La carrera musical de Carlos Perón, uno de los fundadores de la icónica banda Yello, se ha distinguido por su audacia y espíritu experimental. Tras demostrar su imaginación desbordante en álbumes como Solid Pleasure y Claro Que Sí, dio un salto decisivo con Impersonator, su primer disco en solitario, lanzando uno de los trabajos más inclasificables de la época. Desde entonces, Perón se ha dedicado por completo a su carrera individual, componiendo música para eventos fetichistas y creando bandas sonoras, además de publicar discos en géneros que van desde el ambient y lo experimental hasta el industrial y el trance. En nuestra nueva entrevista, nos comparte detalles sobre algunos de sus trabajos más reconocidos. Carlos será uno de los platos fuertes del festival Ombra, en el que actuará el próximo sábado 6 de diciembre.
—Nuestra primera pregunta es sobre tu nombre y apellido. ¿Tienes origen español?
—Carlos: En estricto sentido, no tengo un origen español, sino una inmensa afinidad por todo lo español: el idioma, el arte, la historia y la gastronomía. El nombre proviene del italiano “Peroni” y evolucionó a “Perón” con el tiempo. Es probable que cuando Lombardía aún formaba parte de la Confederación Suiza, los Peroni emigraran a los cantones originales. Con la continuada emigración, surgió el nombre “Perón”, como se puede ver en París, donde viven muchas personas con ese apellido. La historia que afirma que soy el único descendiente vivo de Evita Perón fue iniciada por la prensa musical internacional. “Se non è vero, allora va bene”.
—En los años 60, viste un concierto de Karlheinz Stockhausen y decidiste producir música electrónica. Además, elegiste Kommunion und Intensität como uno de tus álbumes favoritos. ¿Cómo ha influido Stockhausen en tu forma de hacer música?
—Carlos: Para mí, las influencias significan adquirir conocimiento. El concierto de aquella época fue realmente impresionante. Tuvo lugar en el Museo Suizo de Transporte en Lucerna. Se instalaron luces debajo de cada asiento, que se iluminaban cuando se golpeaba el plectro de acero. Las cuerdas clásicas interactuaron milagrosamente con el estruendo industrial, todo interpretado estrictamente según la partitura, por supuesto. Internalicé este tipo de música, sonido y ruido de tal manera que sentí la necesidad de hacer grabaciones en fábricas industriales.
—Dos álbumes que, según tú, cambiaron tu vida provienen del universo del free jazz: Nuits de la Fondation Maeght de Sun Ra y Lawrence of Newark de Larry Young. Ambos artistas/líderes de banda eran tecladistas. ¿Influyeron en tu forma de tocar o tuvieron influencia de otras maneras?
—Carlos: Cuando aún tocaba con Urland, estaba de moda una especie de imitación del free jazz. Había coleccionado muchos instrumentos tradicionales de mis viajes a Marruecos y experimentamos con ese sonido caótico. Fue emocionante por un corto periodo, pero finalmente fracasó debido a nuestra falta de dominio de los instrumentos. Dejé la banda durante ese período para seguir estudios musicales más avanzados. Larry Young (The Lawrence of New Ark), fue un magnífico organista que inventó el sonido de órgano distorsionado. Probablemente no hay ningún disco que coleccione con más frecuencia. Esa excéntrica genialidad combinada con psicodelia tribal. Y sí, Sun Ra. Lo vi en vivo en Ginebra y experimenté de cerca los ritmos del sol. Te sientes arder cuando te dejas llevar intensamente. También disfruté de sus peculiares historias sobre el universo. Quizás por eso hice mi LP Memories of the Future, que trata sobre los Anunnaki.
—Empecemos con las preguntas sobre tu carrera. Después de tocar los teclados en Urland, como comentas, creaste Tranceonic con Boris Blank. Dijiste que durante ese tiempo “Lo que importaba era la experimentación”, algo que has seguido haciendo en tu carrera. ¿Cómo era un día normal en el estudio? ¿Uno de vosotros tenía una idea y trataba de desarrollarla?
—Carlos: Justo después de que la banda Urland se disolviera, empaqué mi equipo. Boris y yo habíamos estado tocando piezas ambientales meditativas por nuestra cuenta, improvisando completamente, por supuesto, así que me preguntó si podía unirse a mí. Así que, después de probar distintos nombres como U.R.Q?, Astronic y, finalmente, Tranceonic, decidimos construir nuestro estudio. El estudio se construyó rápidamente y continuamos improvisando como de costumbre. Un día, eso ya no fue suficiente, y quisimos crear piezas con sustancia. Así fue como surgió la canción “America is Happy”. Nos reuníamos cada miércoles para crear nuevas piezas. Cada uno podía contribuir con lo que hiciera que la pieza fuera genial y moderna. Por supuesto, siempre preparaba cenas especiales, y luego escuchábamos las piezas en mi sistema de alta fidelidad para revisarlas. También íbamos a discotecas con una cinta en la mano y le pedíamos al DJ que la pusiera. En la discoteca, nos dábamos cuenta de que estábamos en el buen camino. Cada día era especial. Lo normal era solo The Normal. Queríamos conquistar el mundo, pero no de manera imprudente.
—Con Yello, firmaste con Ralf Records, el famoso sello creado por The Residents. ¿Por qué lo elegiste, siendo americano y vosotros suizos? ¿Pensaste que la música de Yello se ajustaba a su enfoque musical?
—Carlos: En ese momento, Yello aún no existía. Como Tranceonic, Boris y yo volamos a Estados Unidos en agosto de 1978 porque planeábamos conseguir un contrato allí. Elegimos RCA en Los Ángeles, y en San Francisco queríamos visitar a Chrome y al sello detrás de Damon Edge. En RCA, obtuvimos una muy buena reacción a nuestra cinta; querían quedársela de inmediato. Sin embargo, eso no fue posible, porque todavía teníamos que ir a San Francisco. Una vez en San Francisco, confundimos las direcciones y terminamos en Groove Street, en casa de The Residents. Llamamos al timbre varias veces, y una increíble chica hippie nos dejó entrar. Había té y marihuana. Ella organizó que Hardy Fox y Jay Clem llegaran rápidamente y nos llevaran al estudio de The Residents. Escuchamos la cinta juntos, y nuestras sonrisas no dejaban de crecer. Hardy y Jay dijeron que era un gran material y les gustaría hacer un LP. Yo dije: “Genial, podemos hacer eso, pero primero tenemos que ir a México.” La historia continúa meticulosamente en los libros de Jonas Warstad, The Yello Chronicles 1976-1984. Disponible en Amazon.
—Con Tranceonic, grabaste una primera versión de “Bostich”. ¿Qué nos puedes contar sobre la composición de este clásico tema?
—Carlos: El sonido detonante original de “Bostich” vino de una configuración del ARP Odyssey con secuenciadores ARP vinculados. El sonido era como si se estuviera grapando papel con un bostich. Por eso, en aquel momento, le di ese nombre a la pieza. Sabía lo que era un Bostich (¿realmente se escribe Bostitch?). Os mando una foto. Una vez que tuvimos controlado el sonido principal, llegaron las grabaciones creativas, como cuerdas, bajo, ruido blanco y sonidos de estrellas fugaces. La versión original también contaba con una guitarra New Wave y, por supuesto, sin Dieter Meier, porque ni siquiera sabíamos quién era él. En esos momentos, era un tema genial para conducir.
—Con Yello hiciste un video muy innovador, “The Evening’s Young”, y también se te atribuye ser el primer artista que editó un video musical a partir de una película. ¿Qué nos puedes contar sobre esto?
—Carlos: Sí, el primer video de Yello fue “The Evenings Young”. Un video en stop-motion. Dieter hizo el trabajo de cámara, yo me encargué de la iluminación y los accesorios. Básicamente, todos hicimos de todo en la oficina de Dieter con su asistente, Peter. Se filmó en 16 mm y se editó a mano. Para la aparición de Dieter, la televisión suiza incluso trajo un equipo de cámara profesional. Dieter quería ser visto bajo la mejor luz. Incluso tuvimos un estreno de video en el cine Frosch en Zúrich con una recepción de champán y la elegancia de la ciudad. Todo esto coincidió con el lanzamiento del LP Claro que sí. Después vino “Pin Ball cha cha”, que luego terminó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aprendí rápidamente el oficio de la creación de videos. Cuando trabajaba en Commando Leopard, mi idea fue preguntarle al productor, Erwin C. Dietrich, si podía editar un video de la película. Él aceptó y encontró la idea fascinante. Luego se llamó “Original Video Soundtrack Commando Leopard.” En EE. UU., tuve una campaña de video promocional de McDonald’s; el clip se proyectó en todos los restaurantes de McDonald’s del país. Todavía es un gran éxito hoy en día.
—Tu primer álbum en solitario fue Impersonator, que recientemente fue reeditado por Mecanica Records. Es un disco bastante extraño y único con influencias de la música concreta. ¿Fue fácil encontrar un sello que lanzara un álbum tan diferente? ¿Cómo fue recibido en su momento?
—Carlos: Mi álbum en solitario Impersonator fue publicado por el sello competidor Konkurrenz, a cargo de Tomi Richter en ese momento. Chris Lunch también fue fichado al mismo tiempo. El material promocional consistía en que yo era 1/3 de Yello o “el esqueleto de Yello”. El sello competidor fue fundado por Phonogram International durante la época de la Neue Deutsche Welle (Nueva Ola Alemana), y como teníamos un contrato como Yello con Phonogram, fue fácil conseguir que publicaran mi álbum en solitario. Hasta ahora hay cuatro álbumes de Impersonator. El número 2 apareció en Play it again, Sam, el número 3 en Aus lauter Liebe de Alfred Hilsberg, y el número 4 en EISENBERG/subculture. Un día, José de Mecanica me contactó y me dijo que quería Aborted at Line 6, así como Impersonator y Nothing is True; Everything is Permitted. Así es como funciona: los sellos me preguntan si pueden tener esto o aquello y si pueden lanzarlo.
—Ya que lo comentas, en 1982 lanzaste un sencillo con una banda llamada Aborted At Line 6. Compré la re-edición de Mecanica, pero honestamente no sabía que estabas involucrado en este proyecto. ¿Qué nos puedes contar sobre esta banda con un nombre tan original?
—Carlos: Sí, eso es muy divertido, aparentemente pasaste por alto la tarjeta de autógrafo incluida. Mostraba a todos los miembros de la banda en lo que era esencialmente una foto de pasaporte. El proyecto surgió así: en ese momento, trabajaba para una empresa que vendía productos electrónicos como baterías, grabadoras, consolas de mezcla, etc. En el mismo escritorio estaba Urs Steiger de Off Course Records, que también era el mánager de Grauzone. Los otros miembros del proyecto también trabajaban allí. Además, había un ritual (impensable hoy en día): todos tenían que traer una botella de champán Mumm por la mañana, que luego se dividía y debía terminarse antes de que llegara el director. Esa locura dio origen a la idea de “Telion Boy”. Andy Fürer tenía un estudio con equipo TEAC. Me preguntaron si quería participar en el proyecto Aborted at Line 6. De manera titubeante, acepté y luego llevé a Chris Lunch conmigo, y en dos días el maxi estaba terminado. Llevé mi equipo y simplemente comenzamos a tocar sin ninguna preocupación.
—Luego grabaste una banda sonora (Die Schwarze Spinne). ¿Cómo llegaste al mundo de las bandas sonoras? ¿Te gustan las películas para las que haces bandas sonoras, o te da lo mismo?
—Carlos: La solicitud para la partitura de La Araña Negra llegó a Yello Sound Production por Mark M. Rissi. Él imaginaba una especie de techno con guitarras eléctricas. Dado que en ese momento estaba trabajando en cosas relacionadas, fue perfecto para mí, y la demos que hice me consiguió el trabajo para toda la banda sonora. La produje en Sunrise Studio junto a Rissi. En ese momento, la mezcla se hizo en mono para Lichtton. Más tarde, hice una versión estéreo para la banda sonora original, que luego fue lanzada a nivel mundial por Milan Records. Mi amigo de la escuela, Chico Hablas, tocó las guitarras, por supuesto, al igual que hizo más tarde para “Commando”. Me encantan las bandas sonoras de películas. Aún las compro físicamente. La última que conseguí fue la de TRON, grabada por NIN. Cuando recibo un encargo de banda sonora, siempre considero si de alguna manera encaja con mi estilo. Por supuesto, no hago todo solo por dinero.
—Uno de tus sencillos de esa época fue un clásico de la escena de baile. Estoy hablando de Commando Leopard, tema que una vez definiste como disco-metal. Algunos de tus trabajos, como Powerfrancefer, estaban, digamos, orientados a la pista de baile. ¿Ves tu música como “música de baile”? ¿Crees que la mayor parte se puede bailar?
—Carlos: Claro, puedes hacer movimientos de baile con muchos de mis temas. Pero realmente no hago pura música de baile. No pienso si algo es compatible con el baile, como hacen algunos DJs, por ejemplo, aquellos que se dedican a la música de baile. Eso atrofiaría mi creatividad. Por supuesto, necesitas un ritmo muy bueno, pero eso, para mí, fluye naturalmente. Hice POWERTRANCEFER para DINO Music. Primero, un maxi-sencillo en un estilo house/techno/acid, luego el CD. El éxito fue Planetas viviendos. Tengo que decir que, en ese momento, ya había olvidado el techno, en Alemania no despegó realmente hasta principios de los 90. Por supuesto que lo hice. Luego fui de en una gira, que fue una auténtica rave, durante dos años.
—Volviendo a la música de baile, una de las ediciones de tu tercer álbum, Nothing is True; Everything is Permitted, viene con versiones de 33 RPM New Beat. Leí que algunas de estas canciones fueron pinchadas por DJs de la escena New Beat a una velocidad más lenta. ¿Sabes más sobre esto?
—Carlos: Sí, incluso Wikipedia sabe de eso. El álbum Nothing is True; Everything is Permitted fue lanzado a finales de 1983 aunque la etiqueta marcaba “p. 1984.” Esa era la política del sello en ese entonces para mantener el disco actual. Fui a Ricco Sonderegger para que cortaran el disco en vinilo. Y he aquí que el tiempo de reproducción era demasiado largo. Tampoco había forma de cortar la cinta maestra. Así que decidí cortar un lado a 45 rpm y el otro lado la misma música a 33 rpm. Llamé a eso el “World Cut.” Solo la edición original tiene esta etiqueta plateada en la funda. En ese momento, no existía tal cosa como New Beat o algo así. Sin embargo, en su confusión, los DJs a veces pinchaba el tema a 33 rpm y otras veces a 45 rpm. La versión a 33 rpm (la lenta y pesada) luego estableció la tendencia en el New Beat belga. En 1988, Kenny Gates de PIAS firmó todo eso.
—Como productor, has trabajado con bandas como Wolfsheim, Second Voice o Eisbrecher. Hay algunos productores famosos por ser bastante intrusivos, ¿cómo te consideras tú como productor?
—Carlos: Buena pregunta, creo que soy ambos. A veces tienes que intervenir, y a veces no; a veces simplemente dejas que fluya, y sí, ahí es donde se mezcla el proyecto. Hay bandas o músicos que tienen el talento para mezclar sus canciones, pero muchos se enfrentan a un montón de desafíos, y entonces debes intervenir. Si alguien quiere que produzca su música, tiene que esperar que aparezca un cierto toque Perón.
—En 1992 lanzaste Terminatrix, la banda sonora de una actuación fetichista en Colonia. ¿Cómo compones música para un espectáculo como ese? ¿Hiciste alguna
“investigación” en la escena fetichista antes?
—Carlos: Siempre he tenido una debilidad por la moda elegante y orientada al fetichismo. No necesitaba hacer ninguna investigación, ya que estaba bastante familiarizado con el género. En 1972, un conocido periodista musical me llamó y me preguntó si estaba interesado en componer música para un espectáculo fetichista. Dije que sí, por supuesto, solo si los precios de las entradas eran adecuados. Luego me dio la información de contacto de Techcom, la empresa que iba a organizar el evento. Tuve una cita con el CEO, Peter W. Czernich, el inventor de TERMINATRIX. Techcom publicaba la renombrada revista erótica “O.” Me habló del storyboard para el espectáculo TERMINATRIX. Pensé que la idea era fantástica y llegamos a un acuerdo. Él me proporcionó las imágenes correspondientes, a partir de las cuales debía crear la música. Fue todo increíblemente emocionante. Aproximadamente un mes después, terminé el espectáculo; todo el personal estaba encantado y lleno de elogios por la música que había creado. Luego vinieron los ensayos para la actuación en vivo. El coreógrafo era Melvin Louis de Nueva York. Al final, fue un espectáculo de fantasías fetichistas bailables. Bose proporcionó una consola de mezcla y un sistema de sonido octofónico. Podía mover los sonidos desde el escenario a través del techo, así como a la izquierda, a la derecha, hacia adelante y hacia atrás. La estación de televisión Premiere de Hamburgo filmó todo como un evento deportivo. Poco después, TERMINATRIX fue lanzado en CD y vinilo en mi nuevo sello, 10,000 Zippers. 33 años después, creé un nuevo TERMINATRIX para Peter W. Czernich y amigos, que se estrenó en AVANGARDISTA en Múnich el 8 de noviembre de 2025. TERMINATRIX Ready to Shine está disponible en todo el mundo en todas las plataformas digitales. Se seguirán lanzando ediciones especiales en CD y vinilo.
—Dos años después, comenzaste tu serie “Salle” con La Salle Blanche. Estos álbumes se incluyeron en 11 Deadly Sins, la compilación de tus álbumes fetichistas. Pero aquí la música es un poco más ambient que la que encontramos en Terminatrix. ¿Cómo definirías el concepto detrás de la serie “Salle”?
—Carlos: Sí, exactamente. Para entender esto, necesitas saber que Peter W. Czernich me preguntó si podía hacer un largo mix fetichista, porque hasta donde él sabía, algo así no existía. Encontré la idea fascinante y comencé de inmediato en el estudio. Pero pensé que necesitaba un narrador francés. Ahí fue cuando pensé en mi buena amiga de Neuchâtel, Tina Duvoisin. Ella dirigía una elegante estación de radio local y tenía una voz increíblemente erótica. Entonces, ella habló en su divino francés en el tema “La salle blanche”. Ese fue el primer largo mix fetichista tal como lo había imaginado Peter. El CD se lanzó de inmediato en 10,000 Zippers y ha sido un gran éxito hasta ahora. El sonido se convirtió en el estándar en Domina Studios a nivel mundial. Lo presenté en incontables eventos fetichistas tanto privados como comerciales. Luego tuve la idea de hacer “La salle violette” y otras “Salle” de colores. La diferencia con el primer TERMINATRIX es que los espacios estaban destinados a jugar, lo cual requiere misticismo, una atmósfera misteriosa y voces lascivas, no composiciones pop/rock/techno/industrial.
—¿El humor tiene un lugar en la música según Carlos Perón?
—Carlos: Oh sí. No podría vivir sin humor y risas en este mundo de negocios, a veces árido y degenerado. Me encanta el humor seco, incluso el sarcasmo. Siempre lo incorporo a mi música. Por ejemplo, está en el tema “Navigator Wunderbar” (Maravilloso Navegante). Tenía un BMW 730i con el primer sistema de navegación incorporado. La voz sonaba severa y distorsionada, casi como Adolf Hitler. Lo grabé en cinta DAT durante 50 kilómetros y tenía todas las frases en la cinta. Decía cosas como “mantente a la derecha”, “mantente a la izquierda”, “recto adelante” o “rotonda adelante”. Al final de la pista decía: “Estás saliendo del territorio digitalizado”. Eso es suficiente para provocarte una risa incontrolable. Y, por supuesto, me encanta Spike Jones.
—Otro álbum curioso fue Miles of Perón, un homenaje a Miles Davis. También mencionaste On the Corner como uno de tus álbumes favoritos. ¿Cómo te surgió la idea de hacerlo?
—Carlos: La frase “Miles of Perón” vino de un amigo/seguidor fallecido. Él sabía que estaba profundamente metido en la música de Miles Davis y sugirió el título del álbum durante una tarde de copas. Como siempre anoto todo, redescubrí la nota años después y decidí hacerlo. Tenía un asistente joven y ambicioso trabajando en el estudio en ese momento. Creé un guion gráfico con los títulos correspondientes, y luego comenzamos. Hice un tributo a Larry Young, uno a Mtume y, por supuesto, a Miles. Es Jazz Nouveau, después de todo. Y sí, On the Corner es un álbum que todo el mundo debería escuchar.
—Tu último álbum es Start Again, grabado junto con la banda alemana Melting Rust Opera. ¿Qué nos puedes contar sobre tu último trabajo (si es que no has lanzado otro mientras escribía las preguntas)?
—Carlos: Melting Rust Opera es una banda que ha lanzado varias temas en DARK DAZE music INC. Start Again es de Carlos Perón con Melting Rust Opera. El cantante de MRO me preguntó si podía hacerle un tema de heavy metal que pudiera cantar. Y lo hice. Le construí una pista de metal de argento en el estilo de Suicide. Actualmente estoy trabajando en un segundo tema para él. Se lanzará en enero. Es similar a la colaboración con Captain Minigroove o Superstalin. Ellos escriben las letras y cantan, y yo creo el sonido. Aquí están los lanzamientos más recientes: Feuerherz de Carlos Perón & Captain Minigroove, fecha de lanzamiento 6 de noviembre de 2025 – Dreck weg! Carlos Perón & Captain Minigroove, fecha de lanzamiento 31 de octubre de 2025 – TERMINATRIX Ready to Shine fecha de lanzamiento 9 de noviembre de 2025 – lo mejor es consultar mi página web: carlosperon.de
—Hablando de metal industrial, tuviste un proyecto paralelo con Man Curtz llamado Dark Ruler, con el que lanzaste un par de álbumes en los noventa. También lanzaste un álbum digital llamado King of Industrial. ¿Cuándo comenzaste a interesarte por la música industrial? ¿Considerarías tus primeros álbumes como “industriales”?
—Carlos: Como mencioné al principio, una de mis pasiones era la caza de sonidos. Antes de que existiera el término “industrial”, creaba paisajes sonoros llamados Lärmbilder en cinta o incluso orgías llenas de risas. Con bandas como Throbbing Gristle, surgió la etiqueta de género “industrial”. Como me gustó el término, lo adopté más tarde para mí. Tengo varios apodos, por ejemplo, Fetish Pope o King of Industrial. Todo esto proviene de la prensa musical. El álbum King of Industrial trata sobre sonidos industriales y ambientales combinados con un toque de psicodelia surrealista. Simplemente tengo esas explosiones de energía cuando estoy gestando un concepto, y luego solo quiero llevarlo a cabo. A veces me permito hacer eso. Otro álbum menos conocido se llama Carlos Perón Switched-on Bosch. No es Bach como lo hizo Walter Carlos, más tarde conocida como Wendy Carlos. Ilustro las pinturas de Hieronimus Bosch, el famoso pintor. Me inspiré en el oscuro álbum de Vangelis, El Greco. DARK RULER fue un precursor de Rammstein. Martin Curtz, desafortunadamente, falleció hace algún tiempo. RIP.
—Después del libro de entrevistas Electro Shaman, estás escribiendo otro libro sobre tu vida, ¿verdad? ¿Puedes contarnos más sobre esto?
—Carlos: Sí, cuando el tiempo lo permite, escribo sobre mis recuerdos. Como he mantenido un diario, tengo un gran archivo. No puedo revelar más. Actualmente, tengo 4 años y pude hornear mi primera pizza, y me negué a ir al jardín de infancia.
—¿Qué planea Carlos Perón para el futuro? ¿Computadoras cuánticas y 32 bits de alta resolución en streaming?
—Carlos: Sí, completamente. No puedo esperar. Y componer directamente desde el sueño en el DAW, por supuesto. Y el próximo álbum de Carlos Perón & Captain Minigroove $Electric Boomer Land$ fecha de lanzamiento 6 de diciembre de 2025 en San Nicolás.
—Con una discografía tan variada, ¿qué podemos esperar en Ombra?
—Carlos: He preparado un set fantástico para Ombra. Incluye temas de los 80, de los 2000 y algunos nuevos éxitos nunca antes escuchados. También he creado un video para todo el espectáculo que se reproduce sincronizadamente; no revelaré más que eso.
