Fiume es uno de los proyectos del productor y DJ croata Jasmin Mahmić, al que hemos seguido durante mucho tiempo con su AKA Le Chocolat Noir y cuyos vinilos podemos escuchar a menudo en las sesiones de nuestro DJ residente Lamari. Con este nuevo alias, mas centrado en su lado más experimental, ha grabado tres referencias, la última Fiume II de lo más interesante de este 2022. Será otro de los platos fuertes del domingo del Ombra, una jornada que recordaremos durante mucho tiempo.
—¿Cómo fue crecer en Yugoslavia? Supongo que viviste la guerra en tu juventud. ¿Era difícil conseguir discos?
—Crecer en Yugoslavia fue, desde mi perspectiva actual, una experiencia interesante. Era un niño en esos días, así que entonces no comprendía todo el contexto político y social. Ahora parece un valor añadido ya que soy capaz de comprender lo que era en la práctica, y tengo la experiencia de vivir en un sistema distinto. En las dos últimas décadas, he visitado algunos países que todavía están bajo alguna clase de dictadura y algunas situaciones me hacen revivir los recuerdos infantiles de cómo era el sistema entonces.
Era un adolescente durante la guerra de la primera mitad de los noventa, cuando Croacia declaró la independencia. Bueno, Yugoslavia no era el clásico país comunista del bloque del este. Algunos sellos yugoslavos estaban legalmente publicando la música que se editaba en el oeste. Había una pequeña, pero podría decir que loca escena electrónica en los ochenta, que abarcaba desde la música experimental al pop. En cuanto a la música electrónica underground de los ochenta y primeros noventa, supongo que los DJs tenían que irse al extranjero para comprar esos discos. Algunos discos se podían encontrar en una tienda en Zagreb a comienzo de los noventa también, pero vendía sobre todo CDs. Al ser un chaval, para mí todo se reducía a casetes y algunos CDs. Con el dinero de la paga no tenía suficiente para comprar vinilos de importación. La obsesión por el vinilo comenzó un poco después, en los noventa.
—¿Cuándo y cómo descubriste la música industrial? He comprobado en tus mixes que eres un gran fan de Throbbing Gristle y de Coil. ¿Cómo te empezaste a interesar por ellos?
—Mis primeros encuentros con TG y Coil fueron primordialmente durante mi adolescencia, a través de mi viejos amigos góticos y fans de la EBM que vivián en mi ciudad natal. Algunos de ellos me grababan CDs y casetes y gracias a su selección me interesé también por la EBM. Ya me gustaba la música de baile electrónica, pero esto me condujo más hacia la música oscura.
Había también un programa de radio en la Radio 3 croata los sábados por la tarde de Dinko Bažadona, de Zagreb, que pinchaba toda clase de música electrónica oscura. Fue él quien trajo, entre otros a PTV y DiJ a Zagreb y era amigo de diferentes artistas de esta escena.
—Hace tiempo me contaron que había una escena techno bastante salvaje en Zagreb durante los 90s. ¿Qué nos puedes contar de esto?
—Esa escena ya empezaba a estar viva y ser un poco salvaje en los ochenta, con varios Djs pinchando EBM y también estaban los que ponían hip hop, electro e italo. En paralelo, algunos de ellos empezaron a pinchar techno y house combinándolos con EBM. Iba a menudo a estas fiestas que hacían normalmente los miércoles y jueves, y también en domingos. Aquellos que estaban ahí sabían a qué habían venido, mucha gente vestía con ropa de plástico y cuero negro, había una gran mezcla de gays y gente rara que le gustaba el techno y la EBM. Había una atmósfera en la que nadie se preocupaba o importaba quién eras o quienes éramos. Lo único importante era perderse en el humor y las luces estroboscópicas y bailar al son de la música. Solo tras la primera gran rave en un túnel bajo la ciudad vieja de Zagreb en 1993, las grandes raves se hicieron más frecuentes y los clubs empezaron a programar fiestas de techno en los fines de semanas, convirtiendo lentamente toda la escena, en lo que me gusta llamar, una discoteca de sábado noche con música más dura. Esas primeras fiestas entre semana formaron mi visión del clubbing, básicamente un montón de luces estroboscópicas y oscuros clubs con música machacante. No estuve muy interesado, en general, en las fiestas, de finales de los noventa ya que la música que se pinchaba era en su mayoría demasiado aburrida para mí, y solo al llegar al milenio, las cosas cambiaron a mejor. El anteriormente mencionado Bažadona continuó haciendo eventos bizarros a lo largo de los 90s. Esos eran musicalmente los más interesantes para mí, manteniendo la atmósfera de los eventos de comienzos de los noventa en los que se pinchaban diferentes estilos musicales.
—¿Cuándo comenzaste a pinchar? ¿Quién te inspiró a hacerlo? Fragmenti fue el nombre de tu primera residencia, ¿qué pinchabas allí? ¿Electro?
—Mis primeros eventos en clubs fueron en el 2000, en un club local de mi ciudad natal de Sisak, con varios amigos y DJs/productores/amantes de la música. Pinchaba cualquier disco que tuviera, material de Chicago y algo de rave, también algo de electro. La primera actuación fuera de mi ciudad natal fue en el 2003 en el KSET de Zagreb, donde pinché electro y electroclash, y supongo que también algo de wave.
—Con Saša Rajković creaste Soba 23 y Electro City. ¿Qué recuerdas de aquellos días?
—Saša ya producía como Zarkoff entonces y ya que no había muchos DJs que pincharan lo que nos gustaba en aquellos tiempos, empezamos a hacer esos dos eventos, Soba 23 en Zagreb y más tarde en Sisak, nuestra ciudad natal. Bueno, en aquellos días recuerdo conocer a algunos clubbers que eran gente maravillosa, algunos de ellos son todavía buenos amigos, y a algunos todavía los encuentro en la pista de bailes, mientras que a otros me los encuentro en el mercado comprando verduras, jajaja.
Algunos de esos eventos eran super locos y bizarros y nos lo pasamos muy bien. Nuestro primer artista extranjero fue Sendex quien vino con dos maletas llenas de equipo. El evento tomó lugar en una sala pequeña y ahora legendaria llamada Točkica. Luego trajimos a Legowelt a Zagreb por primera vez en el 2007. Esa fue la única vez que no perdimos dinero, algo que no se olvida. ¡También tuvimos a Catnip en directo! Recuerdo que algunas actuaciones pudieron haber sido inspiradas por TG y similares, y a veces estaba preocupado porque todo saliera bien ¡y nadie saliera herido por lo que estábamos haciendo!
—Supongo que conocer a Saša Rajković fue bastante importante para ti ya que habéis trabajado juntos en varios proyectos. Él también va a actuar en el Ombra tanto como Zarkoff como con Sumerian Fleet. ¿Qué nos puedes contar de él? Tristemente no creo que tengamos tiempo de entrevistarle también.
—Zarkoff fue la persona que me metió en la producción musical y aprendí mucho del proceso técnico de nuestro trabajo conjunto en el estudio. Así que de cierta forma, podría decir que no estoy seguro de cuándo o cómo hubiera empezado a hacer mi propia música si Saša no me hubiera pedido que hiciéramos cosas juntas como FFFC. Estoy deseando ver, por primera vez, a Sumerian Fleet. Sobre sus actuaciones en solitario, no estoy seguro de que haya alguien que lo haya visto en directo más veces que yo. Puedo ver que está ocupado con su trabajo de mastering en el estudio Sensorium de Zagreb, pero también produce y publica música. Lo último, si no me equivoco es un EP en vinilo en Tripalium Records que suelo pinchar en los eventos. Pégale una oída.
—Eso nos lleva a la siguiente pregunta, ¿cuándo empezasteis Florence Foster Fan Club? ¿Por qué elegisteis el nombre de esta famosa cantante de ópera?
—Formamos FFFC en 2004 o 2005, quizás 2003. Nuestra primera referencia fue en el 2009, aunque de todas formas solíamos tocar en directo durante los años anteriores a que nuestro primer disco fuese publicado. Bueno, creo que su historia es fascinante y loca, muy cómica y triste también, así que era ciertamente una persona que encontramos muy interesante por lo que hizo y cómo lo hizo. Heredar un montón de dinero y gastarlo haciendo lo que amaba y quería hacer, ¿a quién no le gustaría ser FF Jankins?
—Tanto con ese proyecto como con el siguiente, Le Chocolat Noir, has estado vinculado a la escena EBM. ¿Qué encuentras interesante en este estilo? ¿Por qué crees que, a día de hoy, es todavía relevante?
—La EBM es simplemente música de club fantástica, el nombre lo dice todo. Puede pincharse junto a electro, house de Chicago, techno, y wave, por supuesto, disco y con música experimental. Está además asociada a algunas de mis primeras experiencias de clubbing. Es relevante como género ya que los artistas pueden abordar diferentes temas con sus letras, algo que no tienes en tal grado en el techno, por ejemplo.
Desafortunadamente, como en cualquier otro género, no hay suficiente personalidad en lo que algunos artistas están produciendo, hay demasiada repetición y, a veces, cuando los escuchas, las canciones/temas suenan sin inspiración. Para mí, esto ocurre en todos los géneros, muchos artistas producen temas que son demasiado similares, bien producidos, por supuesto, pero la EBM todavía es algo más que ese arpeggio de línea de bajo reciclado. Además, no todas las voces masculinas en EBM deben sonar iguales, como oscuras y dando miedo o similar, mientras que hay una tendencia entre los artistas en hacer exactamente eso. Se vuelve demasiado cliché. Necesita más experimentación.
—Tu primera referencia en solitario fue Who We Are de Le Chocolat Noir, ¿verdad? ¿Cuáles eran tus intenciones cuando empezaste el proyecto?
—Home Made Electronica, un sello de Zagreb, lo publicó y esa fue mi primera referencia. En esos primeros temas hablaba de mis experiencias en el clubbing y de problemas de identidad y personales y me di cuenta de que puedo hablar de cualquier cosa que me de placer o disgusto y de que además puedo compartir mis ideas a través de mis letras. Producir música fue también como una terapia para mí, un opuesto a ciertos problemas serios con los que estaba lidiando en mi vida profesional.
—La música de LCN ha cambiado un montón durante los años, e incluyen un montón de estilos. Has definido esto como “inconsistencia”. ¿Crees que la escena electrónica debería ser un poco más abierta de mente?
—Ya que estoy interesado en diferentes estilos de música electrónica, nunca me quise limitar en términos de estilos. De ahí la mencionada “inconsistencia”.
No hablaré de la escena a nivel de festivales, ya que ese es un asunto diferente. Creo que en la escena de clubs hay bastante apertura mental ya que hay artistas que son “inconsistentes”. Los sellos independientes publican música de varios artistas y hay una muy interesante mezcla de escenas y artistas del techno, electro, EBM y de estilos con orígenes más oscuros. Incluso algunos góticos están más abiertos a sonidos cercanos al techno hoy en día, ja, ja, ja. Aunque todavía hay algunos muy muy pero que muy góticos que, desafortunadamente, todavía resisten. Tengo un tema que dice “ta purete me derange”, lo mismo vale para los clubbers a los que, por ejemplo, solo le gusta el techno y que le gusta la música oscura pero no aguantan las voces. No digo que todo el mundo tenga que estar interesado, solo le estoy tomando el pelo a cualquier purista. Resumiendo, la escena de artistas y sellos es bastante abierta de mente, la audiencia todavía tiene que seguir ese camino. Esto es también debido a los promotores y organizadores de eventos que no lo impulsan lo suficiente.
—Honored Matres es el nombre de tu segundo AKA. ¿Querías publicar música que no encajaba en tu alias LCN o simplemente fue otra forma de publicar más y más material?
—Sí, inicialmente mi meta era producir algo con menos voces y hacer unos temas más cercanos al techno y al acid. Hubo varios temas publicados después de que empezara a producir usando ese nombre. Tras una interrupción, este alias ha vuelto a la vida de nuevo, algunos temas han sido publicados en recopilatorios de varios artistas en el pasado año y en este y al menos otro va a salir en el 2023. No estoy seguro de lo que quiero hacer en estos momentos con ese nombre. Estoy pensando en un personaje queer, probablemente bastante pícaro, ya que se puede conectar con las características de Honored Matres, un personaje ficticio que aparece en los libros quinto y sexto de Dune. “Son descritos como un culto agresivo obsesionado con el poder, la violencia y la dominación sexual.”
—¿Qué nos puedes contar de Lab Personnel? ¿Fue un equipo ideal de productores croatas o simplemente un grupo de amigos?
—Zarkoff comenzó su proyecto a través de los encuentros del Synth Lab en nuestra ciudad natal de Sisak, donde también grabamos nuestro EP como FFFC que fue publicado por el sello Gooiland Elektro. También lo fue su EP en Return To Disorder, en el que hizo temas con unos cuantos de nosotros.
Synth Lab se convirtió en Lab Personnel, incluyendo hasta a ocho artistas, así que somos bastante numerosos y no todas las sesiones tienen a los mismos artistas presentes. Yo no estuve presente en la final ya que estaba fuera de Croacia con trabajo. El concepto era el de grabar sesiones completas y luego seleccionar partes del material grabado y producir temas. Hasta ahora solo tenemos un vinilo publicado en Medical Records y dos casetes autopublicadas en el sello Lab Personel. No hemos tenido esas sesiones de improvisación desde justo antes del Covid, y no hay ahora ninguna iniciativa de organizarlas. Claro que esto puede cambiar fácilmente.
—¿Por qué creaste este nuevo AKA Fiume? ¿Y por qué usaste Fiume como nombre?
—Fiume nació cuando empecé a usar el Moog DFAM. Esta máquina me dio un enfoque completamente diferente en términos de producción de música y sonaba muy diferente a cualquier cosa que hubiera producido antes. Después de que Guy de Bunker quisiera que se publicara, hablamos de un montón de cosas diferentes, incluyendo el futurismo. Ya que yo vivía en la ciudad de Rijeka en ese momento (Fiume en italiano), y la referencia publicada en Panzerkreuz coincidió además con el aniversario de los cien años del controvertido y de mala fama Estado Libre de Fiume, lo que también está muy conectado con el futurismo, pensamos que este nombre encajaría muy bien con este nuevo alias.
—Fiume es tu lado más experimental/industrial. ¿Qué te resulta más fácil o más difícil, crear un tema de EBM o uno más experimental?
—Los dos son igualmente fáciles, cuando tengo una idea de lo que quiero hacer. Juego con los sonidos y las ideas en mi estudio, sin importar el alias o género y luego puedo ir en diferentes direcciones. A veces tengo un tema o letras hechas de antemano y desde ahí empiezo a trabajar en una nueva canción o tema. Con la EBM y el material wave, el proceso es probablemente menos aventurero pero todavía retador ya que tiendo a canciones más estructuradas, mientras con el segundo es más entretenimiento para mí ya que dejo que mi mente trabaje más abiertamente.
—En la entrevista que tuvimos con Max Durante, hablamos sobre su relación con el futurismo. Tú también has escrito que “Fiume lives futurism and futurism is now” (Fiume vive en el futurismo y el futurismo es ahora). ¿Cómo piensas que este movimiento artístico ha influido en tu música?
—Me gustan los contextos sociales cuando trabajo en algo. Guy introdujo en el futurismo a Fiume, como mencioné antes. Visto desde los tiempos presentes, el movimiento original de principios del siglo XX suena como otro concepto que es inocente y utópico, aunque muy necesario y muy humano. Siempre hablamos sobre el progreso y que “el mañana será mejor”, vivimos gracias a la esperanza, incluso si sabes que las cosas pueden simplemente ir mal o de alguna forma inesperada al final. La gente se olvida de vivir en el presente y todo el mundo tiene la mira puesta en el futuro, hacía lo que vendrá. En el contexto moderno, el futurismo tiene un concepto mucho más amplio que en sus orígenes y es algo que me atrae más que el que movimiento original. Me gusta el contexto del futurismo del tiempo presente y me gustaría ver qué es lo que significa a distintas personas o grupos de personas. Es más, estoy pensando en cómo se podría desarrollar en los años o décadas que tienen que venir. Mis primerísimos pensamientos sobre como veo el futurismo hoy van a ser publicados en un fanzine local dentro de poco.
Así que, para resumirlo, el movimiento propiamente dicho no influyó en el proceso productivo del primer Fiume, aunque, después de revisarlo, tiene sentido conectarlo con Fiume. Después, sus ideas fueron introducidas en el concepto y dan una capa adicional a los pensamientos sobre los que escribo en mis letras.
—Como comentabas antes, tu primera referencia fue grabada con un Moog DFAM y un Dave Smith Prophet 12. ¿Has mantenido este equipo en el resto de tus referencias?
—El DFAM está reservado estrictamente para Fiume. El resto del equipo, incluyendo algunos sintetizadores DSI, Korg y Nord, además de un pequeño Technosaurus y un Moog Mother 32, son usados por todos mis alias. No tengo un estudio enorme, pero es bastante versátil. Para Fiume además uso una guitarra, Hohner g3t, el modelo usado por Cosey Fanni Tutti. Ya que la idea de la guitarra está inspirada en el sonido de TG, mi primer pensamiento fue que quería una guitarra que fuese tocada por CFT. Es una guitarra sin clavijero, así que estoy manteniendo esa actitud anti r’n’r que caracterizaba a TG.
—La música de Fiume ha sido descrita como una mezcla de Suicide con crudo techno. ¿Cómo crees que la banda de Alan Vega ha influido en tu trabajo?
—Zarkoff me comentó hace mucho tiempo que mis voces en el tema “Liberation” de Honored Matres le recordaban a Alan Vega (Saša probablemente no recuerde esto), supongo que no por el color de la voz, pero más por cómo la procesé. Es algo en lo que no pensé mientras lo grababa, fue inintencionado. Recordando esto, cuando empecé a trabajar en las primeras canciones de Fiume introduje ideas inspiradas por la música de Suicide.
—Has comentado que con este proyecto querías contar historias bizarras y hablar de extraños viajes a oscuros lugares del mundo. Supongo que tu segunda referencia, titulada Haiti podría ser un ejemplo de esto. ¿Querías mantener una línea temática en el proyecto?
—Esos lugares no siempre son oscuros, pueden tener algún contexto oscuro vinculado con su historia o la situación social, económica y/o política actual, pero estos países son generalmente el cielo en la tierra, estando principalmente en las partes tropicales del mundo. Una de las líneas temáticas principales de Fiume está basada en estas experiencias, a menudo místicas y mágicas, ritualísticas. Las creencias tradicionales son inspiradoras.
—Este EP, titulado Haiti estás basado en una temporada que pasaste allí, ¿verdad? ¿Cuál era tu propósito al hacer esto?
—Pasé cuatro meses en Haití, principalmente en zonas rurales. Todo lo que experimenté allí me golpeó realmente fuerte de diferentes formas y abrió mi mente más que ninguna experiencia en general
El sello me contactó con el concepto de la referencia, lo que me gustó ya que ya había usado algunas de las historias de Haití en el primer vinilo de Fiume. Tengo un libro fantástico sobre el vudú haitiano que me ayudó con más ideas. No sé si lo has visto, pero hay un vídeo de uno de los temas de este EP hecho por un amigo mío, usando material grabado durante una ceremonia de vudú y un ritual de sacrificio de animales en un pueblo de Haití.
(enlace: https://www.youtube.com/watch?v=cDmbuGfFhWo )
—Este año has publicado, Fiume II. Según tú, ¿cómo ha evolucionado la música del proyecto en estos años desde tu primer EP?
—Fiume II publicado por L.I.E.S. supuso un enfoque ligeramente diferente en la forma en la que trabajé estos temas en el estudio. Incluí baterías adicionales, mientras que en el primer Fiume casi todas las baterías provenían del DFAM, con la excepción de algunas percusiones. El resto permaneció en su mayoría igual. Solo ahora, mientras trabajo en los nuevos temas de Fiume, estoy teniendo un concepto ligeramente diferente en mente, apuntando en dos direcciones. Una es hacía un sonido más de club, pero todavía crudo, algo que ya estoy haciendo en las actuaciones en directo. La segunda es un sonido más experimental. Algunas de las composiciones nuevas fusionan influencias de Suicide y de TG con ideas adicionales que tengo. La idea es la de no copiar el exacto sonido de artistas que me han influido, es más sobre jugar con él y combinar diferentes ideas. Pienso también en Esplendor Geométrico, Unit Moebius (Anonymous) y en Group A y su producción cuando trabajo en Fiume.
—Tu último trabajo ha sido un EP con Christina Kroupa. ¿Qué nos puedes contar de esta colaboración?
—Ahora bromeamos porque esto iba a ser un proyecto oscuro. No tuvimos éxito en eso, pero todavía estamos muy felices con lo que estamos haciendo. Nuestra primera referencia en KRI fue muy bien recibida, tenemos un tema en Osare! Editions que va a ser publicado este mes y otro en un casete de varios artistas del sello Marguerite Records que saldrá pronto. Además, nuestro segundo EP en vinilo va a ser publicado por un muy buen sello, así que estad al tanto para más noticias. Debería mencionar que, a partir de ahora, estaremos publicando bajo el alias Black Dot.
Para mí es una colaboración muy interesante ya que tanto Christian como yo, además de la música, compartimos muchas ideas sobre las sociedades y lo que ocurre en el mundo. Me gusta muchísimo lo que produce con sus sintetizadores y cajas de ritmos y estoy feliz de hacer de cantante. Me da una nueva imagen, liberándome de estar detrás de las máquinas. Todavía no voy a saltar desde el escenario, pero veamos lo que nos depara el futuro.
—Has publicado un EP en Frigio records y colaborado en un par de sus Frigio All Stars con tus diferentes alias. Además, has actuado en varios de sus eventos. ¿Cómo empezó tu relación con el sello español?
—Después de descubrir el sello, mandé varias demos a Juan Pablo y le gustaron. Eso fue en una época en la que no muchos apoyaban mi producción musical. El tema anteriormente mencionado “Liberation” fue el primero que se publicó. Sneaker, que también actúa en Ombra, también publica en Frigio y está/estuvo involucrado con el sello me dijo que le había gustado el tema un montón. JP y yo nos hicimos amigos rápidamente y continuamos teniendo esta relación artista/sello desde entonces, así que aparecerá otro tema de Honored Matres dentro de poco en otro recopilatorio de varios artistas. Luego ya veremos, quizás más cosas vayan a seguir.
—Disco Panonia es tu plataforma para publicar tus propias referencias, para tu programa de radio y el nombre de tus eventos. ¿Cómo describirías el espíritu detrás de todo esto?
—Ese es mi caos y va bastante bien. Añado cualquier cosa, sin concepto específico pero con un enfoque no purista.
—El festival más famoso de Croacia es el Dimensions en el que has tocado alguna vez. ¿Cómo fue la experiencia? He estado tentado de ir un par de veces, pero es bastante caro. Me da la impresión de que sea un festival para ingleses con pasta.
—Ja,ja, ja, bueno, todos los festivales extranjeros en la costa croata son caros para los locales y no solo para ellos. Hay entradas a precio reducido para los de la zona ex-Yugoslava, aunque a pesar de eso, la gente que va a esos festivales son en su mayoría extranjeros. Fui a Dimensions el año que Model 500 estaba tocando, compré la entrada para ese. Después de eso, he tocado dos veces y he escuchado muy buenos sets y algunos decepcionantes, creo que los DJs tienden a ajustarse a la audiencia del festival y a su concepto. Esto no es algo que esté conectado específicamente con este festival, sino con todos ellos. Generalmente, prefiero los festivales con más actuaciones en directo de diferentes géneros. Uno que me gustó mucho fue Grauzone en La Haya en 2020, justo antes del Covid.
Como artista, la experiencia depende un montó del escenario en el que estará actuando y de la franja horaria, En ese contexto, para mí la mejor experiencia ha sido tocar en el Dekmentel Selectors de este año junto al equipo de bRave procedentes de Zagreb.
—¿Qué podemos esperar en el futuro de Fiume y de Le Chocolat Noir?
—Esperemos que haya más lives y sesiones de DJ y más contrataciones, algo que no es fácil de organizar. Además se está trabajando en más referencias, más colaboraciones también (mantén un ojo en el proyecto Involucija), algunas ya lista para el próximo año. Hay más producción de música conceptual planeada y mucha más rareza que aparecerá a través de algunos de los alias.
—¿Qué podemos esperar de tu actuación en el Ombra Festival?
—Mi actuación combinará las tres referencias y también algunos temas todavía no publicados. Cada live de Fiume es diferente ya que muchas situaciones pasan espontáneamente dentro de la estructura que he imaginado, hay algo de caos implicado. Imagínalo como un ritual, escucha las historias que cuento en diferentes lenguas y crucemos los dedos para que haya un tremendo mega nivel de luces estroboscópicas durante mi actuación para que me ayuden a poneros incluso más en un trance.
