A la banda de neo industrial Divine Shade la descubrimos en un lejano 2020 con la publicación de su EP In the Dust. Ya entonces nos llamó la atención la intensidad y valentía de su música. Después nos siguieron sorprendiendo con su single Stars y con el proyecto más electrónico de su fundador. Por eso, hemos querido hablar con Remi Thonnerieux, también conocido como Ren Toner, sobre los comienzos de la banda y su espectacular primer disco Fragments-Vol.1. Aunque, como hemos dicho, ya conocíamos su música fue su actuación en el festival madrileño Santuario lo que nos demostró que estamos ante una banda que no debemos perder de vista.
—En una entrevista dijiste que comenzaste Divine Shade tras haber estado en otras bandas. ¿Por qué iniciaste este proyecto en EL 2013? ¿Cuál era tu objetivo en aquel entonces?
—Ren Toner: En ese momento, tenía 20 años, y mi intención era crear un proyecto donde fuera la fuerza impulsora principal. Los proyectos anteriores a menudo se agotaban: sí, éramos adolescentes y no muy serios, pero también eran bandas reales cuya motivación dependía de un espíritu colectivo. Desde mi perspectiva, eso también representaba una gran fragilidad en términos de perseverancia. Así que me pareció más seguro y responsable saber, de manera consciente, que nadie lucharía tan duro como yo de ahí en adelante.
—En varias ocasiones has descrito tu música como sincera. ¿Crees que estamos viviendo un período en el que la música ha perdido su sinceridad?
—”El éxito” es un rompecabezas en el arte. El mainstream siempre ha abrazado la idea de dirigirse al público más amplio a través de códigos unificadores, aunque el underground a menudo dice que quiere liberarse de ellos, en realidad funciona de una manera muy similar. En 2026, con el peso de los algoritmos, las comunidades se han cerrado en torno a códigos identificables, favorecidos tanto por algoritmos como por programadores. En este contexto, la idea de una sinceridad completamente única se vuelve inevitablemente frágil.
—Creo que la influencia más clara en tu música es NIN. ¿Cómo ha influido Trent Reznor en tu forma de hacer música?
—Descubrir a Trent Reznor fue una verdadera revelación, y Nine Inch Nails se convirtieron en un modelo para mí. La calidad y precisión de su trabajo en todos los aspectos me empujó constantemente a cuestionar el mío, nunca conformándome con lo mínimo y aspirando a una coherencia casi obsesiva.
—Y para terminar con las influencias, en la mayoría de las descripciones de la banda hay referencias a la coldwave. ¿Ha sido importante en tu evolución musical la coldwave francesa original para ti?
—No realmente, no. La coldwave francesa no me influyó mucho, aunque tengo mucho respeto por las bandas. Mi universo musical proviene más de otras fuentes.
—La primera canción que compusiste para la banda fue “From the Sky” cuando aún eras estudiante. ¿Recuerdas el momento de escribir la canción?
—Sí, lo recuerdo muy bien, y “From the Sky” sigue siendo hoy una de mis canciones favoritas para tocar en el escenario, porque en ese tema es donde todo comenzó.
—¿Cómo ves hoy en día tu EP From the Sky, lanzado en el 2014?
—Hoy, miro hacia atrás a este EP con mucho cariño. Aunque el tema no era exactamente el mismo desde el principio, From the Sky, para mí, cuenta la historia de un joven que descubre que la música, como para sus mentores espirituales, puede darle sentido a su vida.
—¿Qué pasó entre el 2014 y el 2020? No hubo nuevas canciones en esos años, ¿verdad?
—Entre el 2014 y el 2020, ciertos cataclismos personales me empujaron hacia una forma de autodestrucción. Algunas cosas colapsaron, mientras que otras luchaban por sobrevivir en la oscuridad. Artísticamente, sentí que el niño ingenuo del primer EP estaba solo imitando torpemente a sus maestros. Enfrentado a la hoja en blanco, me vi como un impostor. El silencio se convirtió entonces en una necesidad, casi un rito de paso. La voz que había hablado hasta entonces aún no era la mía.
—El segundo EP apareció en el 2020 y la evolución desde el primero es clara. El sonido es más grande y profundo. ¿Cómo describirías tu evolución durante esos años? ¿Qué aprendiste?
—Regresé a lo básico, utilizando instrumentos reales y orgánicos, pero el verdadero trabajo sucedió dentro de mí. Me di cuenta de que Divine Shade se convertiría en un proyecto con una meta narrativa. Este EP explora el síndrome del impostor: atrapado en una prisión que yo mismo había construido, sofocado por mis influencias, incapaz de encontrar confianza, flotando en un sentido de despersonalización. Al final, es una historia sobre encontrar una forma de sobrevivir creativamente.
—Para In the Dust creaste un cortometraje dividido en 4 episodios/videos. ¿Puedes contarnos más sobre la elaboración?
—In the Dust fue el período más colaborativo del proyecto. En retrospectiva, para mí, no se alinea del todo con las expectativas estéticas del post-punk o de la darkwave. Pero, me gusta su encanto, parece un mundo inconsciente dentro del universo de Divine Shade. Y con lo que acabo de mencionar, uno podría casi decir que el cortometraje realmente no cuenta lo que ves en pantalla.
—Después de este EP, comenzaste a colaborar con Chris Vrenna, quien remezcló algunas de tus canciones. ¿Cómo lo conociste?
—Lo único que realmente puedo decir es que lo contacté directamente. Hicimos buena química de inmediato, y fue un verdadero honor colaborar con él. Chris es muy amable y apasionado, recuerdo que le mostré “Stars” y que le gustó, y luego al remezclarla me dio un impulso extra de motivación. Espero que colaboremos de nuevo.
—La idea inicial para Fragments era 3 EPs aunque luego se convirtió en un álbum completo. ¿Por qué decidiste hacerlo de esta manera?
—Originalmente, había compuesto suficientes canciones para lanzar una trilogía de EPs. También era algo bastante estratégico: planear varios momentos destacados a lo largo de varios meses o años. Muy pronto, me di cuenta de que no me permitiría experimentar nuevas sensaciones creativas e inmediatas si esperaba a que saliera cada EP, y corría el riesgo de sentirme “desfasado”. Así que decidí fusionar todo en un solo álbum, ya que todo formaba parte de la misma historia. Luego podría contar nuevas historias en los próximos “fragmentos”. No puedo decir aún cuántos habrá, pero un segundo es seguro. No sé si será un EP o un álbum.
—El álbum fue autoeditado gracias a la ayuda de tus fans. ¿Cómo fue la experiencia?
—Ya habíamos realizado una campaña de crowdfunding para el cortometraje In the Dust. Fue realmente bonito ver que a la gente le interesaba saber qué pasaría a continuación en la historia de Divine Shade, y por eso, estoy muy agradecido.
—En cuanto al álbum, has hablado sobre tus profecías autocumplidas. Tengo mucha curiosidad sobre esto, ¿puedes explicarlo?
—Todo el mundo se cuenta una historia para enfrentarse a la vida. Para mí, la música juega este papel con profecías autocumplidas: me permite sentir y procesar mis heridas y, de alguna manera, planear mi sanación e influir en mi futuro estado mental. Por eso siempre trato de encontrar resultados positivos y resilientes en mis letras o en el concepto de mis álbumes. Porque una vez que una canción sale del estudio, comienza a transformar mi realidad.
—”Hate And Oblivion” se basó en algunos problemas de salud que tuviste, ¿verdad? ¿Puedes contarnos más sobre esto y cómo afectó a tu música?
—”Hate And Oblivion” nació de un período oscuro y crítico en mi vida personal. Una profunda rabia casi me consumió, dejando heridas tanto visibles como invisibles. Mis ojos ardían incluso cuando estaban cerrados, y la luz del mundo era insoportable para mí. Me sentía atrapado. Tuve que reaprender a reconectarme conmigo mismo, con la vida.
—Gracias a la gira con Gary Numan, conociste a Steve Fox-Harris, ¿qué puedes contarnos sobre su colaboración en “Oublier”?
—Steve es una persona humilde y amable y tuve la impresión de que solo quería compartir la alegría de hacer música. Recuerdo cuando hablamos de ello, estaba tan feliz… Y cuando recibí sus pistas de guitarra, la canción se convirtió inmediatamente en una prioridad para mí, ya que tanto el tema como la colaboración fueron muy inspiradores. Ya fuera Steve, Chris Vrenna o Chris Payne, estas colaboraciones me hicieron apreciar aún más ese período antes de Fragment-Vol.1, cuando me di cuenta de que lo más importante era simplemente hacer música.
—Algunas canciones del álbum tienen una parte electrónica muy elaborada, como “Heaven”. ¿Qué tipo de música electrónica te gusta en estos días?
—Mis inspiraciones electrónicas son diversas, especialmente las cinematográficas: por ejemplo, la banda sonora de la película Annihilation (2018). Me encanta el tema “The Alien” de Ben Salisbury y Geoff Barrow. También disfruto de ciertas composiciones de Daniel Avery, Jon Hopkins, Maenad Veyl y Amelie Lens. De hecho, me gustan muchas cosas, pero no quiero “dominar” el tema. Soy un gran fan de la música industrial, por lo que los nuevos lanzamientos a menudo no me conmueven tanto emocionalmente. Me doy cuenta de que, a menudo, es la idea, la fantasía que creo en torno a un estilo o una atmósfera, lo que se convierte en un verdadero recurso creativo para mí.
—¿Cómo decides si una canción va a estar en francés o en inglés? Dijiste que en tu lengua materna son más personales, ¿verdad?
—En ambos casos, mis letras siguen siendo personales. A veces, simplemente siento que no estoy aportando nada interesante, o que mi dominio del idioma no me permite hacerlo plenamente en un tema en particular. En ese punto, la voz se convierte en un instrumento y el idioma mismo forma parte de la exploración.
—¿Intentas dar una perspectiva positiva con el álbum? ¿Crees que sigue siendo posible ser optimista hoy en día?
—Siempre trato de mantener la perspectiva. El optimismo no es ingenuo, significa reconocer las dificultades sin dejar que te consuman, y buscar esas pequeñas luces que te ayudan a seguir adelante. Creo que lo que define a los seres humanos es esta capacidad de adaptarse, de encontrar recursos incluso en los momentos más oscuros.
—Grabas principalmente con equipo analógico, ¿verdad? ¿Por qué lo prefieres?
—Básicamente porque encuentro que el equipo analógico tiene más carácter. La saturación del equipo crea nuevas sensaciones, por ejemplo. Con los avances en IA o incluso en plugins de alta gama, muchos paisajes sonoros entre artistas en 2026 comienzan a sonar similares. Para mí, usar equipo orgánico permite recuperar esa encantadora imperfección humana. Dicho esto, también hay muy buenos plugins que utilizo de vez en cuando. Y tener todo en una computadora ha permitido a muchos jóvenes músicos hacer música sin tener que gastar cantidades astronómicas en un sintetizador que solo hace un color.
—Te encargas del diseño del artwork de tus lanzamientos, ¿verdad? ¿Cuál es tu inspiración en este tema?
—Exactamente, hago acuarelas. Mis influencias son bastante predecibles: amo las obras de Francis Bacon, así como los dibujos y pinturas de David Lynch (aunque al principio no conocía mucho sus películas, que ahora estoy descubriendo y adoro).
—Divine Shade ha abierto para grandes bandas y artistas, especialmente The Sisters of Mercy, The Mission, Gary Numan y New Model Army. ¿Cuál es tu mejor recuerdo de estos conciertos/giras?
—Hay tantos buenos recuerdos que sería difícil elegir solo uno. Pero para mí, lo más notable fue lo que Gary Numan me dijo: a veces, hay personas que te hacen sentir ilegítimo, que te llaman copia… como si los grandes maestros no hubieran tenido maestros a su vez. Y me hizo entender algo poderoso: “Tu propia historia es única.”
—¿Qué pasó con tu proyecto paralelo Ren Toner? Nos gustó mucho el EP que lanzaste en el 2022.
—Tomé un breve descanso con Ren Toner, porque las oportunidades con Divine Shade llegaron bastante rápido y tenía que concentrarme en ellas. Dicho esto, la idea de seguir haciendo música electrónica por mi cuenta aún me atrae.
—¿Cuáles son tus planes para el futuro?
—Voy a componer los temas para Fragments-Vol.2, continuar pintando, mientras hago tantas giras como sea posible. Al mismo tiempo, quiero explorar aún más mi universo musical y visual, como si fuera un verdadero multiverso.
—¿Cómo fue la experiencia en el festival Santuario? Conozco a algunos chicos que quedaron impresionados con vuestra actuación.
—Fue realmente intenso en términos de organización, pero fue un verdadero placer poder tocar en un festival como este en Madrid. Pasamos un tiempo increíble en el escenario, y estoy verdaderamente agradecido a cada persona que vino a escucharnos.
