estábamos borrachos en algún bar o en mitad de una ruina desierta. “Autumn Wounds” es un símbolo para nosotros, una especie de perfecta ilustración de nuestro proceso creativo. Es una conexión instintiva entre nosotros, imposible de describir con palabras, solo la música es adecuada para dar forma a este vínculo psíquico.

—Dijiste de vuestro segundo álbum, No more Heroes, que lo veías como un disco de transición. ¿A qué te referías con eso?

—No More Heroes es el disco que nos hizo salir de la oscuridad anónima a las luces del escenario. Es un disco para hacer temblar el suelo y agarrar la noche con las dos manos. Ya no es nostálgica, habla de la vibración de la vida y describe la belleza del momento presente. En ese momento, dimos la bienvenida, primero a Nicolas Mons (Lysart, Le Mauvais Oeil) y más tarde a David-Alexandre Parquier (Luminance) como guitarristas. Éramos cinco sobre el escenario, eso nos daba mucha más potencia e iluminaba nuestra energía en directo. Dimos un montón de conciertos por toda Europa, y ese fue un periodo muy bonito para la banda, lleno de fantásticas experiencias y locas noches. Creo que cuando haces un álbum, este te devuelve lo que has puesto dentro, nada más y nada menos. Recibes de vuelta de la audiencia lo que has puesto en tu música, y eso sobre el escenario, es mágico. No More Heroes es el disco que nos hizo aprender el espectacular poder que solo la música puede crear.

—También has dicho que era un disco que miraba al futuro. Un disco para vivir el presente. ¿Cres que la música gótica a veces puede estar un poco estancada en el pasado?

—La música oscura tuvo en los ochenta una edad dorada. Si la música gótica permanece un poco estancada en el pasado es porque la nostalgia es una parte de la misma música. La melancolía es lo que sientes cuando piensas en la belleza perdida en el tiempo y la intensidad que ya no volverá. Por eso en las pistas de baile góticas siempre se escuchan temas publicados hace cuarenta años y la gente todavía los baila con locura. La música gótica es muy emocional y el universo de sentimientos están todavía vinculados al pasado, a cosas que has experimentado en la vida y todavía tienen un fuerte efecto en tu alma. La música gótica está apegada a la calidad porque los góticos saben lo que les gusta y son una audiencia muy unida y exigente. La mayoría de los góticos son coleccionistas de vinilos y escuchan este tipo de música desde que eran adolescentes. Si eres fiel a la realidad y también a ti mismo, nunca la rechazarás y todavía querrás mantener la llama encendida hasta el final y esto es algo absolutamente precioso en la música gótica; creo que es algo similar con el metal pero con la dark wave es quizás más etéreo y poético.  

—¿Cómo crees que el tiempo que pasaste en Georgia influyó en vuestro siguiente trabajo, Apollo?

—Durante todo el proceso de Apollo estuve viajando a menudo a Georgia y ese fue el momento en el que descubrí un montón de cosas sobre la vida en general. Empecé a sentir una especie diferente de poder en mi interior y comencé a aprender a tocar el piano. Había un piano precioso en el apartamento en el que me quedaba y la noche en Tiblisi es realmente mágica. Es muy diferente de la Europa del este, las cosas son más crudas, en cierta forma son más auténticas. Georgia es una antigua civilización, la cuna de la cultura caucasiana y Apollo es un viaje por el tiempo y el espacio partiendo de un viejo sueño borroso hasta llegar a la afilada transcendencia de la vida. Este álbum es la historia más ambiciosa que hemos hecho hasta ahora e incorpora un montón de nuevos elementos como pads, teclados, piano y cajas de ritmo. Hay un montón de capas y una arquitectura más compleja, es más una escena onírica que un álbum de rock gótico básico.

—En Apollo, te inspiró el Endymion de John Keats y la letra de “Locksley Hall” era un extracto de un poema de Alfred Tennyson. Además, has citado el simbolismo como una de tus influencias. ¿Te gusta darle un toque literario a tus letras? ¿Crees que las letras de las canciones, en general, son cada días más simples?

—Me fascina y estoy muy interesado en la literatura romántica inglesa. Me proporciona un montón de sentimientos e inspiración. No me importa lo que se estila hoy en día en tema de letras, simplemente hago lo que siento y necesito difundir mi visión de escribir canciones. Estoy seguro de que unas cuantas personas se preocuparán de lo que se dicen en los temas y entenderán el sentido de las palabras. Hoy en día, las palabras han perdido prestigio ante la supremacía de las imágenes rápidas pero pienso que las palabras adecuadas son todavía muy importantes en la música moderna, dan cierto peso y una fragancia especial a las notas, como un perfume puede proporcionar a la carne que lo lleva. Para el siguiente disco, he repasado el magnífico verso de William Blake, así que ¡la historia de amor entre Soror Dolorosa y la literatura inglesa arde todavía con fuerza!

—¿Por qué la banda tardó cuatro años en terminar el disco? Incluso dejasteis de tocar en directo, ¿verdad?

—Durante el proceso de grabación de Apollo, la banda se dividió en dos bandos que no estaban de acuerdo en cuál sería el resultado final del disco. Esta era una situación muy complicada para una banda en el estudio, así que llevó años encontrar una solución y terminar el disco con un sentido de harmonía. Cuando el disco se publicó en el 2017, hicimos dos conciertos finales y decidimos separarnos porque ya no éramos capaces de hacer música juntos por muchas razones diferentes, pero principalmente porque ya no teníamos la misma visión de cómo Soror Dolorosa debería sonar.

—¿Por qué elegisteis Apollo como nombre del álbum? En una entrevista, comentaste que el disco es el final de una trilogía, un sendero que parte de la oscuridad para llegar a la luz. ¿Es Apolo una metáfora de la luz alcanzada al final del camino?

—Históricamente, Apolo es el dios del arte y la divinidad que representa al Sol, la transcendental fuente de luz que hace todo posible en nuestra galaxia y por definición, el elemento principal de la aparición de la vida. Sí, puedo decir que Apolo es la metáfora, y además es una palabra que es monolítica y hace referencia a la idea de un antiguo santuario, una estatua de marfil o rayos de luz etérea a través de la neblina de la vida. Apolo, como dios, es a menudo representado con una lira tocando música, propagando la luz en el mundo. Me encantaba esta imagen y quería compartir la luz que sentí al viajar y aprender tantas cosas sobre mí mismo. Creo que el tema “A meeting” ilustra muy bien esta visión. Solo tienes que ponerte esa canción y creo que entenderás la esencia de la temática del álbum y qué clase de luz Apolo representa en el universo de Soror Dolorosa. 

—Soror Dolorosa ha añadido a su sonido nuestras influencias como el post-rock y el shoegaze. ¿Vamos a seguir encontrando estos estilos en vuestra música? ¿Habéis añadido alguno nuevo?

—Sí, esas influencias están aumentado en los siguientes temas, pero creo que hay una que predomina en el siguiente trabajo: las cajas de ritmos aplastantes fundidas con etéreas e hipnóticas líneas de teclados. El siguiente disco será el más potente que hemos hecho hasta ahora, y espero no decirlo demasiado rápidamente pero es porque ¡James Kent de Perturbator se está encargando de la mezcla y de la post producción del disco!

—Nunca has ocultado tu amor por la música pop y has dicho que te ha inspirado. ¿Crees que la escena gótica debería ser un poco más abierta con el pop?

—Creo que el pop puede ser realmente interesante incluso para almas oscuras, porque un buen tema pop es sobre todo un tema bien compuesto y eso es algo decisivo en la música. No hablamos de la mierda comercial, sino de buen pop electrónico como Depeche Mode o A-ha o música de guitarras como David Bowie o Slowdive. Bueno, el espacio entre pop y música gótica no es tan grande y creo que es particularmente interesante cuando la frontera es borrosa y el estilo de los proyectos musicales no está hecho de clichés sino más bien de un adn espiritual.

—Tras la grabación de Apollo, Nicolas, David-Alexandre y Franck dejaron la banda. ¿Fue difícil continuar sin ellos?

—Después de publicar Apollo, llegamos al final del camino que teníamos que hacer juntos y me quedé con Hervé, preguntándonos qué forma Soror Dolorosa tomaría después. Rápidamente, nuevas demos surgieron gracias a nuestra conexión mental y empezamos un nuevo proceso componiendo temas, como siempre hicimos. Prefiero no hablar de la intimidad de la banda y hoy no tengo ningún remordimiento con Soror Dolorosa, ¡solo tengo proyectos!

—¿Estas siguiendo a Human, el nuevo proyecto de Franck?

—No, prefiero no hablar de esto y le deseo suerte en lo que venga. A veces es mejor cortar por lo sano.

—En una entrevista dijiste que no hay una auténtica escena dark en Francia. ¿Todavía piensas lo mismo?

—La escena oscura francesa es muy frágil. Solo hay unas cuantas bandas aunque no la considero una auténtica escena, especialmente la gótica. Tengo un buen ejemplo para esto: ya no hay festivales góticos en Francia, lo que significa que posiblemente no me equivoque en lo que digo. Creo que las bandas francesas son fantásticas porque no hay dos que suenen igual y eso es lo que me gusta de la escena francesa deBlack Metal. Creo que es una cosa especial y muy preciosa de la escena dark francesa, que todas las bandas tengan su propia identidad.

—Habéis tocado con una banda que nos gusta mucho, Varsovie. Arnault además proviene del la escena de Black Metal francesa y tú llegaste a realizar la parte gráfica de su disco État Civil, ya que también eres fotógrafo. ¿Cómo es vuestra relación con este fantástico trío?

—Me encantan Varsovie, ¡es una banda increíble de post-punk! Son amigos nuestros y a menudo tocamos juntos, siempre con gran placer. Creo que cada vez que los veo en directo son mejores. Ponen todo su alma y corazón al tocar y eso es lo principal cuando haces post-punk. Además, hemos tenido la misma experiencia de ir a los Drudenhaus Studio para grabar nuestros discos, así que finalmente compartimos un montón de cosas y nos apreciamos como buenos amigos ¡y hemos pasado momentos perfectos cuando nos encontrábamos en el backstage o en la barra de un bar!

—Como he comentado en la anterior pregunta, también eres fotógrafo. ¿Cómo definirías tu personal mundo artístico?

—Estoy obsesionado con la belleza, aquella que es cautivadora y misteriosa. Creo que es una forma fácil de explicar mi trabajo como fotógrafo. Me encanta capturar la verdad innombrable y revelar los aspectos más puros de las almas en mis fotos. Intentar hacer fotos que no envejezcan porque muestren una parte de pura trascendencia con el mundo real. Simplemente me preocupo de lo que voy a mostrar. Para mí, es la mejor forma de abrir ventanas atemporales en el mundo de los sueños.

—¿Y cómo describirías la parte gráfica de la banda?

—Cada álbum tiene su propio código gráfico, no nos limitamos a una sola estética para Soror Dolorosa. Me encanta explorar mi obsesión del momento especial y no puedo planificar cuáles serán las imágenes futuras que conectarán con los temas. No quiero delimitar a la banda en algo sistemático, la vida no es así, ¿así que por qué lo tendría que ser la música?

—¿Cuándo va a ser por fin publicado el cuarto disco? Estaba planeado para el 2022, ¿verdad?

—Cierto, vamos un poco tarde con la planificación, pero los recientes eventos de los últimos tres años han cambiado las cosas para bien y para mal. Tenemos muchas ganas de publicar el siguiente trabajo, quizás más que en el 2022, así que pienso que es una cosa buena esperar si las razones son buenas. Ya no estamos empezando en esto y queremos que este disco sea perfecto. A veces, el tiempo juega a nuestro favor para alcanzar esta íntima idea de una obra de arte perfeccionable, y hay un momento en el que piensas que lo has conseguido, y es algo que creo que finalmente estamos saboreando.

—Ya habéis tocado algunas de estas canciones en directo, ¿cómo ha sido la reacción del público?

—Nunca es fácil tocar temas que el público no ha escuchado nunca, pero debo decirlo, la reacción fue realmente positiva. La gente realmente mostró entusiasmo y tuvimos además algunas proposiciones de conciertos después de tocar, eso es una buena señal.

—¿Qué podemos esperar de vuestro concierto en el W-Fest?

—Siempre nos han gustado los momentos que hemos pasado en Bélgica. ¡Creo que la gente es más rock and roll y despreocupada que en Francia! El cartel de este edición es alucinante y es todo un honor tocar junto a tantas bandas que nos han influido. Vamos a tocar a la luz de un día de verano algo que no solemos hacer mucho, ya que somos aves nocturnas, pero tengo que decir que, por una vez, nuestras grandes gafas de sol van a ser muy útiles si un resplandeciente sol brilla en todo su esplendor y ¡hace de este evento un momento magnífico para todo el mundo! E incluso si está lloviendo, no será un problema, ¡vamos a hacer como Boytronic hicieron el año pasado en Ostende, ¡tocar con todo nuestro alma y corazón para hacer que este evento se grave para siempre en los recuerdos!