Neon Electronics es el proyecto que Dirk Da Davo montó tras el final de su anterior y legendaria banda, The Neon Judgement. En esta nueva aventura, el músico belga mostró su amplia paleta de registros en discos tan distintos como System Rivièra o ne. Aunque nació como proyecto en solitario, Neon Electronics acabó siendo un trío gracias a la suma de Radical G y Pieter-Jan Theunis. En esta entrevista Da Davo nos habla de su larga carrera y de los múltiples proyectos de un artista que, hoy en día, todavía está muy activo. Dirk Da Davo actuará con Neon Electronics el domingo tres de diciembre en el Ombra Festival.
The Neon Judgement
—En una entrevista, dijiste que tanto tú como TB Frank erais grandes fans de The Velvet Underground. ¿Qué os gustaba de la banda de Lou Reed y John Cale?
—Nos encantaba la actitud de la banda y su música, claro. Creo que VU fueron la primera banda punk en el planeta. La Velvet Underground fue la banda que nos enseñó que no tenías que ser muy bueno técnicamente. Solo necesitabas la intención y las palabras adecuadas. Y con eso se puede hacer un ruido controlado. Empezamos a intentar conseguir esa especie de sentimiento en nuestro local de ensayo, pero con diferentes instrumentos. Inconscientemente comenzamos a vestir como ellos cuando empezamos a dar conciertos en los ochenta. Las ropas de cuero negro y las gafas oscuras. Creo que encontramos nuestra identidad a través de VU.
—En vuestro primer disco, Suffering de 1981, podemos escuchar influencias de Suicide en temas como “The Machine” o “Sweet Revenge”. ¿Dirías que era la formación que más se acercaba a vuestra estética/filosofía, con TB Frank siendo el Alan Vega de la banda (al ser él más fan del rock ’n’ roll)?
—Diría que sí, pero no es correcto. Solo fue hasta que habíamos grabado Concrete (1984) que un amigo nuestro escuchó la grabación y mencionó la existencia de la banda Suicide. Dijo: ¡sonáis como Suicide! Le pegamos una escucha y estuvimos realmente sorprendidos al escuchar cómo ellos habían hehco lo que nosotros acabábamos de hacer. Así que no teníamos ni idea hasta que se publicó Concrete. Y ¡Concrete apareció tras la publicación de “Machine Life” y “Sweet Revenge”! Pero sí, quizás como pareja compositora, éramos un poco similar: un tío R&R y otro más enfocado a la electrónica. 😉
—Incluso en vuestro primer casete, la guitarra siempre ha jugado una parte importante en vuestro sonido. ¿Intentabas encontrar un equilibrio entre sonidos rock y electrónica? ¿O era una batalla entre tus gustos y los de TB?
—Hablando por mí mismo, siempre he tenido la ambición de combinar electrónica y guitarras. Comencé en la música cuando tenía 15/16 años al tocar y estudiar guitarra. Luego compré el sintetizador Yamaha CS 10 y empecé a experimentar con los dos. Siempre buscando la combinación adecuada. Frank era el compañero compositivo ideal para esto. Teníamos esta idea en común como compositores. Así que fue simplemente algo natural, ¡y para nada una batalla!
—Supongo que los comienzos de los ochenta fueron una época increíble para la música belga con vosotros, Front 242, Absolute Body Control, Signal Aout 42, Parade Ground, etc., pero ¿estaba el público preparado? ¿Cómo reaccionaba la gente a vuestra música en los primeros años de vuestra carrera?
—Oh chico, sí. La gente estaba a menudo sorprendida cuando veían por primera vez a un concierto en directo de TNJ. En directo era “música que te pateaba el trasero”, algo a medio camino entre el hard electro y el punk, el escenario lleno de humo y luces estroboscópicas, mucho bajo en el sonido y dos tíos en cuero negro y gafas de sol oscuras. Ludo Camberlin (que era nuestro primer ingeniero para las grabaciones en estudio) también hizo la mezcla en directo de los conciertos de esa época. Metió el bombo y el bajo tan profundamente en la mezcla que ¡la audiencia tenía el sentimiento de que estaban presionados contra el muro del local por el sonido! Era una experiencia muy física para el público… ¡Pero también para nosotros! Nunca se había hecho antes… No tengo ni idea de si la audiencia estaba preparada, pero ¡estaban agradablemente sorprendidos, eso seguro!
—Hubo un cambio a un sonido más electro con el single Cockerill-Sombre (1983) y el disco MBIH! (1985). Siendo dos personas las que escribíais los temas ¿Cómo encarabais cada disco? ¿Teníais ya alguna idea previa de hacia donde tenía que ir el sonido de cada álbum?
—No, realmente no. Así fue como pasó y simplemente dejamos que pasase. Con MBIH! empecé a tocar la guitarra. El tema “I Wish I Could” de ese disco lo escribimos Frank y yo, los dos trabajando/componiendo con la guitarra… Básicamente es un tema de guitarra y el sonido electrónico fue añadido después.
—Siempre he visto “See that!” como vuestro particular “Magnificent Seven”, aunque la influencia del dub es mayor en vuestro tema. A propósito del clásico de The Clash, ¿estaba la banda interesada en la cultura hip hop que tanto se estaba desarrollando por esos días?
—¿De verdad? Gracias 🙂 Sí, éramos conscientes de la cultura hip hop y todo eso. Pero principalmente queríamos hacer algo más reggae como un ‘spielerei’, además de por diversión. Siempre éramos anunciados como una banda oscura, pero ¡también nos divertíamos con la música y nos solíamos echar unas risas! En esos tiempos también tenías a Blondie con su “Rapture” introduciendo el hip hop y rap a una mayor audiencia. Pero ¡no llevábamos cadenas de oro ni nada así! 😉
—¿Está el nombre de vuestro siguiente disco Mafu Cage (1986), inspirado en la película de 1978 sobre dos hermanas incestuosas? La provocación y el sexo siempre han estado muy unidos a la banda ¿crees que la sociedad tiene un punto de vista hipócrita sobre este último?
—Sí, de hecho, el título está inspirado en esa película. ¿Un punto de vista hipócrita sobre el sexo? El sexo está en todas partes en internet ahora. Hace un tiempo fue un tema importante en la prensa belga porque un político dijo: -¿Qué es esto? ¡Parece la tienda de un carnicero! ¡Es un escándalo! Dijo que no sabía nada de todo eso, pero no lo creo. Así que sí, la sociedad tiene un punto de vista hipócrita sobre el sexo, pero al mismo tiempo está en todas partes.
—Horny As Hell (1987) fue uno de vuestros discos más experimentales, incluso con un avance de los que vendría en vuestro siguiente disco (“The Sea” ya incluía influencias Tex-mex) y además hay sonidos orientales en el tema que da título al álbum. ¿Intentabais añadir nuevos elementos a la música de The Neon Judgement? ¿Cómo recuerdas la grabación del disco?
—Horny As Hell fue compuesto en el edificio de una vieja fábrica donde estábamos ensayando en aquellos tiempos. Creo que puedes oír los alrededores al escuchar el disco. La influencia Tex-mex en “The Sea” proviene seguro de Frank. El disco recuerdo que fue hecho rápidamente. En ese momento teníamos un programa de conciertos bastante apretado y la compañía discográfica quería un disco para poder continuar la gira de promoción… y sí, siempre estábamos intentando añadir otras culturas a nuestra música para que funcionasen como opuestos: yin y yang.
—¿Qué han supuesto las mejoras en la tecnología en la evolución de la banda? ¿Cuándo empezasteis a usar samplers?
—La tecnología no era de mucha ayuda para nosotros. En el disco The Neon Judgement 1981-1984 (1985), por ejemplo, todos los teclados estaban tocados en directo, ninguna herramienta de ajuste fue usada en las grabaciones. Esto dio algo de dinamismo a la música y permitió que tuviese su propio carácter a la vez que evitaba ser estática. La primera vez que usamos el sampler fue en Mafu Cage. No teníamos uno así que fue Patrick Codenys (Front 242) el que amablemente nos ayudó. Teníamos la idea de darle a Mafu Cage una atmósfera africana, así que fui a un lugar donde alquilaban grabaciones en vinilo con sonidos de elefantes, de monos, etc… Con estas grabaciones fui a casa de Patrick donde hice los samples, los puse en disco y llevé el disco conmigo al estudio donde tenía la misma máquina de samplear que tenían Front 242… Y usé todos esos samples en Mafu Cage.
—El estilo musical de The Neon Judgement ha cambiado en casi todos los discos. ¿Cómo fueron tomados estos cambios por los fans?
—Los cambios de estilo no eran realmente comerciales. Preferíamos tomar nuestra música tema a tema. Creo que nuestros fans apreciaban esto y lo veían como creatividad. Tienes a fans de 242 y a fans de los Neon. Front 242 permanecieron más en el concepto, nosotros no. Esa es precisamente la razón por la que nuestros fans se quedaron con nosotros, o eso creo.
—Como decíamos antes en Blood & Thunder (1989), la banda añadió algunas influencias Tex-
mex al sonido del disco. ¿Qué música os estaba inspirando en esos días? ¿Os gustaban Wall Of Voodoo? Su disco Call of the West tiene una portada cuyos colores la asemejan a la de vuestro álbum.
—Fue un periodo en el que estábamos a menudo escuchando vieja música blues, grabaciones tradicionales. El tema “Facing Pictures” fue el resultado de mezclar una atmósfera blues (el arpa de la intro) con samples de jazz e incluso algunos orientales. Pero no, no conocíamos a la banda Wall of Voodoo en esos tiempos…
—”Damned I love you” tiene influencias de los Happy Mondays (o eso creo) y el disco Are You Real (1991) se supone que está influido por la música de Madchester. ¿Estabais interesados en esa escena y en el acid-house?
—Bueno, Are You Real fue un disco muy, muy difícil de hacer. Nuestra compañía discográfica quería que creciéramos hasta convertirnos en una banda de lista de éxitos, sonando más comercial. Hicimos un montón de demos y se las mandamos a la compañía, pero fueron rechazadas una y otra vez. Realmente era una mierda. Al final, no sabíamos qué hacer y dejamos la producción totalmente en las manos de Ludo Camberlin, quien estaba más interesado en todo ese rollo de Manchester.
No estábamos involucrados en esa escena. Me temo que los recuerdos de Are You Real no son muy buenos ni para Frank ni para mí. Are You Real fue hecho para contentar a la compañía discográfica, pero el disco no funcionó tan bien y nos despidieron después. Una pena, pero esas cosas ocurren.
—En este disco, la rabia de los comienzos es menos evidente y, en cambio, la música es más feliz. ¿Fue una época en la que estabais contentos o simplemente cambió vuestra forma de ver la vida?
—No, no realmente. Siempre hemos mirado el lado negro del futuro, y todavía lo hago. Probablemente tuvo que ver con la constante presión de la discográfica para intentar hacernos una banda más comercial. Eso, posiblemente, cambió nuestra actitud al escribir los textos…
—En el documental sobre The Neon Judgement, tú y TB habláis sobre las letras de la banda y las referencias a Orwell. ¿Crees que por culpa del coronavirus y otros problemas nos estamos acercando cada vez más a este futuro distópico?
—Leí a Orwell cuando tenía 16 o 17 años… Realmente me impactó y me/nos marcó para siempre. Con la llegada del Covid-19 me temo que ya hemos llegado ahí. No esperaba que esto llegase tan pronto y tan rápido. Hubiera deseado no estar en el planeta cuando estas cosas estuvieran sucediendo. Si combinas 1984 de Orwell con Un Mundo Feliz de Aldous Huxley tienes lo que estábamos viviendo entonces. La élite nos vende libertad bajo la condición de que nos convirtamos en esclavos. Y me temo que no hay vuelta atrás. El miedo reina y los nuevos media estimulan el miedo todo el tiempo. El miedo es un opresor en cada dictadura. Dicho esto…
—Según la Wikipedia, At Devil’s Fork (1995), fue grabado en una zona boscosa en la que la banda “creó su propio santuario”. ¿Nos puedes contar algo más sobre esto?
—Para la grabación de At Devil’s Fork, alquilamos una casa de madera en mitad de los Ardenas belgas. Es un área de bosques en el sur del país. Allí se nos unió el percusionista Ben Forceville y el ingeniero Kenny Blomme (¡y el perro de Frank!). Trasladamos nuestro estudio de grabación a ese lugar y empezamos a grabar y crear. Creo que el sonido de las grabaciones suena bastante brutal ¡para haber sido grabado en medio de un bosque! ¡Quizás la casa en la que nos quedamos había sido antes propiedad de una bruja! 😉
—Algunos artistas que se hicieron realmente famosos durante los noventa como The Hacker, Terence Fixmer, Tiga o Dave Clarke confesaron haber sido influidos por vuestra banda. ¿De qué forma crees que The Neon Judgement ha sido una inspiración para estos músicos? Algunos de ellos aparecen en vuestro disco de remezclas (Remixes, 2005), ¿cómo surgió la idea de este disco?
—Eso es difícil de decir. ¿Quizás obtuvieron la misma impresión de nosotros que nosotros tuvimos de The Velvet Underground? Y nosotros la combinamos con electro. Recuerdo que Tiga me contó una vez que mientras hacíamos nuestra gira mundial en 1989, dimos un concierto doble en Montreal. Ahí es donde viven los padres de Tiga. Su padre fue a los dos conciertos de Montreal. Y más tarde, Tiga descubrió a TNJ a través de los discos de su padre.
Por esos días, estábamos buscando a un remezclador para “Tv Treated” y el padre de Tiga le insistió para que él rehiciera el tema,” ¡Y lo hizo! Después, Dave Clarke vino con una espléndida remezcla del mismo tema (2015). La idea del cd de remezclas fue la de introducir a TNJ a una audiencia más joven, frecuentadora de clubs. Y funcionó.
—¿Qué pasó con el disco de versiones que teníais planeado en el 2014?
—El disco de versiones se convirtió en parte de la publicación de nuestra gira de despedida llamada Time Capsule, que apareció en el 2015. Time Capsule es una caja de vinilos que contiene un grandes éxitos con grabaciones originales, 7″s, otras cosas interesantes y artilugios. Es una caja en edición limitada, pero las versiones también están disponibles en digital.
—Según vuestra propia web, “TB Frank y Dirk Da Davo decidieron tomarse un año sabático en 1999”. Después de esto, la banda volvió principalmente para tocar en directo (con la excepción del disco del 2009 Smack) ¿Qué pasó que dejasteis de publicar discos? ¿Os habían afectado las bajas ventas de Dazsoo (1998)?
—Ya teníamos la anterior historia con la discográfica de la época de Are You Real de la que hemos hablado antes. En 1994 hicimos At Devil’s Fork y en 1998 Dazsoo. Nuestras experiencias con estos tres álbumes hicieron que dejásemos de producir discos. Los sellos con los que estábamos involucrados en los dos últimos no eran de la clase de los que nos podían hacer feliz en temas de promoción (que no hicieron). Sabes, pones un montón de energía en crear un disco y la parte más aburrida es ir a buscar un sello discográfico. Y luego, cuando te defraudan, estás en tierra de nadie. Dañó a la banda en cierta forma. Mejor no publicar nada que tener un trabajo malamente promocionado. Ese es el porqué. Estábamos hartos de los sellos y el blah blah blah…
—Vuestro disco más dirigido a la pista de baile fue Dazsoo. En una entrevista dijiste que la música de The Neon Judgement era música de baile, ¿es este el disco que más se acerca a esa definición?
—¿Lo he dicho? Creo que es más música que se puede bailar que música de baile… Añadimos muchos sonidos para ser descritos como música de baile. Entonces, deberíamos simplificar la música un montón.
—¿Cómo imaginas un disco de The Neon Judgement hecho ahora?
—Deberíamos hacer uno para poder decir 😉 Oscuro y duro quizás, ¿con letras chulas?
Neon Electronics
—Comenzaste Neon Electronics en 1999. Al mantener la parte de Neon en el nombre, ¿querías que este proyecto fuese una continuación de The Neon Judgement?
—No, no tenía esa intención. Quería distanciarme de TNJ con el proyecto y después, a menudo me he arrepentido de mantener el Neon en el nombre. Crea a veces expectativas en la audiencia que no van a ser satisfechas. En el 2001 con la publicación del disco de NE System Riviéra (2001), que fue un cd que vendió bastante bien, estuve pensando en cambiar el nombre. Pero entonces ya era demasiado difícil. System Riviéra ya había sido publicado. Así que he aprendido a vivir con ese nombre hasta ahora.
—Al comienzo, Neon Electronics, era un proyecto en solitario, pero más tarde, empezaste a colaborar con otros productores. Has dicho en una entrevista que fue bueno para “darle otro sabor a tu música y para tu evolución artística y compositiva”. Tras unos cuantos discos con NE, ¿cómo dirías que trabajar con otros músicos ha marcado tu forma de componer?
—Realmente no sabría decir si me ha marcado. Al comienzo, Neon Electronics estaba pensado como un proyecto estrictamente electrónico, aunque más tarde, mi amor por los sonidos de la guitarra acabó colándose. Junto a Glenn Keteleer (Radical G) y el bajista Pieter-Jan Theunis, desarrollamos un sonido en directo bastante sólido. Trabajamos de forma bastante intensa durante unos cuatro o cinco años, perfilando este sonido. Una mezcla entre música de baile/electrónica con bajo y guitarra. Esta ha sido la experiencia conceptual más enriquecedora para mí dentro de Neon Electronics. Nos compenetrábamos muy bien y la interacción entre nosotros tres puede haberme marcado un poco. Hay un vídeo completo (2019) en You Tube. ¡Échale un ojo!
—Para los fans de The Neon Judgement, ¿qué disco de Neon Electronics te gustaría recomendarles y por qué?
—El último: Apollo (2019) y el disco NE (2015) quizás también. Pero creo que Apollo es el más cercano. Toco principalmente la guitarra en ese disco. Y Glenn Keteleer (Radical G) es responsable de la parte electrónica. Y de bajista tenemos a Pieter-Jan Theunis.
—Del disco NE, que fue publicado en el sello francés Unknow Pleasures, en tu reciente recopilatorio has seleccionado el tema”157″. ¿Te parece el más representativo de la banda?
—“157″ es definitivamente una de mis colaboraciones favoritas con Glenn Keteleer/Radical G. El tema suena muy intenso y siempre me ha gustado tocarlo en directo. Lo grabamos en el estudio casero de Glenn. Improvisamos mientras yo tocaba el bajo. Todo funcionaba bastante bien y tuve la idea de añadir algunas extrañas voces en francés. Fue una sesión de grabación increíble; ¡buenos recuerdos! La grabaciones que dieron forma a NE llamaron la atención del sello francés Unknown Pleasures, les encantó y lo publicaron en CD. “Road To Freedom” es otro de los grandes temas de ese disco. Apolo fue grabado cuatro años después y muestra un sonido más desarrollado.
Proyectos paralelos
—En solitario, editaste un primer single en el 1987, un EP en 2017 y un par de recopilatorios. ¿Cómo decides cuándo vas a publicar un trabajo bajo tu nombre o con The Neon Judgement o Neon Electronic? ¿Algo que nos quieras decir de estos discos?
—En 1987 fue el EP en vinilo Where Even Angels Fall. En el 2017, hice el EP Protest. Las decisiones que tomo están marcadas por la propia música. Con los EPs pienso en conceptos. La publicación del EP de 1987 fue espontánea, con el EP Protest tenía una clara perspectiva: PROTESTAR, el título lo dice todo. Soy un pensador crítico y pienso por mí mismo. Por eso también publico discos bajo mi propio nombre.
—En 1988, creaste un proyecto con Glenn Frank, miembro de Street Ducks llamado If It Moves. En el recopilatorio que has publicado recientemente has incluido “Meat Cathedral”, el tema principal del único single que publicasteis. ¿Qué nos puedes contar de esta colaboración de corta duración?
—En esa época, formaba parte de Street Ducks como guitarrista adicional. Todos éramos amigos y vivíamos en la misma ciudad y compartíamos la misma sala de ensayo. Así que un día estaba solo con Glenn en esa sala de ensayo y empezamos, de forma espontánea, a programar algunas sonidos de batería industriales… Cogí la guitarra y Glenn el micrófono, no pusimos a improvisar un poco y ¡así nació “Meat Cathedral”!
—En el 1992, publicaste un single más “trance” con el seudónimo DDD Program. ¿Nos puedes contar algo más de esto?
—En aquellos momentos, componía algunos temas instrumentales de música electrónica, simplemente por placer. En ese periodo, al comienzo de los años noventa, iba a clubs de techno y house. Así que, por aquellos días, me gustaba la música de baile. Me inspiró en el tema del sonido. Les pasé mis grabaciones a la compañía discográfica, les gustó y decidieron ponerlas en un vinilo 12” publicado bajo el nombre de DDD PROGRAM (en 1992).
—Como comentas, en el 2017, grabaste el EP Protest. Sé que siempre te has preocupado por el planeta y por la situación política, pero ¿cómo crees que tus letras pueden ayudar a la gente a ser más consciente de los diferentes problemas con los que nos enfrentamos actualmente?
—No me engaño a mí mismo pensando que la música puede hacer a la gente más consciente pero: ¡me gusta intentarlo siempre! Creo que es parte de mi identidad. Es simplemente lo más profundo de mi alma hablando por mí. Entonces, espero que alguien lo entenderá. En la “nueva normalidad de la sociedad” la introducción de información en los cerebros de la gente se hizo tan grande, el bombardeo en la mente a través de los medios sociales, TV, medios de comunicación, etc… que ¡a veces me pregunto si es posible llegar a las mentes de la gente! ¿Todavía queda algo de espacio ahí? El mundo se mueve de una forma tan rápida, te puedes encontrar cualquier cosa en cualquier lugar y la narrativas dominan. Intentar competir, temo que sea algo demasiado optimista. Pero como he dicho: ¡siempre lo intento! Y también con The Neon Judgement queríamos alertar a la gente de cierto posible futuro, así que supongo que no he cambiado mucho…
—A lo largo de tu carrera, te ha gustado revisar algunos de tus temas antiguos. ¿Ves tus composiciones como un trabajo en curso o simplemente te gusta poner al día el sonido de algunos de ellos?
—Mi intención siempre ha sido la de poner al día el sonido de los temas. Refrescarlos para mí mismo, experimentar con las melodías y esas cosas…
—El año pasado, 2022, planeaste publicar una serie de singles bajo tu nombre. Los dos primeros se pueden encontrar en el recopilatorio anteriormente comentado: “King of Fools” y “The Unreal”. ¿Nos puedes contar algo más de estos lanzamientos? ¿Vas a continuar publicando temas así en solitario?
—Siempre estoy grabando música. Es mi terapia. Y la publicación de singles digitales me permite cierta presencia en la actualidad musical. No necesito pensar en el concepto de álbum. Así que creo que sí, puedes esperar más música mía.
—Por último, “Strive” es un tema inédito que apareció en DDD Retrospective 1987-2023, realizado especialmente para el recopilatorio. ¿Nos puedes contar algo más de él?
—Acabamos de terminar un vídeo para “Strive”. El concepto del disco me permite hacer una presentación de temas viejos y nuevos. El pasado es el pasado y estuvo muy bien y le estoy muy agradecido a los fans, pero como artista siempre debo mirar al futuro, así que pensé que sería una buena idea presentarle a mi audiencia algo nuevo. ¡Música nunca publicada antes! Y exclusiva para este vinilo. Ni siquiera estará en los canales de streaming cuando se publique el disco… Y eso me parece bien y ¡espero que también piensen lo mismo los oyentes! ¡Echadle un ojo al vídeo!
DD Sanchez
—En 2018, conociste a Sanchez, el bajista mexicano con el que has trabajado últimamente.
¿Nos puedes contar algo más de este encuentro? Fue en el festival Burning Man, ¿verdad?
—Nos conocimos durante el verano del 2018. Estaba viajando por los Estados Unidos y nuestros caminos se cruzaron… Y sí, eso sucedió en el festival Burning Man. Estuvimos un rato hablando de música, conectamos fácilmente y unos días después improvisamos algunas sesiones acústicas en el estudio de un amigo. Después de eso, me llevé mis grabaciones a mi propio estudio y empecé a trabajar en los arreglos y en las voces. ¡Así nació DD SANCHEZ! Publicamos nuestro primer EP digital, titulado Z en el 2019.
—HappyGrey fue vuestro primer álbum. Como se puede leer en las notas de tu página web, es el proyecto con un sonido más alegre. ¿Es representativo del momento de tu vida que estás viviendo o simplemente una consecuencia de la colaboración?
—No, estuvo planeado desde el comienzo que sonaría menos oscuro. Soy más conocido en la escena de música más oscura, y me pareció un desafío crear una especie de música que sonase un poco más ligera, un poco más animada. Por supuesto que no es música pop feliz de la que ves en las listas de éxito, pero es diferente. Elegí el título “HappyGrey” para poner énfasis en ello. No suena realmente oscuro, pero tampoco totalmente feliz. Digamos que ¡lo hice lo mejor que pude! 😉
DDDJMX
—¿Qué nos puedes contar de tu proyecto DDDJMX? Has grabado unos temas con Jean-
Marie Aerts de la legendaria banda belga TC Matic (aunque para ser honestos, por alguna extraña razón no son tan famosos en España). ¿Cómo nació este proyecto? ¿Fueron TC Matic una influencia para ti?
—Sacamos un disco como DDDJMX titulado Oceaned, publicado digitalmente en abril del 2020. Bueno, fue pura coincidencia que hiciéramos este disco. Vivo en España, en Fuerteventura. Un día en el 2017, Jean-Marie decidió venir a visitarme y pasar conmigo unas vacaciones. Tengo un pequeño estudio de grabación y tardamos exactamente dos días desde que llegó en empezar a grabar música en mi estudio casero. Hicimos principalmente jam sessions, puramente por diversión. Y JMX siguió viniendo durante tres años seguidos, le gusta el lugar, y grabamos de nuevo. Después de tres visitas teníamos 10 temas. Después de las jams, JMX me dejaba con las grabaciones y empecé a trabajar en ellas, editando, escribiendo letras, poniéndole voces a los temas e hice más arreglos, lo que resultó en el disco Oceaned. Conozco a JMX de hace mucho tiempo, él fue productor de parte del disco de TNJ Blood & Thunder (1989). Produjo, entre otras, “13.13” y “Facing Pictures” en ese disco. Y seguro que como guitarrista ha sido una influencia, hizo tantos buenos riffs con su banda TC Matic. Es una pena que nunca llegaran a dar ningún concierto en España en su momento, ¡eran una banda en directo fantástica! Para mí, fue un auténtico honor poder trabajar con él y es un elogio que confiase en mí para hacer la mezcla y la producción de nuestras grabaciones.
—Llevas un tiempo viviendo en España como dices. ¿Estás contento con tu vida allí?
—Sí, ya llevo siete años viviendo en Fuerteventura. Siempre me he sentido bien viviendo en España, y siempre me ha gustado el sentimiento de vivir en una isla. Cuando tenía catorce años y alguien me preguntaba lo que quería hacer cuando fuera mayor, mi respuesta nunca fue la de convertirme en un bombero. En cambio, siempre decía que quería ser músico y vivir en España. Misión cumplida. Me encuentro bien estando donde estoy.
DanceDelic-D
—¿Cómo le va a tu sello discográfico DanceDelic-D? ¿Lo creaste para publicar tus discos? ¿Es más difícil dirigir una discográfica hoy en día?
—Empecé Dancedelic-D en 1999, de hecho, principalmente para publicar mi propio material. Más tarde hice también alguna publicación de TNJ a través del sello, entre otras Smack (2009). Experimenté que esta era una forma más satisfactoria de trabajar. Después de empezar DanceDelic-D, todo mejoró. 🙂 No quería perder más mi tiempo en sellos externos. Pero es difícil. También hago ediciones digitales exclusivas porque es necesario.
Con cada proyecto suelo tocar un estilo distinto. Así que, buscando cada vez un sello, pasaría más tiempo en esto que en la parte creativa de mi trabajo. Pero es una pena que la música se haya reducido, principalmente, a digital. El streaming y todo eso no son el tipo de cosas con las que haces dinero. Es un mundo de ‘likes’ ‘follows’ y “plays”. Prefiero cds y vinilo, pero el riesgo de invertir dinero se ha convertido en demasiado grande y no hay mucho beneficio… Solo tengo unas cuantas bandas externas en el sello: Radical G (Bélgica) y Formshift (Holanda). Pero es gracias a DanceDelic-D que todavía ando por aquí.
—En tu sello discográfico DanceDelic-D, has publicado algunos discos de Radical G. Como comentas, además es parte de NE y actuará en solitario en el Ombra. ¿Cómo lo conociste? ¿Has escuchado su The Deserted Kingdom que publicó hace un par de años?
—Nos conocimos hace tiempo en una compañía discográfica. Estaba publicando su primer álbum en CD y vino a entregarlo para la distribución. Me dio uno de sus cds, lo escuché y me gustó, así que lo contacté y le propuse hacer algo de música juntos. Y eso fue lo que pasó. Y por supuesto, todavía sigo su música tanto como puedo.
—DDD Retrospective 1987-2023 fue el primer vinilo que publicaste en tu sello. ¿Crees que esta “fiebre del plástico” va a durar?
—No tengo ni idea. Las preventas del disco están yendo bien, eso es bueno. Pero antes tenemos que terminar este lanzamiento antes de ponernos con otra cosa. Pero el vinilo es, definitivamente, “amor por la calidez de la música”, y estoy muy feliz con este disco porque representa mi cronología. Desde la música de mi pasado hasta mis últimos proyectos musicales. Producir y publicar vinilos no se ha vuelto más fácil a día de hoy… Así que dejo esto abierto…
—¿Qué planes tienes para el futuro?
—He estado muy ocupado este año con tres lanzamientos: mi recopilatorio DDD Retrospective 1987-2023, el disco de PIAS40 y la reciente compilación en vinilo BLUE SCREENS que saldrá en breve (todo en vinilo).
El 20 de noviembre publicaré un nuevo EP digital de 4 temas con DDDJMX, mi proyecto con el guitarrista y productor belga Jean-Marie Aerts.
Es posible que para el año que viene saquemos un vinilo de Neon Electronics, y también es posible que aparezca un recopilatorio, pero todavía no es seguro.
Además, estoy componiendo nueva música, pero todavía está en proceso.
—¿Qué podemos esperar del concierto de Neon Electronics en el Ombra?
—Una banda de tres miembros con Glenn (Radical G) a la parte electrónica y Pieter-Jan Theunis al bajo. Yo me encargaré de la guitara.
Comparto las tareas vocales con Glenn en esta actuación… Será como esto:
Hace bastante que no estamos juntos sobre el escenario y tenemos muchas ganas del concierto porque Barcelona significa algo especial para nosotros. Además hemos trabajado con Oráculo Records y Unknown Pleasures Records en el pasado para la publicación de cds y vinilos.
