Entrevista a Telephasycx!

Foto de portada: Santiago Alguacil 

Experimentación, riesgo y oscuridad son las tres primeras palabras que se me ocurren al pensar en el dúo Telephasycx! Su último concierto en Madrid, en el que presentaban su nuevo disco Collapsing the unknown a la vez que abrían para Samuel Kerridge, fue de lo más impresionante que he visto este año. Aprovechando que van a actuar de nuevo en la capital, hemos hablado con María Gamboa y Vicente Martín sobre sus carreras en solitario, la música de su inclasificable dúo y sobre su sello Rator Mute, del que somos fervientes seguidores. El próximo seis de julio organizan en el Specka uno de sus fantásticos eventos con MANASYt en el que también podremos ver al dúo, aunque esta vez por separado.

Foto: Santiago Alguacil 

—Vicente, fuiste parte del colectivo Hard Taste con el nombre de DJ Sono. Hace poco hiciste un streaming homenajeando esa época. ¿Cómo recuerdas esos días?

—Sí, formé parte del colectivo Hard Taste. Esos fueron los inicios de mi carrera musical y mi aprendizaje como DJ. Organizábamos fiestas clandestinas en Madrid y fuimos creciendo hasta convertirnos en un colectivo de referencia en nuestra ciudad. En aquella época también empecé a experimentar con máquinas analógicas y con la producción musical. Fue fantástico poder compartir experiencias con DJs internacionales que venían a pinchar y, sobre todo, con el público. Pinchábamos delante de mil personas o incluso más. El techno estaba en pleno auge, y me fascinaba toda esa música nueva que llegaba a las tiendas. Antes no era como ahora, que encuentras todo en Internet; costaba mucho encontrar esos discos y era mágico.

—Spheroid 518 es el AKA que utilizas en solitario. Aparte de pinchar, ¿has hecho también producciones? ¿Qué música sueles poner con este nombre?

—Spheroid es mi AKA en solitario. Durante mucho tiempo fue DurbanNoise, pero hace unos años decidí cambiar y desarrollar un proyecto nuevo. Spheroid es oscuridad y música experimental, todo lo que sea underground en cualquier estilo. No me cierro a nada y tengo claro que al final voy evolucionando, y pienso que eso es lo importante. Ahora estoy muy metido en la postproducción; he montado un estudio de mezcla y mastering que compagino con mi grupo Telephasycx! y nuestro sello RatorMute. Todo va de la mano. Todavía no he publicado nada de mi música como Spheroid, pero no me preocupa; estoy muy centrado en Telephasycx!. Más adelante seguro que saldrá algo.

—Eres un apasionado del techno de detroit de los noventa. ¿Es la música que te marcó al interesarte por la electrónica?

—Sí, totalmente. El techno de Detroit de los noventa fue la música que me marcó e hizo que me interesara por la electrónica.

—María, empezaste en el mundo de la música tocando el bajo ¿no? En tus comienzos tocabas con bandas de post rock y free jazz. ¿Fue esa la época de 20 Fire Minutes o estabas en otros proyectos?

Foto: Natalia del Amo

—Sí, efectivamente comencé en el mundo de la música como bajista de grupos con influencias de post-rock, noise y no-wave. Años más tarde, formé junto a otros músicos de jazz en Berlín el proyecto 20 Fire Minutes. Este proyecto de free-noise-jazz fue paralelo a mi paso por yo-Raid!

—Con yo-Raid empezaste a tocar la  guitarra, ¿verdad? Grabaste un disquete con este proyecto llamado Runner SPCTR Runs!, una forma bastante original de presentar vuestra música. ¿Qué te hizo cambiar de instrumento? ¿Qué nos puedes contar de este proyecto?

—Sí, efectivamente, con yo-Raid! mi instrumento principal fue la guitarra, aunque durante los años en los que el grupo estuvo activo tuvimos diferentes formaciones y solíamos cambiarnos los instrumentos. Lo que me hizo empezar a tocar la guitarra fue sentir que podía expresar mis sentimientos de una forma mucho más visceral y acorde con la realidad del momento. Este proyecto fue fundado por un amigo y por mí, con claras influencias del noise, la no wave y el avant-garde japonés. Nos gustaba la improvisación y por el grupo pasaron multitud de músicos, baterías, saxofonistas, guitarras y bajistas afines a nosotros. Musicalmente hablando fue una época maravillosa, éramos jóvenes y lo vivíamos todo con mucha intensidad. Runner SPCTR Runs! fue editado en disquete y la verdad es que nos encantó la idea de ese formato. Creo que es bastante guay que no esté al alcance de todos poder escucharlo, ya que la versión física es bastante diferente a la que se puede escuchar en internet. A día de hoy, pocos pueden escuchar lo que realmente se grabó.

—Marymotto es otro proyecto que empezaste en Berlín y con él grabaste un disco con Kontroljet. ¿Fue ese tu primer proyecto en solitario? ¿Te marcó de alguna forma en tu evolución musical tu época en la capital alemana? Con Marymotto empiezas a añadir cajas de ritmos a tu música, ¿verdad?

—Sí, mi primer proyecto en solitario fue Marymotto. Ese proyecto lo inicié en Berlín introduciendo cajas de ritmo porque al principio de vivir allí no tenía a nadie que tocara la batería y necesitaba a alguien para tocar, jejeje. Quizá Berlín me marcó de esa forma, el tener que volar sola, porque mi estilo ya lo tenía bastante arraigado y lo mantuve tras mi paso por allí. Berlín me influenció en otros aspectos, por ejemplo, en introducirme en el mundo audiovisual como el cine o el videoarte bajo el proyecto Marymotto-Rec!

—Con este aka colaboraste con Música Dispersa y has tocado con muchos de tus proyectos en los eventos organizados por Roberto Vilela. ¿Alguna ocasión que te haya parecido más especial?

—Pues la verdad es que Roberto siempre ha estado ahí para dejarme martirizar al personal con mi ruido desde hace muchos años. También Zarata Fest, desde sus inicios, ha confiado en todos los proyectos que he tenido y ahora, más que nunca, quiero agradecer y felicitar a Mikel por todo ello; se lo merece.

—Todo esto te llevó a la improvisación, y pasaste una temporada en Nueva York aprendiendo más, ¿qué nos cuentas de esa época?

—Me fui a Nueva York porque quería formar un grupo de free-jazz y lo primero que hice, como cualquier amante del jazz, es ir a la tienda de John Zorn a poner un cartel para buscar músicos afines. Tuve suerte y pude formar mi primer proyecto de jazz en Nueva York tocando el bajo. La cosa fue intensita también… para variar… ja, ja, ja, ja.

Foto: Santiago Alguacil

—Otro de tus proyectos en solitario es NonZero! con el que te dedicas al electro, noise e industrial. ¿Fue este proyecto la antesala de Telephasycx! o una prolongación de Marymotto?

—NonZero! es mi aka para las producciones de música experimental con toques más electrónicos y sin guitarra eléctrica y usando más ampliamente sintetizadores. No lo considero ni una extensión ni una antesala, sino conceptos diferentes.

—¿Qué nos cuentas de tu disco Matrix Equation del 2019? Conociste a Andrea Parker en un evento de Música Dispersa en el que tocabas con ella, ¿no? Además, Carl Finlow estuvo involucrado en la grabación, ¿verdad?

—La verdad es que fue un privilegio poder compartir escenario con Andrea. Ese día conectamos musicalmente un montón, encontré una persona muy afín a mí en cuanto a gustos, no solamente musicales sino en la mayoría de los planos artísticos de los que hablamos y forjamos una bonita amistad. Como resultado, me propuso sacar un LP en su sello Touchin’ Bass. El hecho de que Carl Finlow y Noel Summerville estuvieran involucrados en la producción del disco fue muy enriquecedor y todo un subidón.

—Otros proyectos tuyos han sido Marrash, Delusions of the Fury, Minima Moralia, Korsakoff 17-83 ¿Alguno a destacar o que creas que ha sido importante para tu evolución en Telephasyxc!?

—Creo que son especies diferentes pero que me transmiten la misma energía bulliciosa.

—Pasando ya a Telephasycx!, habéis comentado que la banda sonora de una peli canadiense os hizo montar el proyecto, ¿Nos podéis contar algo más de esto? ¿Qué banda sonora y qué película fueron?

—¡Claro que sí! La película que nos inspiró fue “Beyond the Black Rainbow”, una obra canadiense de terror y ciencia ficción. La banda sonora de esta película nos conmovió profundamente. Aunque parecíamos venir de mundos musicales diferentes, descubrimos que éramos muy parecidos musicalmente y encontramos un punto en común crucial en Telephasycx! al escucharla. La atmósfera oscura, experimental y casi hipnótica de la música nos envolvió por completo y nos llevó a iniciar Telephasycx!. Sin duda, esta experiencia marcó el inicio de nuestra colaboración y definió la dirección de nuestra música.

—De las influencias que señaláis en Bandcamp, la verdad es que no conocía a Consumer Electronics. ¿Qué os interesa de esta peculiar formación?

—Nos flipa la energía y el sinvergüenzismo de Consumer Electronics, ¡ja, ja, ja! Su estilo directo y crudo en la música electrónica y el ruido nos encanta. Además, nos gusta que no tengan miedo de tocar temas incómodos o provocativos en sus letras. Por eso los consideramos una influencia importante para nosotros.

Foto: Santiago Alguacil

—Como siempre nos gusta hablar de ellos, me gustaría que me hablarais de como os ha influido Esplendor Geométrico y  qué encontráis interesante en su propuesta?

—Esplendor Geométrico es una banda mítica de nuestra ciudad que siempre nos ha inspirado. Son pioneros en la música industrial y ruidista en España, y sus discos, en todas sus épocas, son tan canallas que han dejado una huella profunda en nosotros. Nos encanta cómo fusionan elementos industriales con ritmos hipnóticos y una actitud desafiante.

Lo interesante es que, al final, encontramos que tanto Consumer Electronics (EE. UU.) como Esplendor Geométrico (España) tienen mucho en común. Ambos comparten una actitud hacia la música que nos gusta.

—¿Cómo componéis? ¿Tenéis algún método especial? ¿Quién se encarga de cada cosa?

—No tenemos un método concreto para componer. Por lo general, comenzamos a trabajar en una idea o concepto y vamos desarrollando la canción a partir de ahí. Ambos participamos en todas las fases de la composición. A veces uno de nosotros empieza a desarrollar una idea y luego el otro continúa con la composición de la canción hasta que se va formando el tema. Es un proceso colaborativo en el que cada uno aporta su creatividad y perspectiva para dar forma a nuestras canciones.

—En el 2019 sacasteis la primera referencia de vuestro sello Rator Mute con el que ya lleváis varios discos publicados. ¿Cómo surgió la idea de embarcaros en la aventura que es crear un sello? ¿Teníais alguno como modelo?

—En 2019 decidimos crear nuestro sello para lanzar nuestra propia música y, más tarde, ampliamos el proyecto para incluir a otros artistas que nos gustaban. Con este proyecto, podemos compartir y promover música que nos inspira. Hay tantos sellos que nos gustan, pero no teníamos un modelo específico en mente; simplemente seguimos nuestro instinto y nuestra pasión por la música.

—¿Cómo veis el panorama de sellos de electrónica actual en España?

—¡El panorama de sellos de electrónica en España está en constante evolución! Hay una gran diversidad de sellos emergentes que están haciendo cosas interesantes, desde los más underground hasta los más establecidos. Nos gusta ver la variedad de propuestas y estilos que están surgiendo, y cómo se están abriendo paso en la escena internacional.

Foto: Marta Zarauza

—Qué pasó con la serie de cds que pensabais publicar? ¿Era eso el proyecto del pasado, presente y futuro de la música electrónica?

—El proyecto se llama “Past, Present and Future of Electronic Music”. Se centra en explorar la historia de la música electrónica y analizar varios movimientos artísticos y compilaciones musicales desde 1913.

El primer lanzamiento de esta serie es una compilación digital titulada The Futurist, The Art of Noises, que se lanzará en Rator Mute Records. Este proyecto se inspira en el manifiesto “The Art of Noises” del futurista Luigi Russolo, publicado en 1913, y en el primer concierto “Art of Noises” que organizó en 1914 en Milán, donde utilizó sus Intonarumori, instrumentos acústicos ruidosos descritos por Russolo como “ruidosos instrumentos acústicos, cuyos sonidos (aullidos, rugidos, golpeteos, gorgoteos, etc.) eran activados manualmente y proyectados mediante vientos y megáfonos”.

La idea es hacer una compilación digital donde los músicos compongan su música utilizando o inspirándose en la forma compositiva de los movimientos que vamos incorporando en el proyecto, recorriendo así la historia de la música electrónica y diferentes movimientos artísticos desde 1913.

Sin embargo, aún no hemos recibido suficientes propuestas que encajen perfectamente con el concepto. Por eso, hacemos un llamamiento a todos los artistas que quieran participar a enviar su propia representación sonora de los Futuristas y The Art of Noises a [email protected].

—También habéis organizado varios conciertos, de Ultradyne a Belief Defect, siempre en horario de tarde. ¿Qué clase de artistas os gusta traer a vuestros eventos?

—En Rator Mute Records siempre nos gusta traer artistas que ofrezcan su lado más transgresor y que puedan expresarse con total libertad en el escenario. Nos inclinamos hacia artistas no convencionales, aquellos que exploran nuevos territorios sonoros. Desde Ultradyne hasta Belief Defect, pasando por artistas como Samuel Kerridge o Tatsuru Arai, siempre buscamos ofrecer un espacio para la experimentación y la innovación en nuestros eventos.

Además, preferimos organizar nuestros eventos en horario de tarde. Creemos que así se asemejan más a un concierto, que es lo que queremos transmitir con nuestros eventos. No los concebimos como eventos de club, sino más bien como un espacio donde los artistas pueden expresarse libremente y donde el público puede disfrutar de la música en un ambiente más relajado y abierto.

—Habéis remezclado a Jauzas the Shining y a MANASYt ¿cómo enfocais vuestras remezclas?

—Cuando trabajamos en remezclas de otros artistas, nuestro enfoque principal es respetar y capturar la esencia que el artista ha plasmado en su canción original. En el caso de Jauzas the Shining y MANASYt, nos tomamos el tiempo para entender profundamente lo que hace única a cada pista: sus texturas, atmósferas y el sentimiento que evocan. Nuestro objetivo es crear una remezcla que no solo rinda homenaje a la obra original, sino que también aporte algo nuevo y fresco. Es fundamental para nosotros captar la esencia que el artista ha plasmado en su canción y llevarla a nuestro concepto como Telephasycx.

—Vuestro segundo disco publicado en vuestro sello Razor Mute fue un split con Silicon Scally, ¿cómo surgió esto?

—El split con Carl surgió de manera natural. Siempre hemos sido grandes admiradores de su trabajo y creemos firmemente que es un artista increíble. Por eso, queríamos que formara parte de Rator Mute Records. Fue una oportunidad maravillosa y un gran honor poder trabajar con él en la edición del disco.

La idea de colaborar con Carl en un split fue emocionante desde el principio. Nos encanta su enfoque innovador. Además de editar su disco, también tuvimos el privilegio de participar en él con dos de nuestras propias canciones. Esto nos permitió no solo colaborar con un artista al que admiramos, sino también aportar nuestro propio estilo y visión a la obra conjunta. Fue una experiencia enriquecedora que nos permitió aprender mucho y crecer como músicos.

Estamos muy orgullosos del resultado final del split. Creemos que combina lo mejor de ambos mundos: la creatividad y el talento de Carl junto con nuestra propia interpretación y estilo.

—¿Os influyó de alguna forma compartir split con Silicon Scally? ¿Intentasteis adecuar vuestra música a su material?

—No, no intentamos adecuar nuestra música a la de él. Nuestro enfoque fue aportar nuestra música y nuestro concepto a la obra conjunta, permitiendo que tanto sus canciones como las nuestras mantuvieran su propia esencia.

—Ya que hablábamos antes de él, recordemos que el tercer disco de vuestro sello fue un EP de MANASYt, ¿qué os interesó de este artista búlgaro?

—Lo que más nos atrajo de MANASYt fue su lado oscuro e industrial. Nos apasiona ese concepto y queríamos tenerlo en nuestro sello, al igual que con Carl Finlow, cuya música también nos gustaba mucho. Fue muy gratificante trabajar con él.

—Sí, estamos muy contentos de poder traer a MANASYt a tocar. La verdad que va a ser un evento muy especial ya que cuando le sacamos el disco fue imposible traerle y estábamos deseando hacerlo. Además estaremos haciendo un homenaje a Steve Albini, uno de nuestros mayores referentes. Recorreré toda su discografía desde su primera formación, con material publicado, Rapeman hasta su última formación con Shellac. Por su parte, Spheroid preparará la pista de baile con una sesión de electrónica experimental tocando varias estilos musicales tales como el industrial, ebm o avant garde. Será bastante emotivo todo, así que os animamos a todos los amantes del ruido a que vengáis.

—Vuestro siguiente trabajo propio, Spherical Coordinates fue publicado en Brokntoys, ¿Enfocasteis el disco de alguna forma diferente al grabar para otro sello? ¿Cómo veis vuestra evolución en estos años?

—Siempre abordamos nuestros discos de la misma manera: desarrollamos el concepto del álbum, nos enfocamos en él y trabajamos desde cero. No tenemos canciones predefinidas que simplemente enviamos; preferimos involucrarnos completamente en el proceso creativo. Con Brokntoys, esto fue igual. Spherical Coordinates fue un proyecto significativo y un reto personal para nosotros, ya que Brokntoys es uno de nuestros sellos favoritos. Los cuatro temas del disco son diferentes, pero todos reflejan nuestra oscuridad y esencia característica.

En cuanto a nuestra evolución, creemos que ha sido positiva en nuestra modesta opinión. Seguimos trabajando y componiendo música, que es nuestra verdadera pasión. Además, nos encanta llevar nuestra música al directo, ya que nos permite expresarnos en el escenario y conectar con el público.

—Grabasteis un curioso live para Kenopsia en un edifico semi destruido. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Creéis que era un entorno ideal para vuestra propuesta musical?

—¿Qué podemos esperar de vuestro nuevo trabajo? En directo me pareció bastante oscuro (lo que para nosotros siempre está bien, claro).

—Siempre oscuro ¡ja, ja, ja! Nuestro nuevo trabajo se llama Collapsing the unknown y lo estamos presentando este año. Estamos muy contentos con la acogida que está teniendo. Es un trabajo del cual saldrá un disco más adelante. Nuestra intención es hacer que el público sienta que colapsamos el sonido a través de nuestra música.